时间:2023-02-20 18:01:00
序论:在您撰写声乐学习时,参考他人的优秀作品可以开阔视野,小编为您整理的7篇范文,希望这些建议能够激发您的创作热情,引导您走向新的创作高度。
关键词:情绪化情感调控歌唱心态
情绪是在感情这个基本态度之上,随心理内外条件而随时发展变化的表象,是人格的基础和重要保障。通俗地讲,情绪化是指一个人不能控制自己的情绪,遇事非大喜则大悲,容易因小事而大发脾气。不过,情绪化也极容易让人因喜乐而手舞足蹈。快乐时的天真烂漫,固然让人感染了喜悦,满心欢喜;但愤怒时的火暴脾气,却也令人避之不及。情绪化的人不是不愿控制他们无端的情绪,而是根本难以控制,他们往往身不由己。
在众多的声乐学习者中,就有一些易受到情绪化影响的人们。如果说情绪化之中的细腻敏感可以帮助歌唱者更好地处理歌曲的感情,那么同样,无端的情绪变化则会使歌唱者本人都始料未及。对于声乐这样一个需要长期坚持才能取得进步的学习过程来说,情绪化的负面影响较大。情绪和情感是建立于生理基础之上的一种主观心理活动。歌唱者的情绪——喜、怒、哀、乐等,直接或间接地影响着其发声和演唱。因此,我们可以说声乐艺术在一定程度上受着“情绪”这一特殊心理因素的影响或支配。①
从心理学的概念来看,人的气质可分为多血质、胆汁质、黏液质与抑郁质四种类型。一般来说,多血质与胆汁质属于外向型,黏液质与抑郁质属于内向型。②情绪化的人群一般都分布在前两个类型里。就积极的方面来说,情绪化人群性情开朗活泼、喜活动、爱交际,对声乐老师提出的要求敢于大胆去做,能够较快地取得进步;就消极的方面来说,情绪化人群容易急功近利,产生一些违背学习规律的想法,在达不到这种超阶段的成绩时又会滑向极端,以致丧失学习声乐的信心,导致事倍功半甚至前功尽弃。孔子在《论语》中提出了“过犹不及”,说的是任何事情都有一定的标准,做事达不到或超过这个标准都得不到预期的结果。对于情绪化的人们来讲,这个字眼有着非同寻常的意义:天生的热情与冲劲使得他们在声乐学习的起始阶段有着超出常人的刻苦精神,无论是课堂布置的必背歌曲,还是老师随口说的每天跑步一个小时,他们都会严格地执行。在声乐学习的初期,情绪化人群中的绝大部分都认为自己可以成为歌唱家,这明显违背了声乐学习的科学规律,即:“过”。接下来的结果就是,声乐学习进程中螺旋型的进步幅度不能满足其高标准的要求,挫败感油然而生,内心的多愁善感会催化这种负面情绪使之变质为自卑等多种消极情绪,即:“不及”。
那么这种特殊现象之本质究竟是怎样的?首先可以肯定的是,人的情绪化在声乐学习中有一定的积极影响。歌剧艺术片《江姐》中江姐的饰演者杨维忠曾经说过:“神韵和味道是学不来的,就像有的花朵天生就开着与众不同的颜色。”这说的就是,每一个歌唱者拥有着独特的内在而能够表现出各式各样不同的音乐形象。应该说,具有鲜明个性的声乐学习者,是能够唱出与众不同的风格的,并且他们对老师所列举的那些抽象的言语比较敏感,比如:“天灵盖好像打开了,与天空连接在一起”“脚下仿佛是万丈深渊,气息不断地往下沉”等。这其中包含的心理、生理感觉是非常微妙的,需要学生有较好的悟性。那么什么是“悟性”呢?