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序论：在您撰写艺术作品分析论文时，参考他人的优秀作品可以开阔视野，小编为您整理的7篇范文，希望这些建议能够激发您的创作热情，引导您走向新的创作高度。
论文关键词：地方高校，公共艺术选修课，课堂教学，改革
公共艺术选修课主要是在专业教师的指导下，初步了解与我们日常生活具有紧密联系几种主要的艺术表现形态，例如音乐、美术、书法等，对古今中外优秀的艺术作品进行学习和欣赏，把握不同艺术类型的特点和审美要求，从而达到提高学生的文化素养，促进学生素质发展的目的。所以教育学论文，目前全国高校普遍都开设了公共艺术选修课，把开展艺术教育作为深化教育改革，全面推进素质教育的重要举措之一，并且取得了很好的效果，艺术教育的重要性正逐步被全社会认可和接受。
但是，我们同时看到，目前高校中开设的选修课还存在一系列问题，需要进行深入研究和认真探索。例如，相关教材缺乏，教学难易程度很难把握；教学手段单一，难以调动学生学习的积极性；教学监控体系不完善，教学效果难以保证等核心期刊。尤其是对于地方性高校来说，除了面临上述问题之外，还存在着教材缺乏针对性、艺术教学中的地域性内容不突出等问题。而课堂是学生学习的主要场所，也是教育教学目标得以实现的主要阵地。要想解决目前地方高校公共艺术选修课中存在的问题教育学论文，我们认为，可以从课堂教学改革这一角度入手，积极探索提高公共艺术选修课的有效途径。
我们认为，地方高校公共艺术选修课的课堂教学，应该从以下环节来进行改革：
1．努力改变专业课课堂教学中以传授知识和技巧训练为中心的教学目的，引导学生在轻松自由愉悦的状态下感受艺术的魅力，提高审美修养。
选修课与专业课的教学目的不同，选修课主要是针对非艺术专业的学生开设的，是通识教育，不注重专业技能的提高和训练，主要为了扩大学生的知识面，满足部分非专业学生的兴趣爱好，或者发展他们某一方面的才能等。在现阶段，很多高校公共艺术选修课的教学，普遍使用的是艺术史论方面的教材教育学论文，这就造成了过于专业化而忽视了非专业学生的知识结构，影响到选修课的教学效果。所以，我们认为，公共艺术选修课应当以欣赏具体的中外经典艺术作品为主要内容，在老师的引导下，调动学生学习和了解艺术作品的兴趣，使学生在轻松自由的状态下深入领会艺术作品内在的文化精神和人文思想，获得美的享受和感悟，提高审美修养。
2．广泛运用现代多媒体手段，包括声像资料和影视艺术等形式，激发学生的学习兴趣。公共艺术选修课的教学活动，必须要兼顾不同专业学生的心理特点，要切实调动学生学习的积极性和主动性，吸引学生主动参与到教学过程核心期刊。在这一过程中，仅凭老师枯燥的讲解显然无法实现上述目的教育学论文，这就需要借助声像资料等多媒体手段的优势，对艺术作品或艺术现象进行全面而精准的展示和解读，加深学生对艺术作品和艺术发展规律的理解。例如，在中国绘画作品鉴赏中，采用幻灯片的形式进行讲解，可以极大拉近学生与美术作品的距离，提高学生对于绘画作品的兴趣。
3．加强具有地方特色的民间文化艺术的普及和教育活动。目前，国摘要举措。可以采取与本地政府文化部门、博物馆、展览馆、文化艺术院（团）、风景名胜区等机构共建审美（艺术）教育基地，实行多样化的开放式的实地教学，采取实地参观、考察、研究、赏析等方式，加强本地民间文化艺术的普及和教育活动，丰富和扩大学生的视野。
4．通过撰写论文、课堂讨论等形式，培养学生学习的积极性和，提高学生自主学习的能力。为保证教学效果，应重视对艺术作品欣赏的实践能力的培养教育学论文，注重对艺术作品和艺术现象的个性化解读，充分激发学生的想象力和创造活力，要尝试借助布置平时作业或者安排课堂讨论等形式，努力调动学生的学习兴趣和创造能力。在论文写作和集体讨论过程中，不追求标准答案，通过学生自己在课后收集相关资料，经过讨论、辩论等形式，培养学生的审美感受力、鉴赏力和创造力。
5．注重学生想象力与创造力的培养，加强课堂教学内容与学生生活经验、文化背景和专业技能等之间的联系核心期刊。要引导学生从不同角度分析艺术作品，尤其是从自身所学专业的角度来理解艺术和艺术作品，培养学生的想象能力和创造思维。作为跨专业选修课，上课的学生都分别来自不同的专业，在课堂上要调动学生的积极性，使学生把选修课知识与日常生活经验，尤其是专业技能结合起来教育学论文，使学生从不同的角度来欣赏艺术和艺术作品，锻炼和提高他们的思维能力。例如，经济学院专业的同学可以从经济的角度对于清代中期“扬州画派”进行解读，进而进一步明确政治环境和经济条件与艺术市场之间的紧密联系。
所以，公共艺术选修课对于提高学生的综合素质，树立正确的审美观念，培养创新精神和实践能力具有十分重要的意义。但是，目前地方性高校开设的相关课程还存在着不可忽视的问题，因此必须从课堂教学改革这一角度入手，积极探索提高公共艺术选修课的有效途径，努力提升广大学生的审美能力及鉴赏水平，完善知识结构，促进学生素质的全面发展。
参考文献：
[1]郭原.高校美术教育现状与改革的思考[J].艺术教育,2009,(04):46-47.
[2]吴金铭.美术鉴赏教学之我见[J].教育探索,2007(8):72-73.
[3]韦静涛.论高校美术鉴赏课创新教学[J].中国成人教育,2007(20):132-133.
[4]庞侃.浅谈美术鉴赏作为高校通识课程的课堂教学构建[J].美术学刊,2011(3):62-63.