在声乐课堂上,“悟性”就是调动自己的思维,迅速做到教师所描绘的那种感觉。情绪化的人多数都有这份悟性,因为敏感的天性和细腻的感情,使得他们心中往往积累着丰富的情感沉淀,这些情感沉淀来自其自身对周遭生活的体验,那些对其他人来说可能是微不足道的景物或事件的细节,对有着敏感性格的人来说,会引起清明透彻的心灵感触,他们会将这些事物自然、习惯地印在脑海中。正所谓“生活是艺术的源泉”,这些从生活中亲身体会到的情绪和情感经过日积月累和潜意识的加工,便成就了丰厚的情感沉淀,易情绪化的人群仿佛拥有一个机能的“情感库”,无论老师要求什么样的感觉,只要在“情感库”中,从这些丰富多彩的积累中调出来就可以尽情地二次体验了。
就人类学的角度来看,从纯生理的神经系统的“S-R”模式(刺激与反应模式)到有经验的介入的“S-O-R”模式,是学界所认可的转变。研究人类,需要后一个模式“O”涉及的“经验”,这不仅包括个人的遗传经验,而且包括实践经验。对刺激的反应通过经验“O”的介入而产生,然而经验的不同,意味着反应的差异,它的有效性受到实践的证明和支持。这时,刺激源是主体自身的体验及周围的生活,中介“O”是主体的审美体验,反应“R”是主体的审美感受。审美体验和影响审美的所有经验作为中介一起起着不可忽视的作用。这个理论就可以解释声乐作品《铁蹄下的歌女》的最后一部分,“谁甘心做人的奴隶,谁愿意让乡土沦丧……”不同人的演唱体现着不同的艺术感受。鉴于这些积极的影响,笔者建议,所有的声乐学习者都应该怀着敏锐的心来感受和发现生活,将值得留念的细节印入脑海,以便丰富自己的情感体验与审美体验,为建立健全“情感库”打下良好的基础。杨维忠教授曾经说过:“花是通灵性的,它不会忘记吹过它耳边的每一缕风,洒在它身上的每一滴水,以及和它说话的每一个手势和眼神。”让我们像这花儿一样,拥有一颗细腻而美好的心灵。
情绪化在声乐学习中也会产生一些不利的影响。
第一,最大的弊端就是渗入性格的“情绪化”,最明显的表象就是不稳定性,其中许多声乐学习者都有这样的体会。在心情烦躁或焦虑等过激情绪成为主要情绪时,声乐学习者往往会出现喉咙发紧、软腭僵硬等情况;而当自卑、空虚、失望等一些颓废情绪出现时,则会出现发声管道扩张不够,音高偏低等现象。情绪化的声乐学习者如果不注意调控自己的情绪,绝大部分都容易出现这两种极端情况。如此频繁地出现极端情绪,会严重阻碍声乐训练,更会对学习者的信心产生打击。
第二,情绪化的人们天生的冲动造成了轻易的急功近利心理,急于求成的他们误认为只要刻苦努力,就可以在两三个月中达到别人三五年的成就。其实“欲速则不达”,而声乐学习是个循序渐进的过程,这些操之过急的行为往往会造成一些不成功的经历。累积形成认知偏差,使之自认为不需要继续努力,反正以往的努力并没有收到预期的效果。这特定时期中的情绪化人群实际上比一般人渴求更多的成就润泽,而他们自己却往往出于回避挫折的动机否定自身潜意识中的成就渴求。艺术是时间的结晶,尤其是声乐艺术更需要一定的时间来打磨。歌唱艺术如同登山,登得越高越困难,凡有志献身声乐事业的青年,必须具备百折不挠的毅力和巨大而持久的耐心,如果没有良好的心态,又怎能坚持走过这漫长的通往成功的路途呢?