一、由研究方式引发的问题
2008年5月12日下午，汶川发生特大地震，惊动了整个中国。就在这非常时刻，上海音乐学院系统音乐学理论学科专业研究生培养指导委员会分会的五位教授暨博士研究生导师(韩锺恩、杨燕迪、洛秦、萧梅、曹本冶)正在该院图书馆电教大楼623室(上海市第二期重点学科音乐文化史特色学科办公室)进行2008年音乐美学与音乐人类学博士研究生入学口试。
本人的2006级音乐美学方向硕士研究生孙月，在通过硕博连读申请审核之后，参加2008年度博士研究生入学考试(现已通过考试，成为2008级音乐美学方向博士研究生，继续随本人攻读博士学位)，并作为进入口试程序的唯一一名音乐美学方向考生。口试过程中，考官主要就其通过硕士学位论文开题报告的选题内容，让她谈谈以此为基础向博士学位论文扩充的条件。在她回答之后，我进一步追问并请她思考两个问题：第一，究竟通过什么方式路径去解决真理置人艺术作品问题，是描述还是论述?是美学还是哲学或者别学?第二，分别从本体论、认识论、语言论不同角度去考虑真理能否置入艺术作品问题。
几天之后，我在给她上课时进一步和她讨论了这个问题。我坦率地对她说，尽管她的这次考试成绩名列前茅，但我对她那天口试的状态并不满意，除了她与其他考生普遍存在的学科意识淡薄这一点之外，仅就问题本身而言，她的回答基本上是模糊的，至少，也是缺乏自信的。于是，我和她再次从一个提问开始讨论相关问题。
2008年1月24日，杨燕迪教授在写给孙月硕士学位论文开题报告上的书面意见中，提出的最突出的一个问题是：看不到解决问题的路径。显然，真理置入艺术作品这个问题来自于海德格尔(Martin Heidegger，1889-1976)，集中可见其专论《艺术作品的本源》。当然，这仅仅是一个命题，对她而言，关键在如何通过音乐研究去揭示这个命题。一般而言，可以通过描述与论述两种方式去进行，但就音乐而言，似乎用美学的经验描写方式的可能性不大，那么，余下者哲学的思辨推论方式则就成为主导。
然而，凭我的学术直觉，运用哲学推论方式需要逐步构筑理论中介。就目前而言，可利用资源大致有：汉斯立克(Eduard Hansliek，1825-1904)幻想力，茵加尔登(Roman In-garden，1893-1970)非声音因素与纯意向性对象，布伦塔诺(Fmnz Brentano，1838-1917)心理现象，我在博士学位论文中提出的意向存在(intentionalit Sein)以及语言意义通过文字与语音呈现，杨燕迪关于立意问题的音乐理解途径，等等。
这里，尤其值得注意的是，一系列理论中介的逐步转换，比如：实体一物像一概念一意义。
看样子，真理置入艺术作品还是关联音乐意义问题。为此，我提请孙月在注意已有相关研究之外，最近中央音乐学院宋瑾教授发表的长篇论文《音乐的意义》，通过外观信息：音乐“相貌”提供的辨识信息；结构信息：音乐形式提供的辨识信息；内部信息：音乐的意蕴性内容；联结信息：在和其他事物联系中的音乐意义四个部分，表明音乐的意义是音乐理解的对象，而理解则是审美的基础；以及范晓峰教授前不久在南京艺术学院通过的博士学位论文《音乐理解现象研究》，。以可信性起点切入，通过理解本身、理解途径、理解结果三部分，表明音乐意义的生成及其同一性问题，也都是一些值得关注的研究成果。
返回过来，结合真理置入艺术作品问题，似乎可以这样命题：音乐意义存在方式并及真理置入艺术作品的形而上学研究。
可见，无论是真理置入艺术作品，还是音乐意义存在方式，在我目前的学科地图中，都具有垫后并折返前端的性质，因此，我希望她在做这个研究的过程中，尽可能有一些原创。
至于这个命题中的主项：音乐意义存在方式究竟是否成立?除了需要深入细致地研究之外，仅就其给出的陈述逻辑而言，至少，它是已有相关命题一音乐存在方式，音乐作品存在方式，音乐作为人的一种存在方式――的合理扩充。如前所述，作为与音乐意义存在方式相关的已有概念：幻想力，非声音成分，纯意向性对象，立意，音乐意义的形而上显现，意向存在，无疑，是一些不可回避的可用资源，尤其值得重视的是，加达默尔(Hans-Georg Gadamer，1900-2002)《真理与方法》作为哲学诠释学的经典著作，在讨论哲学问题的时候，竟然以“艺术经验里真理问题的展现”(其著作第一部分)作为问题开端。
关于音乐意义存在方式，2008年10月14日上午，在本人与2005级音乐美学方向博士生徐昭宇进行个别课讨论的过程中，他提到了通过演奏生成(becoming)意义的问题，并提到了法国哲学家德勒兹(Gilles Deleuze，1925-1995)的相关理论。由此，加上我在我的博士学位论文中依据胡塞尔提出通过意向显现形而上学意义，孙月打算依据海德格尔研究真理置入艺术作品，应该说，有关音乐意义存在方式的研究会有进一步的推进。至于说，三者之间的关系，我想，在各自研究有了一定结果之后，也会逐渐清晰起来。重要的是，各自的研究如何才能充分有效?尤其是针对与围绕音乐问题展开，可见，有关这方面的讨论应该摆上我的议事日程。
对此，我的学术直觉再次告诉我，当声音与感性直接关联的时候，即通过艺术敞开真理。
毫无疑问，这里的主要问题是：艺术中真理存在与否?真理如何置入艺术作品之中?艺术作品之中的真理是什么?以及由此引申的艺术作品中的真理的意义又是什么?
返回上述推论方式。2001年末，我曾经应《人民音乐》编辑金兆钧先生约请，撰写《“问题意识”与“前瞻性”预设――由音乐美学学科建设“长时段”叙事所引发》，在讨论有关20世纪语言论转向问题的时候，提到：继胡塞尔(Edmund Husserl，1859-1938)：面对实事本身(Zur Sache selbst)、海德格尔：面对思的事情(Zur Sache des Denkens)之后，自然是：面对语音还原(Zttr Reduction Phonem)的出场。从来被西方世界奉为不可道之道的逻各斯(Loges)，一再被胡塞尔悬置，被海德格尔隐匿，至此，终于被还原的语音替换：逻各斯中心主义让位于语音中心主义。
今天，如果还是将其中的事思诗作为本体(即事本体、思本体、诗本体)去面对的话，那么，是否能够可以通过本体论、认识论、语 言论的多重路径或者本体论、现象论、语言论的多层台阶去切中它，以至于不断去接近“音乐意义的存在如何成为可能”这个具哲学触底性的问题。
与此相应，再一个设想则更加冒险，即除了哲学推论方式之外，是否还可以借鉴神学论理方式驱除理性遮蔽的可能性?于是，我给孙月布置作业：通过美学描写与哲学推论，以及之后的神学沉思。显然，这不仅是一个胆大妄为的设想，而且，如何突破学科意义上的意识形态警戒，合理跨越认知与信仰、理性与灵性黄线，本身就是一个非常困难的问题。
二、由真理置入艺术作品进一步关联音乐内容问题
近十年前，大约在临近20世纪末的时候，有一个问题，又重新进入到了音乐学研究的视界与论域之中，即：相当长一段时间被20世纪音乐形式极度凸显所大面积遮蔽的音乐内容问题，尽管形式与内容的二元关系逻辑，在我看来依然需要重新审视并加以调整。
2004年10月25日至28日，在上海音乐学院举行的“2004音乐学学科回顾与展望研讨会”上，俄罗斯音乐学家瓦・尼・赫洛波娃作为特邀代表与会，并发表专题演讲。当时，在她的正式发言中，有关音乐内容问题研究的思路与程序，引起了与会代表的广泛关注，也引发了我的浓厚兴趣。后来，通过钱亦平教授的翻译和整理，正式编入其《音乐分析，学海津梁――钱亦平音乐文集》当中，以《音乐内容研究是21世纪的科学》(第349-359页)命题。
在此，值得一提的是，她通过数字0、1、2、3、5、9表示所形成的一个音乐内容集群：
0：表示音乐的总体情况，音乐概念的内容。而音乐概念的内容在世界上不同的国家以及不同的历史时期具有非常不同的内容。
1：表示音乐内容作为单一的范畴。而不是两种(形式／内容)或者三种(题材／形式／内容)的哲学组合。
2：表示专业的和非专业的音乐内容。被称作是专业的音乐内容的作用，在本质上仅仅是音乐艺术，可以从美学的角度来定义(如音乐创作所有元素的“美学和声”)，比如：声学系统，旋律的调式、和声音响和体系，节奏和节拍组织，旋律、织体、复调，主题结构，音乐形式；被称作是非专业的音乐内容的作用，既存在于音乐之内，又存在于音乐之外，比如：思想观念，外部世界的事物，人类的感情。
3：表示音乐内容的三个方面。情感，描写，符号。
5：表示音调的五种类型。情感型，描绘型，体裁型，风格型，结构型。
9：表示音乐内容的九个水平。整体的音乐内容，历史时代的音乐内容，民族艺术学派的音乐内容，音乐体裁的内容，音乐形式的内容，作曲家个人风格的内容，作品的独特构思，演奏者演绎的内容，听众理解音乐作品的内容。
至于。这里所说是否就是音乐内容?以及相关研究能否成为21世纪的科学?内容又是否等同于真理?完全可以再讨论。但仅就这里列出的诸多事项而言，不仅有助于对真理置入艺术作品问题的研究，而且，对切中音乐感性直觉经验问题，同样具有实质性的意义。
三、由理论效应以及感性与理性关系引发的问题
在2008年度博士研究生入学考试之后一个月，我的硕士生于亮和博士生吴佳先后顺利通过学位论文答辩。如同在先预料的那样，答辩过程中提问最突出的问题，主要是如是研究给出的结论是否有效?是否普适?以及感性与理性的关系。
关于有效性问题，于亮的答辩非常直截了当，明确表示有效。至于普适性问题，显然并非一件乐器(琵琶)能够涵盖，她的答辩是声况部分主要限于琵琶，而情况与意况部分则可部分涵盖其他乐器。由此引申的概念来源，显然，是通过对古典文献的发掘并结合其自身演奏实践经验综合所得。
关于感性体验与理性认知的关系问题，提问主要针对人在面对音乐的感性体验过程中理性认知的介入与否，吴佳的答辩一是肯定的，二是有条件的，即人在进行音乐感性经验的过程中自觉地把理性认知转换成为感性能力，从而使感性声音结构的可能性得以实现。
说实在的，我对她们俩的这些答辩表示满意，之所以有这样的自信与机智，并不仅仅是学生个人的禀性在先，应该说，还是合理运用多种理论资源，并通过较为充分有效的推论而成就的。尤其让我感到欣慰的是，据理力争甚至于强词夺理的理念，在这里得到了合式的彰显(她们在学期间我一再灌输，平时也许并非完全理解，至少不是自觉接受)。
除此之外，吴佳论文中的核心概念感性声音结构和于亮论文中围绕声情意三况提炼出的数十个叙辞，不仅具一定的原创性，更重要的是依据音乐本身特性逐一给出的，因此，其实际效能无疑是确凿的。
对此，之所以如此肯定的依据在我的学术统觉，一种应该经得起理性认知论证、感性经验实证乃至超感性理性觉悟洞察的多重范型。
进一步，通过2008届研究生学位论文的写作与答辩，让我再生成就感的还有，就像我二十年前在北京中国艺术研究院音乐研究所新源里斗室中不停写作时经常想到的一个问题，理论学术研究不仅仅是一种事实探寻，而且，还应该是一种意义考掘，尤其，通过据理力争与强词夺理，往往会在一个必然出现的意外瞬间得到一个别有洞天的发现。这种别有洞天的瞬间发现，科学以灵感顿悟解释，佛学以开启天眼导读，神学以圣灵充满修辞。
由是，如何切中音乐感性直觉经验?
【关键词】：宗教；重形神；重风骨；内在灵性；秀骨清像
1、南朝佛造像艺术的分析
1.1背景：得到帝室的支持
由于社会的动荡，经济的发展，与外来文化艺术的吸收与融合，经过大分裂、大融合后，致使南朝时期，在艺术思想领域逐渐出现了与两晋不同的新格局。东晋时期，佛教势力渐渐传入，至南北朝开始，是佛教艺术逐渐从萌生走向高峰的至关重要时期，成为其各代名擅一时的艺术家乃至社会上下百姓对于佛教文化都抱有一种崇敬的心态，积极投身于艺术潮流之中，并出现建寺造塔、开窟造像的风气 。
1.2南朝造型的题材表现
在南朝时期，佛教造像的题材较多，种类丰富。由于受南朝主流意识及南朝人士的审美特点的影响，浸润到了释迦像的造像着衣及服饰样式方面，致使南朝的释迦佛像的服饰多为褒衣博带佛衣，其着衣特点同时也体现出了民族融合的社会形势。综合南朝大部分的佛教造像，其造型题材虽有区别，但是所相处的思想文化背景及其佛教造像的推崇人士的审美模式相同，从而各题材的佛教造像的艺术风格是完全一致的。
上世纪后半期以来，南朝早期的佛教遗物与具有南北艺术风格相融合的佛教造像大量出土，正在矫正现代人们对于南北朝时期佛教造像的艺术发展面貌的整体认知，南朝佛教造像在当时时期所产生的巨大成就以及对艺术发展的深远影响，现在已逐步得到学术领域的普遍认同。
1.3南朝宗教创作观点
南北朝美术发展中最具有代表性的则是宗教美术。宗教美术与现实生活紧密联系在一起，社会现实必然会决定着艺术的发展。现实社会中的进步力量和衰颓力量的对立与斗争，都必然的会在艺术中反映出来。南北朝宗教美术的宏大的规模与巨大的创意意图，体现了人民的深厚的精神力量和物质力量。南北朝时期的艺术在表现技巧上也是有着跨越性的进步。虽然佛造像艺术在神态描写上表现的不够个性化，但也都表现出了一定程度上的精神特质。
2、谢赫审美主张
谢赫的“六法论”一直以来是衡量中国艺术科学又系统的审美准则与以及创作准则的重要依据，对中国艺术作品的审美发展趋势有着重大的启发。因此以“六法论”的审美观点对他所处年代的佛教造像进行剖析。
谢赫“六法”的重要观念为：气韵，生动是也；骨法，用笔是也；应物，象形是也；随类，赋彩是也；经营，位置是也；传移，模写是也。中国的古代美学对艺术作品的创作所评判的标准一直不以“内容”与“形式”为准则，而是以“风”、“气”“韵”“骨”的审美标准进行艺术审视，致使这些审美标准在当时所有的艺术创作过程中是相互融合、相互贯通、互为表里的。中国美学概念中尤为突出的特点是同传统文化精神一脉相承，“体用合一”“知行合一”，既有意识观念层面的精神内容，又有实施于具体实践的方法理论。
2.1重形神
关于“六法”，“气韵生动”是其总则，是统罩、统领其余五法的总纲领，强调创作者的内在灵性，在中国艺术作品中有着非常崇高的地位。在谢赫品评二十七位画家时已透出了这一消息，例如，评论姚昙度的“画有逸才，巧变锋出，魑魅神鬼，皆能妙绝，同流真为，雅郑兼善，莫不俊发，出人意表，天挺生知，非学所及”表现出姚昙度在艺术表现上有着高超的才能，这种极高的艺术表现才能不是通过后期的培养而形成的。 “气韵生动”作为形而上的精神内容，制约着艺术家的艺术传达向着体现活泼生动的效果方面发展，并同时把这种理念作为具象的艺术效果。在此时期，佛教造像极大地融入了南朝人士的审美情趣。整个造型的艺术特征比较显著，精神状态以及性格也较为生动。
2.2“以形写神”
中国佛教雕塑注重的是形象内在的精神活动，而不是过于注重外在的形体准确度的塑造，它通常都是通过对于艺术作品情感化的空间把握与处理，加上艺术创作者的直觉式联想想象与抒感，甚至增添一些具有象征意义的手法表现，由此形成了较为明显的抒情写意的艺术表现效果。所以，中国佛教造像给予人的感觉不像西方古典雕塑那样直观，而是神龙露首不露尾，含不尽之意于象外。没有气势逼人、一触即发的火气，而是像中国的书画那样用笔藏锋，将力量包含在其中，以其含蓄美、内涵美，给予人以更多品味的余韵。
2.3重L骨
谢赫的“骨法用笔”是通过艺术作品人物造型的描绘从而反应出人物特质的笔法以及线条的要求，“骨法”原本是对纸质以及帛上的绘画创作的笔法要求，然而现在用此法研究南朝石质材料的佛教造像，又会产生怎样的艺术碰撞呢？南朝佛教造像最突出的艺术风格为“秀骨清像”，主要指的是佛陀或者是菩萨造型的外表皮体态较为削瘦，面貌较为清秀俊美，神情隽秀，双眸中深谙笑意的体态以及神态的造型样式，尤为亲切，充满飘逸高迈的独特艺术效果。这些样式与古印度佛教造像的造型、寓意都有所差异。其一为：由阳刚之气转变为清秀俊美之貌。其二为：由厚重简约的服饰风格转型为轻巧修饰风格。导致这种特征差异的因素是由于古印度佛教逐渐传入中国后，与中国的本土文化相互融合，同时，受中国的儒道传统文化对于佛教文化的借鉴与改进的结果，佛教造像的气韵优雅的风格不免有几分儒雅之士的高尚在其中，同时，也包含着南朝世人对于佛教文化的虔诚与崇敬之心。