在音乐界,有关歌唱的心态问题已经被人们所重视。沈湘先生就要求学生在演唱时要保持稳定状态,在动中求静,无论音域、语言、情感上如何变化,心态总是那么平静、松弛。喻宜宣教授在《几年来音乐院校声乐教学中的几个问题》一文中,把重视学生歌唱心理的培养认为是声乐教学的基础训练,她说:“从这几年的经验中,我们懂得了要在进行训练以前就注意学生的心理状态。了解到一个人的心理不自然、不平静,精神不集中、不充沛,那他就不可能发出好的声音,就不会唱好歌曲。只有当他内心充满歌唱的愿望时,只有当他具有坚定的学习信心时,才能做课堂上的作业。因此,在教学中要有意识地去培养他们的歌唱情绪,使学生从训练之初就养成一种很好的精神状态,非常自然地、热诚地、聚精会神地、严格地来进行创造性的劳动。”合唱指挥家陈家海教授在排练合唱时也曾提及歌唱心态问题,他认为,歌唱者无论自己心情多么不好,在歌唱的那一刻也要努力做到“微笑”的心态,这是作为一个歌唱者始终应该做到的一件事。笔者自身也有深刻的体会,导师经常谆谆教导,要“不停地学,不停地悟,一生才会不断在进步”。所以说,心态问题对于情绪化的声乐学习者来说是通向成功之路的最大绊脚石,首先要把它克服掉。被誉为“世界男高音之王”的意大利著名歌唱家帕瓦罗蒂,是经过了长期刻苦的学习、磨炼才成名的,他在回忆他学习声乐的情况时说:“整整六个月的时间,每天都是做练声和母音练习,这种练习使我下巴放松、增加音量,并能自然发出清晰的声音。我就这么日复一日地练哪,练哪,没有曲调,只有音节和练习曲。偌大的世界,对一个19岁的青年有何等的吸引力!而我,却在一遍一遍地唱音阶。没完没了地唱音阶,没完没了地重复a、e、i、o、u!不少学声乐的人为此感到苦闷,而我,不但不觉得枯燥,反而从中得到了乐趣,一边学一边欣赏着用新的发声技巧唱出来的声音。”③对于生活,亚里士多德提出了一个一般原则,那就是不要过和不及,也就是通常所说的“中庸之道”,比如说,勇敢中唯有中庸才是美德,过分的勇敢是鲁莽,而缺乏勇气则是怯懦。声乐学习又何尝不是这样,过分的努力是急功近利,而缺乏努力则是懈怠。
好的情绪、情感是教学成败的关键。教师在教学中应合理采用不同的手段和方法增强学生情绪情感的控制能力,从而达到提高教学效率和教学质量的目的。对学生来说,应该体谅老师,应把这一任务重点交由自己,努力提高自身的艺术修养,让这与生俱来的性格得到理性的控制。笔者认为,声乐情感教学应该从教学的主客体两方面同时进行,并且重点在教学客体的自我醒悟与主动调节和改善上。
综上所述,笔者认为,对于声乐学习中的情绪化调控,除了要重视歌唱技能技巧训练外,还必须培养良好的心态。从心理学角度来说,即提升精神状态。精神状态提升的目的,是让人的精神状态与所处的现实境遇相适宜的前提下,向积极的方向发展。提升人的精神状态并不否定人的负面情绪,负面情绪是在遇到挫折时正常情绪的反馈。人不可能一直处于积极的精神状态下,也不可能总处于消极的精神状态,应将消极精神状态的影响缩小到最小范围,将消极的精神状态的持续时间减到最低限度,应该尽快实现由消极精神状态到积极精神状态的飞跃。一个国家的兴亡取决于整个国民的精神状态,一个人生存质量的高低取决于一个人的精神状态。就个人而言,提升精神状态,是开发精神动力资源的基本方式,这可以培养人的主体性健康人格,可以促进人的全面发展。④就声乐学习而言,在情绪化泛滥的时候,提升精神状态是抑制泛滥情绪的有效方法。鉴于提升精神状态对声乐学习的重要性,笔者提出以下建议:阅读大量的文学名著,从中汲取滋养,陶冶自己的性情;大量涉猎有关音乐的文献,系统地研究歌唱之道,从音乐理论和技术上武装和充实自己,让自己站在理性的高度科学全面地认识歌唱;重视发声练习,处理好技巧与情感的平衡,加强对歌唱原理的认识和把握,养成良好的歌唱状态。有了像习惯一样的科学的歌唱状态做资本,就等于获得了能够长期学习声乐的通行证。
总体来说,情绪化影响是声乐学习中的一个重要因素。我们只有从理论高度上对其进行认识,从理性角度上对其剖析,才能把握声乐学习和演唱时的心理状态,培养出有利于歌唱的良好的心理状态,才能保证声乐教学、演唱的科学性,从而较快地培养出高水平的声乐人才。
注释:
①吴耘.歌唱心理在声乐演唱与教学中的作用.美与时代.2006(11).
②普通心理学.人民教育出版社.
③(意)盛廉·赖特编,黎汝译.当代歌王帕瓦罗蒂.中国文联出版社.
④申来津,张燕.精神状态的提升:以管理方格为分析工具.2006(01).
参考文献:
[1]石惟正.声乐学基础.人民音乐出版社.
[2]邹本初.歌唱学.人民音乐出版社.
[3]杰罗姆·汉涅斯.大歌唱家谈精湛的演唱艺术.中国青年出版社.
[4]宋瑾.什么“音乐”的“美学”.舞台艺术.2002(01).