3、结语
中国古代艺术思想体现了中国古代人的审美价值，对艺术作品从而进行较为系统的研究与探索，对现当代艺术的传承不仅具有现实意义，并且对今后应当如何挖掘，使其成为拥有世界性意义的艺术文化价值，为人类今的后艺术文化发展产生促进作用，毋庸置疑的有着极其重要的意义。本着这一重要宗旨，本篇论文确定了研究的出发点，试图从谢赫的审美观点来分析南朝佛教造像的艺术特征，融入了“六法论”中的重要观点进行了对比阐述。从而使得中国古代雕塑领域的艺术内涵变得更加丰富、多层次。
【参考文献】：
[1] 卢辅圣.《中国南方佛教造像艺术》[M].上海， 2004
关键词：美术教学;图像学;图像解读;美术鉴赏
一、美术教学与图像解读存在的误区
随着多媒体时代的不断发展，在社会高速发展、科技高度发达的今天，图像艺术的划时代意义更为明显。美术鉴赏、图像解读逐渐发展成社会生活不可缺少的重要部分，如户外视频广告、电脑屏幕上的图像等，这些内容的出现都意味着对图像的解读应成为每个人必备的素质。在美术教学过程中，部分教师没有充分认识到美术鉴赏能力的重要性，教学内容、教学模式、教学方法较为单一，难以激发学生的美术学习兴趣，不利于提高学生的整体鉴赏能力。据笔者了解，对图像的研究主要包括前图像、图像志和图像学三个层次。其中，前图像阶段是从应用角度对画面进行分析，这就要求学习者既要理解作品的基础含义，又要掌握深入分析作品的能力。目前，美术教学在图形解读这一模块存在一些误区。第一，一些师生没有认识到图像具有深刻性和复杂性。在美术教学过程中，一些教师往往要求学生凭直觉描述美术作品，而学生所用词语往往为“好看”“色彩鲜艳”等，这就进入了“重欣赏、轻解读”的误区。有学者认为，我们的观看只是停留在观看阶段，被动地接受视觉图像，并没有深入分析图像背后的许多东西。与简单的“看”相反，我们需要主动地辨析图像世界，摒弃直观描述与评价的习惯。在欣赏一幅作品时，不能就画论画，而应和大师进行心灵的对话。第二，“重图式、轻内涵”。一些师生对图像的解读侧重对形式的描述，忽略了对形式的分析。仅仅从图式上欣赏作品，并不能透过作品表面分析、探究其深层含义。笔者认为，由于图像本身具有较强的多义性，“重图式、轻内涵”难以理解作品的真正含义。
二、图像解读的过程与意义
1.图像解读的过程。图像解读的过程大致包括“是什么”“为什么”“想什么”。“是什么”主要是弄清图像作品的形式语言，通过线条的节奏、面、空间、光影及色彩这五要素对图像作品进行形式分析，而艺术家也通过组合这些要素引起观者的共鸣。但是，没有什么艺术作品会具有一种确定的、不会改变的意义，所以“为什么”比“是什么”更需要我们去追问。任何一件艺术品都要向观者传达创作者的情感，而不是单纯地描摹现实。凡•高自杀前创作了《麦田上的乌鸦》这幅作品，我们仔细欣赏，会发现阴沉的天空、大片黑色的乌鸦与其之前的作品有一定差异。联想到他的自杀事件，我们就会明白艺术家的用意，他想要表达的并不是天空、乌鸦等物体的自然属性，而是将痛苦、忧伤等情感融入其中。2.图像解读的意义。图像解读对美术学习、艺术创作具有重大的意义，但在目前的美术教学过程中，部分教师和学生忽视了图像解读与艺术创作的关系。纵观古今，凡大家巨匠，大多留下了读画笔记，通过不断地读画提升自身绘画品格。笔者认为，在美术教学中注重图像解读具有如下意义。第一，激发学生的美术鉴赏兴趣。图像解读有利于更加细致地展现艺术作品，使学生更容易读懂艺术作品背后的深层含义。由于学生好奇心较强，只有激发他们的探究意识，才能使他们真正融入图像解读的过程，获取更多的专业知识。第二，顺应时代的发展要求。信息时代到来，纷繁复杂的图像信息充斥于人们的生活，图像解读能力、美术鉴赏能力逐渐发展成为衡量人才的标准之一。现代美术教学已从单一向复合转变，提升学生的艺术修养、陶冶学生的情操显得尤为迫切。在美术教学中培养学生的图像解读能力，也是培养德、智、体、美全面发展的人才的重要途径之一。
三、如何在美术教学中培养学生的图像解读能力
1.选取经典的艺术作品，运用图像解读法分析作品。第一，形式主义分析法，包括形式五要素的分析：线条的节奏、面、空间等。一般来讲，分析艺术作品时，可以运用形式五要素进行对比分析，如古典主义大师和现代派艺术大师笔下的静物有何不同。此外，除五要素之外的形式要素也要需感知。如，通过罗丹的《吻》研究画面肌理，通过杜尚的《走下楼梯的裸女》分析时间和运动概念，通过拉斐尔的《西斯廷圣母》分析空间透视。值得注意的是，形式分析与形式描述不同，形式分析往往基于形式描述，先对艺术作品进行形式描述，然后对艺术作品的含义进行分析。第二，风格学。图像解读能力的培养依赖于对大量不同风格艺术作品的鉴赏。教师可选取文艺复兴和巴洛克时期的作品，对不同时期绘画的风格进行讨论、分析，选取典型的代表作进行研究。第三，图像学。图像学的重点研究对象可以是《阿尔诺芬尼夫妇像》，弄清前图像、图像志和图像学三个阶段的意义、内涵及界定，并重点分析图像学背后的深层含义和独特内涵。第四，精神分析法。运用精神分析法，可以选用米开朗琪罗的《摩西像》来解读，并通过达利的《记忆的永恒》作进一步详细阐述，包括个人梦境、幻觉与艺术之间的关系。2.丰富教学手段，激发学生兴趣。为了激发学生的美术鉴赏兴趣，教师可以改变以往单一的教学模式，充分利用多媒体教学设备，使图像展示更加直观、形象。教师可以将写实与象征紧密结合，激发学生的想象力，通过有效利用多媒体，充分展现艺术作品的自然属性和独特内涵，从而既提高学生的想象力、鉴赏能力，又提高其美术专业技能。如，在学习《建筑艺术欣赏》一课时，教师可以制作ppt课件，利用多媒体向学生展示动态化的图像，让学生感受到各地建筑不同的特色、不同的美等，进而提高学生的鉴赏能力和审美意识，真正发挥美术教学的作用。3.创新美术教学视听结合的方式。在以往的美术教学过程中，一些教师往往忽视学生的主体地位，一味地向学生灌输知识，而学生往往被动地接受，从而导致美术学习的整体过程较为枯燥，学生可能失去美术学习的兴趣。因此，要充分调动学生美术学习的积极性，教师应该创新教学方式，在教学过程中实现音乐、影像的完美结合，引发学生视觉和听觉的共鸣，不断提升学生的视觉素养和听觉素养，以取得良好的鉴赏效果。如，在讲解《伏尔加河上的纤夫》时，教师除了利用多媒体课件展示图片，还可以融入具有当地特色的民族音乐，为学生创造良好的美术鉴赏、图像解读的氛围，让他们充分感受纤夫生活的辛酸与艰苦，并分析艺术家高超的表现手法。这种视听结合的方式可以激发学生的图像解读兴趣，音乐与图像的紧密结合加上图像解读过程中想象力的充分发挥，不仅能提高学生的审美能力，也能为美术教学效果的优化提供充分保障。4.将图像解读生活化。学生图像解读能力的培养，与教师的图像解读能力密切相关，所以提高教师的图像解读能力是当务之急。教师应不断丰完善自身的知识体系，扎实掌握美术专业基本功。此外，教师要善于将图像解读生活化，减少烦琐的学习内容，使学生在实际情境中学会解读、学会鉴赏、学会分析。如，在讲解《美丽的校园》一课时，让学生抒发对校园的切实感受，再将感受与绘画技巧相联系，将其转变为简单的绘画方式，这样可以获得事半功倍的效果。
读图时代的到来对美术教学提出了更高的要求。在现阶段的美术教学过程中，教师可以将图像解读与教学情境充分融合，将图像解读、美术鉴赏生活化，激发学生的鉴赏兴趣，从而培养出一批批德、智、体、美全面发展的优秀人才。
参考文献：
[1]白锦秋.高中美术鉴赏教学中学生视觉识读能力的培养研究.广西师范大学硕士学位论文，2016.
[2]张婷.小学美术教学中图像感受能力培养的实践探索.山东师范大学硕士学位论文，2013.
[3]谢汝强.“读图能力”培养与高中美术鉴赏教学研究.山东师范大学硕士学位论文，2013.
【关键词】艺术概论 教学方法 启发教学 案例教学
一、教材与教育资源的选用
当前，国内主流的《艺术概论》教材有十几个版本，分别为各个不同高校的艺术专业作为教材使用，但随着时代的变迁、社会的发展、艺术界日新月异的变化，艺术活动不断出现新的内容，因此艺术概论的教学内容也处于不断更新与修订的动态环境之中。而一般教材中的内容和最新的发展之间往往存在一定的滞后甚至是矛盾的地方，因此，在教学中，笔者更注重按照学习的时代特点，引入大量现实案例来说明相关的艺术理论。以艺术活动、艺术作品、艺术现象为导向，以艺术理论、人类文化、社会演变为拓展，这样可以缩小教学与实际脱节的距离。作为本科教材，不能局限于讲明白“是什么”，还要让学生知道“为什么”。同时，在运用教材时要注重分层次进行，根据学生的不同专业、不同基础、不同学习能力规划实施教材内容的主次和重点的划分。
在艺术概论课程中应用现代教育技术，已成为教育现代化的一个重要主题，这种新型教学方法以学生的自主性、探索性学习为基础，培养其主动探究和创新实践的精神，提高了学生的学习能力。“90后”大学生在新的生活环境中成长、生活，身边充满了动漫、微博、网络游戏、流行音乐、3D视频影像等新型元素，这种成长环境影响着他们学习艺术的方法和内容。在教学过程中，笔者利用某网络平台建立了自己的教学博客，学生通过博客向教师提问，提高了学生学习的灵活性，也让他们有了自主学习的空间和时间。而教师的回复也可及时为学生扫清学习的障碍。教师将这个网络上的课堂作为传统课堂教学的延伸，以布置思考题的方式，引导学生利用网络教育资源，欣赏名画、名曲、视频影像，关注名人访谈、人物传记、艺术市场变化等，扩展了学生的学习视野。
二、启发式教学
教师在教学过程中要创造性地运用艺术媒介，通过激发学生的学习兴趣和积极思维来促使学生主动获得知识。比如，讲解艺术作品的文化意义专题时，就应该启发学生，让他们认识和理解优秀艺术作品所包含的人类文化的普遍性和思想性。这种启发学生主动参与的学习过程会令学生印象深刻。我们在解读哈利·波特这个让无数读者为之倾倒的艺术形象的时候，可以通过分析哈利·波特之所以能成为继米老鼠、史努比、加菲猫等卡通形象之后的又一个成功的儿童偶像的原因，说明了艺术作品是艺术家创造的，反映了艺术家对其所处时代生活的认识体验和思考。继而指出，优秀的作品是时代精神、民族精神的体现，而且会在历史、现实和未来的时空里无限地开放。
在课堂教学中，笔者让学生介绍和评价家乡具有地方特色的艺术形式和艺术活动。这些艺术形式和艺术活动拥有各自的地域文化特征，可以成为今后学生艺术创作的独特性来源。笔者与学生一起探讨模仿秀比赛、艺术评奖活动（如奥斯卡奖）等的评价标准，感受艺术接受和传播方式的历史性变迁，通过多媒体视觉作品展示，让学生关注艺术作品在现代艺术媒介中传播的多元化，启发学生思考艺术概论课程中涉及的艺术趣味、文化观念和意识形态等相关问题。在这个教学环节中，教师要以艺术活动、艺术现象为例证，要生动、鲜活地阐述艺术的发生、发展和社会功用，用艺术理论评析艺术作品、艺术家、艺术创作、艺术欣赏等诸元素，给予学生比较完整系统的理论体系。教师在讲解中通过生动、贴切又言简意赅的艺术语言，使学生在快乐的学习氛围中茅塞顿开，进而达到理想的教学效果。
三、案例式教学
案例式教学作为一种动态的开放教学方法，提倡师生在课堂上的互动，使学生在学习中主动学习、善于探索和敢于思考。在艺术概论课程教学中让案例教学贯穿于课程的每个专题之中，并且得到全方位的运用。案例式教学包括开篇案例和总结案例，开篇案例是将人类艺术活动的实际案例导入每章研究的专题，激发学生兴趣和探索的愿望，这样可以最大限度地避免学生在没有任何感性认知的基础上，直接接触高深理论而产生厌烦和抵触的情绪。由教师将开篇案例作为主导，结合理论，讲授相关教学内容。总结案例则是在该专题讲解完成时，由学生运用所学的理论分析艺术现象和涉及的艺术问题等。此时学生作为教与学的主体，自由分组讨论和总结发言，教师发挥引导和点评的作用。
例如，在讲艺术家与艺术作品的关系专题时，笔者引入国际艺术品拍卖会上作品《呐喊》的拍卖案例，通过播放精心剪裁的视频资料，有意识地展现当时拍卖现场竞价的激烈，以及最后赢家支付1.199亿美元等相关资料，加深学生认识爱德华·蒙克的版画创作生涯和特殊的人生经历，以及其艺术风格形成的原因和背景，并通过插入艺术品鉴赏、艺术品分类、艺术市场等相关知识的解读，引出艺术作品是艺术家在艺术上被客观化、社会化的自我，也是艺术家创作能力和自身成就体现的教学内容，可让学生产生强烈的共鸣。而该专题结束时，教师布置了2011—2012年全球艺术品拍卖排行榜作为案例，并围绕下列问题让学生展开讨论：1.艺术作品与艺术家是何种关系？2.艺术家如何通过艺术作品显示出自己的艺术风格和艺术追求？3.如何理解艺术家、艺术作品、艺术市场的关系？以具体艺术对象为代表，分析这些关系对艺术投资的影响。这样，学生不仅可以领会课堂所学的理论知识，还可以锻炼检索文献和资料的科研能力，尤其对于第3个问题，由于没有现成的答案可以借鉴，还可以锻炼学生分析新鲜事物的能力，这样就让课堂教学延伸到了课外，使理论联系了实际，从而达到一举多得的教学目的。
四、实践式教学
就现在的艺术概论课堂教学而言，教学内容往往与学生实际接受水平有着一定的差距，如果枯燥地照本宣科，只会使听课的学生感到厌倦和无趣，也让他们对以前从未接触过的艺术理论如在云里雾里，不知所云。笔者认为，教学中要在充分考虑学生主观条件的前提之下，注重学生接受过程的各个阶段。如在艺术传播与接受专题的教学中，应该让不同专业的学生通过社会调查和亲身体验，加深对课程内容的理解和掌握。笔者带学生参观青岛博物馆、美术馆和展会时，现场讲解艺术品展示的选择标准、排列方式和类型划分，让绘画专业的学生对青岛的画廊、文化市场进行调查走访，使学生懂得了艺术生产、艺术消费之间的密切联系和矛盾对立。对于环境艺术设计专业的学生，我们联系相关设计公司，让学生进行城市家居装修设计的现场观摩，通过学生与设计人员和客户的交流，了解了当代艺术设计的现状与需求。在活动中，学生获取了数据，加深了体会，最后让学生结合自己的艺术实践，选择具有代表性的艺术问题，运用所学理论进行书面归纳和图表分析。事实证明，这种教学方法能有效提高学生对艺术概论课程的学习热情，增强他们对艺术理论与艺术实践相结合的认知，而且对他们的毕业论文写作和毕业设计的构思等都具有实用性。在实践教学设置、进行和总结时，教师应提醒学生现在进行的是课程中的哪个专题、哪个环节，要讲思路，讲重点和难点。