内容提要:声乐技术是人们在长期的歌唱实践中逐步积累、提炼形成的;不同时期不同的条件支持下对声音的要求和观点有着不同的看法和理解,人们的审美观念也在不断的发生改变,但无论在任何时候,声乐学习者都必须清楚:在学习的过程中要自觉树立起正确的思想理念,只有如此,声乐学习才会在短时间内得到大的提高,本文将根据声乐学习特点提出一些建议以共大家参考。
关键词: 潜意识、 步骤、系统、心理 、悟性
声乐学习是漫长而又艰苦的过程,人体作为一件“变化无常的乐器”是要经过自身的调节、构建,并不断优化、组合,使其达到歌唱的必备条件。学习者通过发声训练使身体自身能发出悦耳的声响,并符合人们的审美要求。由于人的声音弹性很大,每一个人条件不同,在学习中遇到的问题也不同,这就要求如何去选择学习的途径。有的学习者盲目寻找一些声乐专著自习,也有的跟上录音模仿。另外,也有通过向专业老师请教的,声乐学习无目的、无步骤的、无系统的学习所导致的是无果而终。为了避免学习者少走弯路不陷入误区。 以下笔者将和声乐学习者一起探讨一下声乐学习中的一些思想理念。
首先,声乐学习者自身必须真正喜欢声乐,并有着强烈的求知欲。一个声乐学习者,必然是对声乐发生浓厚兴趣的人,如果要是被迫的学习,那必然会导致学习进度的迟缓或者学无所成。声乐学习具有三重性,它是心理、生理、物理状态之间的相互影响、相互支撑、相互协调的具体体现。如果学习者从心理上有抵触情绪或者有心不在焉的学习态度,会直接引起生理变化,这就使在构成物理状态时受到很大干扰、破坏,导致发声器官不能进行正常工作,使学习处于不自觉和无序状态而影响和降低学习效率。值得强调的是学习者必须有主观上学习的欲望,才能很好地完成声乐学习的整个过程。
第二、声乐教师的指导是学习最重要的因素。就象一个患者不能依靠读某些医学著作医好自己的疾病。声乐学习也是如此,即使你曾读过许多理论书,曾亲自实践,甚至有时理论一大套,其结果一张嘴发声,却让人啼笑皆非。因为他说的和做的完全是两个概念。这样的学习十有八九会误入歧途,甚者会毁坏自己的声带,丧失歌唱能力。大量事实证明,声乐学习必须有专业老师现场授课、指导。对学习者的声音把握、方法以及学习思路等都会体现出教师的教学水平和综合能力。所以学生选择指导教师也非常关键。(不过在一般情况下,进行过系统专业学习的人都有能力胜任。但也不可排除。)在一定程度上,教师的教学方法和手段是和其综合素质有着密切的关系,在学习一段过程后学生会体验到教师的教学能力。不过在声乐学习中,教师只能掌握大的方向,在许多时候还需靠学生的悟性。很多学生在练习时,没有遵照老师的教导,造成不良后果。例如:不能按照教师意图进行学习,还有急于求成的错误心理也会导致整个错误行动发生。
第三、树立持续性、思想性、开放性的学习思维模式。声乐学习需要通过一定的时间去获得,如果没耐心、恒心、毅力、决心;如果不能吃苦、刻苦、勤奋、虚心;如果只是安于现状、不敢打破传统、吸收引进外来先进方法、注入新鲜思想;不能努力加强各个领域的学习和锻炼。(包括道德、文化知识、体育、美育、哲学、国情等。)就不能够完成学预期学习目标。所以学习者只有充分调动自己的积极因素,努力发挥自身潜力才能够达到目的。
第四,要信任教师,虚心请教,认真细心,善于动脑 。
“教”与“学”是两个互为依存而又密不可分的个体,如果有一方的砝码倾斜都将给教学带来严重后果。作为学生一方,老师既然是你选定的,你就应该相信他,要虚心、认真。并且要深刻地领悟教师的意图及讲解的重点和反复强调的内容。特别是提出的相关的见解、要求,必须去严格执行。这样双方才能够配合默契,使教有所得,学有所获,把所学的知识融会贯通用于实践。掌握技艺,初见成效。在学习过程中,学习者必须全身贯注、集中力量、全身心地投入进去,做好每一个动作、发好每一声、唱准每一音符,只有这样才能够很好地完成各个阶段的学习任务,使自己的技术迅速提高起来。