五、考核评价的创新
艺术概论课程考核的目标是为了帮助学生更深刻地理解课本知识，培养学生的实践能力和创新精神。考核手段的设置应改变传统考试的思路，在考核评价体系中将课程内容分解成若干个专题，让学生有选择性地对自己感兴趣的内容进行主动探究，这样容易取得较好效果。鼓励和引导学生通过查找文献资料、利用网络资源等方式对相关艺术家、艺术作品或艺术流派等进行专题探索。要求他们在规定时间内以小论文、小视频、小动漫、小课件等多样化的形式将涉及的艺术理论阐释清楚，这样就可以让学生通过“学”而“知”，通过“做”而“懂”，改变学生过去考前突击背书，以期末成绩作为唯一的评价指标，同时也避免了学生所学的知识考完试就忘掉的情况。
结语
高校是我国培养高层次专门人才的主要阵地，教学方法的改革对培养创新人才具有至关重要的作用。艺术概论的任课教师首先必须及时更新授课内容，将学科最新成果引入教学。其次，教学中运用多种教学手段，如在案例式教学中，要努力做到案例的经典性与时效性相结合；多引用在学生身边真实发生的、真实存在的、当代的艺术现象，这样会更具有针对性，更容易让学生理解，更容易让学生产生共鸣。最后，教师在重视教学的同时，要以教学启发、推进科研，以科研反哺教学，促进教学和科研的互相发展渗透，形成一个互动的统一过程，以真正有效地为社会培养出高水平的艺术人才。
（注：本文为青岛大学2011年教学研究项目课题“《艺术概论》课程课堂教学模式创新研究”（序号JY1171）结项论文）
参考文献：
[1]邹跃进.艺术导论[M].北京：高等教育出版社，2008.
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[3]杜卫.美育论[M].北京：教育科学出版社，2000.
[4]苏霍姆林斯基.教育的艺术[M].长沙：湖南教育出版社，l983.
论文关键词 民间文学艺术作品 著作权归属 集体所有论
一、 问题的提出——从“乌苏里船歌”纠纷案说起
（一） 案情简述
“乌苏里船歌”纠纷案缘起于1999年11月郭颂参加的一次中央电视台晚会。晚会上，郭颂在演唱《乌苏里船歌》时，屏幕上打出《乌苏里船歌》的作曲者为汪云才、郭颂。主持人还在演唱之后说：“刚才郭颂老师唱的《乌苏里船歌》明明是一首创作歌曲，可长期以来我们一直把它当作是赫哲族民歌。”郭颂对于这一误导性介绍并未纠正而是表示默认。该节目一经播出，立刻引起了赫哲族人民的强烈反响，他们纷纷表示本民族传唱了多年的民歌经典一夜之间成了别人的不能接受。在赫哲族群众代表与郭颂协商无果后，黑龙江省饶河县赫哲族四排乡人民政府以自己的名义一纸诉状将郭颂告上了北京市二中院，本案历经北京市高院二审终于尘埃落定，最终以郭颂败诉收场。法院判决郭颂以任何方式再使用音乐作品《乌苏里船歌》时，应当注明“根据赫哲族民间曲调改编”并在《法制日报》上发表音乐作品《乌苏里船歌》系根据赫哲族民间曲调改编的声明。
（二）本案存在的问题
本案最大的争点在于原告是否为适格主体？郭颂提出的抗辩理由中就包括四排赫哲族乡政府不具备原告的主体资格，由乡政府提讼于法无据。民间文学艺术作品不同于一般的个人作品，其具有如下特征：一是群体创作性与个体传承性；二是传统稳定性与时代变异性；三是信息变异性与文化开放性；四是载体有形性与信息无形性。 基于对民间文学艺术作品性质的不同认识，有学者提出要对民间文学艺术作品进行特殊的立法保护，认为特殊法保护原则的引入不仅能够将民间文学艺术作品中包含的民族权力和经济权利提到法律权利的高度，而且不影响整个法律体系的自恰性和逻辑性。 甚至有学者认为民间文学艺术作品的保护已非知识产权制度所能调整的范围，应当在非知识产权框架下予以讨论。 本文认为对于民间文学艺术作品不管采取何种保护路径，统统回避不了一个问题：民间文学艺术作品的权利归属。
二、 权利归属基本原则的分析
（一） 利益平衡原则
民间文学艺术作品蕴含着一个民族和区域的文化特质，反映着它们独具特色的精神面貌，存在着与市场机制相结合，创造巨大市场利润的潜力，因而著作权权属纠纷才会在近几年来打得火热。因此，如何调和各方诉求，找到利益平衡点就显得至关重要。
就现实情况分析，主要存在下述三对利益冲突：第一，民间文学艺术作品原生地居民与作品的讲述人、记录人、表演者和传承人的利益矛盾。口述者、记录人和传承人的贡献不能抹杀，一方面是基于他们对作品的流传确有贡献的现实角度考虑，另一方面也考虑到应当通过利益刺激的机制鼓励更多的人投身于民间文学艺术作品的保护中。在“乌苏里船歌”纠纷案中，郭颂就是一个表演者和传承人的角色，虽然他不享有该曲目的著作权，但是不能因此就否认他对赫哲族民歌传承所起到的作用，在为商业目的而使用该民间文学艺术作品时仍应保护郭颂作为该作品邻接权人的权利。第二，不同民族区域或族群基于同一或类似作品而产生的利益诉求的对立。我们一般能够判断该作品大致来源于哪个区域，但对于其具体作者是哪个族群或个人却无十足把握。这就会在不同族群中引发争论，一旦处理不当有可能引发区域对立情绪。例如《乌苏里船歌》纠纷案中赫哲族另一乡政府对郭颂持否定态度。为此，本文认为可以依据各族群提供的证据将涉案各族群整体认定为著作权人。第三，民间文学艺术作品权利人与社会公共利益的矛盾。著作权本质上是一种私权，私权基于其特点，应当确立其保护的底线，防止因过度保护而造成对公共利益的损害。《著作权法》中规定的合理使用、法定许可及强制许可使用制度就是具体体现。在私权与公共利益的博弈中，被引用最多的就是“公有领域”一词，所谓公有领域是指不受知识产权法保护的领域，处于该领域的智慧成果可以为社会公众自由利用。 在众多的民间文学艺术作品侵权案例中，侵权人使用最多的抗辩也是该作品已经进入公有领域，不再受知识产权保护。如果在民间文学艺术作品侵权中不加限制地使用公有领域加以解释，那么民间文学艺术作品的著作权将名存实亡。
（二） 权利保障原则
作品讲述人、记录者和传承人享有何种权利，学界有不同的声音。一些学者认为应当将传承人确立为著作权利人， 另有学者认为应将传承人、记录者、表演者和口述者置于邻接权人的位置予以保护。 还有一些学者基于民间文学艺术传承活动的不同类型和实质作用，主张视不同情况赋予传承人以版权人或邻接权人的法律地位。 本文倾向于第二种观点。该观点既实现了原生地族群与讲述人、记录者和传承人的利益平衡，又保障了邻接权人的利益。
（三） 传承与发展兼顾原则
中国要在文化大国的基础上转型为文化强国，其关键在于转变发展思路。既要在传承的基础上创新，又要在保护的基础上引入市场机制。文化产业的市场化发展能够有效缓解文化发展上的财政支持不足，通过法律确权，能够进一步激发各族群保护本民族文化的动力。长期以来，民间文学艺术作品权属不明的状况，实则造成了“公地悲剧”的后果。落实民间文学艺术作品的权属的根本目的在于更好地促进其发展，借助知识产权制度，实行文化与市场接轨，进而将软实力转化为经济效益，并将其用在民间文学艺术的保护上。
三、 国内关于权利归属理论的回顾
（一） 个人所有论
持该观点的学者认为民间文学艺术作品的著作权应当归属于传承人所有。在作品的流传和发展过程中，传承人对作品的贡献是最为显著的，由传承人享有著作权是民间文学艺术版权难题的终结。 然而，该观点表面将问题简单化了，但是在实际操作层面至少还存在着以下障碍：首先，若传承人享有权利，该如何确定权利的保护期限，是传承人生前加死后50年还是永久无期限保护？如果是无期限永久保护，那么传承人死亡，著作财产权是否能够发生继承，继承人该如何确定？其次，民间文学艺术作品是同一族群或社区的成员集体智慧的结晶。传承人对于作品的形成并无实质性贡献，仅仅为其更好地传承做出了一些辅工作。最后，对同一作品可能存在两个或两个以上的传承人，权利的分配又将成为绕不开的话题。此外，不排除极端情况下，民间文学艺术作品已无在世的传承人。
（二） 国家所有论
民间文学艺术作品因其特殊性，不便于将其著作权分配给个人，又考虑到集体行使程序的复杂性和不可操作性，在该情况下，由国家行使所有权最为合适。该观点最大的弊端在于忽略了知识产权的私权性质。该观点严重背离了“谁创作作品，谁享有著作权”的基本原则。基于现实角度考虑，国家代行著作权多有不便，例如美国影视公司翻拍《花木兰》一案中，如果由国家出面主张权利，那么就存在着以国家公权力对抗私主体的嫌疑，也容易影响两国正常关系。
（三） 集体所有论
民间文学艺术作品的传承过程虽然复杂，但并不能否认其所处环境的封闭性，作品所属族群之外的其他族群并未对作品的产生作有任何贡献，自然不能享有任何权利。 依据著作权法的基本原理，著作权应当优先归属于自然人，但是民间文学艺术作品与普通作品不同，不能一概而论，因此不能直接适用该原理，但是从另一个视角审视著作权集体所有并不违背这一原理。我国《著作权法》就对合作作品著作权的共有有明文规定。当然，著作权集体所有论并不是最佳的解决方案，只能说是三种理论中可操作性最强的一种。集体所有论从本质上看，只是进一步缩小了权利归属的范围，并没有做到最大程度上的确权。在司法实践中至少还存在着权利遭受侵害时由谁提讼的问题。本文开篇提出的“乌苏里船歌”纠纷案也暴露出这一问题。那么在著作权集体享有的前提下，如何进行维权制度设计也是我们需要探讨的问题。就目前我国《民事诉讼法》和《著作权法》的规定来看，有以下两种途径：一是代表人诉讼制度。一旦发生侵权案件，作品原生地族群成员即可民主推选代表人，代表全体成员进行维权诉讼，诉讼行为对其未出庭的当事人同样发生法律效力。并且案件诉至法院后被审查认为涉及的作品是民间文学艺术作品，法院就应当追加原生境群体成员作为当事人参加诉讼。 二是成立著作权集体管理组织。该方式在我国已有相当的尝试，例如1992年12月成立的中国音乐著作权协会就属于著作权集体管理组织。它是专门维护音乐著作权人合法权益的非营利性社团法人。 著作权集体管理组织具有专业性、效率高等优势，相较于代表人诉讼更具可采性。
关键词:素描教学观察科学性艺术性
1 积极地去看
素描伴随着艺术产生和发展。从文艺复兴的盛世百态到现代艺术革新突变，毕业论文 素描亦如艺术史的一条复线，静静地演绎着人类艺术的美。素描作品，以及素描形式之外的其他艺术形式都泛化出人的创造力和感知力。
任何艺术作品都蕴含着看世界的方式即艺术家感知和了解的方式。素描中的。看”也同其他艺术形式一样，以科学的、艺术的眼光来观看我们周围的世界，才是我们感知事物的正确方式。依照科学性和艺术性去“看”，实质上也是艺术家思维判断方式的反映和体现。
科学性、艺术性是艺术观察的两个准则，也是素描认识的思路和导向。科学地艺术地去“看”才是全面正确的艺术观察方式。明确“观察”的科学性与艺术性特点对于学生艺术素质培养和艺术教育改革具有积极意义。
素描是一切艺术的源头，包含了造型艺术的诸多法则和要义。它既是一种基础艺术语言，也是一门独立的艺术形式。它是对于世间物象的表现和传达，不是简单的再现和临摩；它是画者主观能动性的产物。客观对象是素描的描绘和表现的起点而不是终止。客观物象的美和本质常常是被表面所隐匿和包裹的。为什么艺术家笔下的东西总是比我们平常看到的要好看，但它又确确实实来自我们熟悉的四周生活，是有血有肉富有生气的?这种盎然的生气便是素描作品的生命力的基础。艺术大师罗丹曾说“对于我们来说，自然中不是缺少美，而是缺少发现美的眼睛。”因此观察发现是创作素描的前提。素描教学中应将观察视为艺术类学生一项基本素质来培养。
素描是一切艺术的基础，因此素描的观察方式即是全部艺术形式的观察方式。
1985年，现代绘画大师赵元极来中国讲学。讲学的内容出人意料的不是西方流行的现代抽象艺术，硕士论文而是围绕观察、光影、中国传统艺术内在规律等进行传授。学员们开始尽是疑惑。这些基础的东西有什么好讲?西方现代艺术的手法、风格才是最前沿的最想去了解的。但到了讲学即将结束时，大家逐渐认识到基础的东西同样不该丢，西方现代艺术中同样也有这些要素的支撑。赵无极先生谈到“反复讲，绘画不是画的问题，是观察方法的问题。”素描，在相当一部分人认识中它被界定为学生的基础课程，甚至仅仅是学过就作罢的这样的东西。如此之说是狭碍的。素描，既使当它被定为基础课来谈时，其中的基础原理都是放之各种艺术形式而皆准的。观古今中外艺术大师，都是在素描上独具风格、造诣深厚的。重视和掌握素描的观察方式实质上是一个关于整体艺术观察的问题。
素描是一种主观能动性活动的产物。这一活动的基础是“看”。也就是心理学所说的产生注意力。它是观察的第一步。看，怎样看，这是一种态度方式。“积极地去看”，对将要描绘的物象的了解要有主动性。俗话说“站在大师肩上，会看得更远”。看中外艺术家的素描作品，可以了解到洞察的眼光永远是艺术家的特质。以一种想去了解的心态去发现，积极地去看成为艺术生命延续的关键。在素描教学过程中，要让学生解读中外艺术家优秀作品，使学生从作品中去了解艺术家的独特的视角及观察的敏锐力，从而启示和引导自己的观察。
著名画家吴冠中即使名声大噪，仍不忘背着画夹去看山看水、画写生，一看一画就是一整天。“积极地去看”是一种主动观察的意识和态度，是素描教学中学生应具备的首要素质。
2 科学地去看
前几年在北京开了个关于艺术与科学的论坛，引起了强烈的关注。
艺术是精神的产物和外化形式，是个性的体现和文化情感的呈现，艺术能与严谨不二的科学并谈吗?的确，医学论文 艺术与科学是有极大差异的，但我们在艺术中也能发现许多规律性的理性的法则。如达·芬奇的《蒙娜丽莎》中永恒神秘微笑的画面氛围渲染便来源于他发明的渲染法；古希腊建筑雅典帕特农神庙具有奇迹般的美，它高度的和谐与统一也是以黄金分割律为基础的。素描里的三大面五大调、人体解剖等知识也是具有科学性的。科学性的素描原理使素描学习具有了理论化、学科化，素描法则也具有了可传授性。
艺术的许多规律具有科学性。如此，我们可以将素描学习中科学的观察能力从以下几方面去培养。
2．1 整体的看
整体观察，取其大的形态走势，确定主要形体结构和块面。素描中，一旦大形确立，就有了整体画面结构，作品也有雏形。细小的变化和精彩是归属于大形的。一旦失去了主要形或是正确的大形位置关系，细节将成为一种繁琐和无秩序。观察时，视线不能停顿于一处，暂时省略掉细节，要观前观后，统筹地去看。先主后次，这是一种行事法则，无论是艺术观察，还是其他。按照此种引导，便可一步一步深入进行下去。即使作品历经数年完成，也能发现始终支撑作品的基点——作品开始时的这种气势和大结构。
2．2 局部的看
关于近距离观察，我们的中国画论中有“远取其势，近取其质”之说。徐悲鸿先生也讲“致广大，尽精微”。职称论文 仅有整体是不够的，还要尽其精微，研究事物细节和微观的精彩。整体和细节一体才是事物完整的全部。随着现代艺术的发展，视觉艺术除了观念的深刻彰显外，视觉上也追求强烈表现力。拉近距离，给视觉和心理以逼近的力量感。尤如一只放大镜后的物体，拉近后的局部具有了夸张和逼视。在素描学习中，表现性素描可以借鉴这种强化视觉效果以达到情感表达的目的。
2．3 多角度的看．
艺术往往探索在二维平面上拟化立体感和空间感，以此效仿事物内在的某种客观真实性。如人物画以四分之三侧面为最佳角度似乎已被视为为金科玉律。但单是一个角度的观察和认识，在观者的头脑中构建成的概念是不完整的，甚至是有误差的。雕塑专业的素描课程里，面对一个对象实体，要求学生从各个不同角度进行观察和描绘，从而建立起全方位的观察方法，这与素描对事物的客观存在状态(事物都是存在一定空间之中的)的体现是相一致的。
基础素描教学中多视角观察训练可针对性设置内容。如在石膏头像写生中除了惯有的正面半侧面角度外，应从后侧，上顶、下底等非常规视角出发来训练。
2．4 对比统一的看
矛盾对立统一是事物存在的关系。其实素描解决的是事物不同特征间的关系，即哪里是对比反抗，哪里是融和统一。只要这些关系恰当，素描中的视觉形态就会体现出超越真实客观对象的形式感和表现力。虚与实、直与曲、强与弱、软与硬等都是素描观察时常面对的。
2．5 快速的看
快速捕捉事物特征是培养观察敏锐力的一种重要途径。西方现代素描教学中，对于学生观察力的训练在时间上有一定限制。英语论文 面对一组正做大幅度动作或即将做动作的人体模特儿，如跳跃、拱翻等，学生必须在几十秒的时间内抓住其动态特点画出准确动态线。随着训练的深
入，时间也逐渐缩短。教学显示，如此的极限化训练对于瞬间捕捉事物特征是有实质性作用和巨大提升的。在素描教学中，加大课后快速速写训练，在时间和数量上都给以严格限定，会让学生具备艺术工作者的专业敏锐度，对以后的艺术专业方向及个性语言的建构具导向作用。
2．6 选择的看
普利尼说：“心灵是视觉与知觉的真正工具，眼睛则是一根导管，接收和传递视觉部分”(贡布里希《艺术与幻觉》)。实际上人的观察是有选择的，这与兴趣和兴奋点有关。如何“看”也体现一个人的修养、胸怀和气度。“知觉”的无意识推理与有意识地在原型中寻找秩序、概括、提炼、整理、筛选、分析、综合相结合，主动地把握对象，这个观察过程中有意识与无意识同时并存互补，对形体的感觉认知起支配作用。只有这样才能贴近艺术的本质。画家最重要的工作是“选择”。素描观察时应选取对象特征最突显之处，去其贫乏和次要部分，以达到内在特征的表现的人目进心。
3 艺术地去看
3．1 “看”在交流与共鸣中
艺术是人类文化精神的产物，是艺术家情感体验的外化形式。科学的法则和定律仅仅是艺术表现的外在辅助手段和形式，内核才是艺术作品要传达的思想。仅仅严格按照科学原理是做不出艺术作品的。马蒂斯说“我希望有一种均衡纯粹的艺术。这种艺术不烦扰人，也不使人不安。我希望一个疲倦的伤心、困惫的人，在我的画面前享受到安宁和休息。”准确并不是真实。艺术意味着个性、创造，艺术不具公式式的标准。最先，最有表现力、批判力，这就是艺术性的观察视角。此时，单纯的视觉已不能“看”穿事物的一切，除了外在的造型比例、大小关系等，应体验和感知对象。创作者与物象在内心的交流和共鸣才是艺术性的。
艺术性的观察是感官与心理的融合统一。艺术作品说明了它所塑造的现实，传达和转述艺术家在生活中获得的经验。因此“看”是与情感体验和精神投射一体的。由外至内，由客观到主观感知、联想、体验和分析，“看”具有了艺术的内涵和层次。艺术地去看即带着情感体验和理性精神去观察某个事物或某种现象。只有艺术性地去观察，事物本质的深刻的美才能被发现，艺术才会被慢慢推进。
3．2 感知、联想、体验、分析
“外师造化，中得心源。”艺术作品是自己内心的言语，是自身感知体验的外化形式。感官的统一调动去观察，有助于联想、体验和分析的进行。留学生论文 面对一个客观物体，眼看、手摸、鼻嗅之后到主观联想、体验，事物成为一种与感观和意识贯通的东西，变得熟悉深刻了。凡高笔下弯转的曲线是他对人生历程的体悟和感叹；蒙克青春期的少女惊悚迷茫是他对生命的思考；达利在奇幻的超现实主义作品中宣扬着他的联想和梦境体验。因此在我们的素描训练中，应加强学生不仅动眼，也要动手动脑的能力。感知、联想、体验和分析着去看是学生艺术构思和创作的前提。
3．3 在特定文化和时代中去看
素描是一定文化和时代的符号印迹。米开朗基罗、达芬奇笔下的素描是文艺复兴时期崇尚人性的人文主义思潮的体现；毕加索斗牛的速写，画家与模特的素描则是现代艺术形式服从精神表现的例子。因而素描的历史从某种程度而言即艺术的历史。素描不仅是绘画的基础，也是独立的文化形式。素描教笔不该是简单的画准、画像，以免使我们的思维形式流于趋同性、单一性。教学中要告知，“看”，站于历史文化之上来看，是更高层次的观察。要求对于社会文化背景及时代性都应有全面了解，并应具备分析判断的能力。观察社会文化切忌固步自封，应以发展和批判的眼光去看待。以素描为载体传达历史文化的情感，体现一种观念应是教学及创作的重点。
4 结束语
科学性、艺术性是素描观察的两个特点。工作总结 在素描观察时，我们应辩证统一地去看待和运用。科学地艺术地去“看”是全面正确的艺术观察方式。因此强化观察意识，树立主客观统一的观察理念，掌握时代文化特征是素描教学中观察力培养的重要途径。素描作为一种基础语言和艺术形式，其观察方式的切入对于艺术专业学生专业艺术眼光和能力的培养具有积极意义。 参考文献
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