(其它诸如身体因素等原因除外)在和老师学习期间,在征得同意后,在适当的时间,学习者应根据需要,阅读一些相关的声乐理论书籍。为什么要按照教师的意图去阅读声乐理论呢?这样可以避免实践与理论相脱节,造成思想紊乱、概念混淆,导致错误的学习动机,使学习没有章法。声乐学习和其它学科不同的是:它具有抽象性,纯理论的东西并不能完全去指导实践,它必须从教师敏锐的听觉中去分析、判断声音的正误,外加视觉对歌者细心的观察,看他身体的动作是否符合发声要求。有时由于学习者的程度达不到,而看一些不适宜的理论会造成概念上的混乱。所以书本知识在一段时间是解决不了根本问题,有时会使之误入歧途
第五,要实践结合理论,善于筛选、分析、归纳、总结。学习者必须要有一个清醒的认识,彻底搞清教师的一招一式。把他所使用的特定语言、术语,他使用的手式、比喻、示范动作牢记于心,并加以条理归类,慢慢消化。另外学习者还应注意的是:平时就要养成治学严谨的态度,从点滴做起。因为有许多东西是从少、从小积累起来的。也只有把别人的拿来加以整理、规划、条理,再精心加工、设计、排列、组合变成自己的东西,才能真正居为己有。这一些需经历一个纷繁复杂的过程。没有毅力的人是不能够真正完成。不过,声乐学习并不可怕,它的学习并不像其它学科那样看上去枯燥,只要你投入进去后,并不感到乏味,而是一种享受和乐趣。学习者要根据自己的实际情况选择自己的学习方式。学习者无论要达到什么程度,我们都应选择最快的速度和方法去提高自己。上面提到的虽不是直接学习声乐的方法,但它是通向方法的最好、最快捷、最重要的思维方式和途径,希望能引起足够的重视。
第六,要广泛地去聆听一些音响资料,辨别声音的好坏,建立自己正确的、富有个性的声音色彩。在声乐学习之前我们其实就已经无意识的接触过许多的声音,包阔中国的、外国的、现代的、古典的、各个地区、各个民族的、宗教的不同风格的、各个声部、各种性格的,(包括戏剧在内的声音)根据自己的情况范围、数量等不尽相同,但总而言之, 我们已经有了足够的声音体验,也有了足够的审美体验。并且能够知道哪位歌唱家、哪位歌星唱的什么味道或者有时还能听到其存在的问题。激发学习声乐的热情是从最初的、最基本的审美观念开始的,有了这些后,自己从开始哼唱、模仿、直到学唱,已经经历了一个潜意识的过程,那么当你真正开始从事声乐学习时,已经进入有意识的声音尝试过程中。在这个阶段,我们的“听”必须转化成深层次的听,在听的过程中要对声音做具体分析,研究它的看不到、摸不见的发声技巧,以及包括一些歌唱家所存在的发声问题,我们应逐步建立起正确声音的思维模式,在多听中培养出具有艺术审美的听觉系统。只有这样才能有力的配合教师构造出一个优质品牌的乐器,在声乐学习过程中会出现各种各样意想不到的教学“事故”,有可能是学生的、也有可能是教师的问题,但是学习者如果是一个痴迷于声乐事业的人,他一定能够通过各种途径最终做出一个正确选择和判断,也一定能够把握好自己的举止行为,真正处理好教与学、客观与主观、主体与客体的关系。当前声乐事业还处于一种探索、创研时期,从技术、技巧方面也存在着众说纷纭的争议,不同流派、学派、风格的共存与交融又足已使我们认识到,声乐的发展是随着人类社会的不断进步而发展的。在浩瀚的声乐之林,人们对声音的审美观念也在根据时代的变化、要求发生着相应的变化。我们在学习过程中,只能在一定的范围去挖掘、发现、以求尽可能地提高自己的水平,获得更多的知识资源。
【关键词】模仿情绪识记文化素养
声乐训练具有很强的综合性,涉及的问题很多,而且这些问题自身又有相互关联之处,它们往往产生综合的作用力, 对歌唱效果具有不容忽视的影响力。因此, 声乐学习具有一定的难度, 需要我们运用各种方法加以克服。在我的学习过程中,对声乐有如下几方面的理解和感悟。
一、从模仿中学习掌握技巧
1、我们必须认识到:“模仿本身就是实践、再实践,从不自觉到自觉地对发声器官的掌握和控制的能力;也就是从必然王国到达自由王国的必由之路。”学习过程中,我们跟着老师的示范与磁带、光碟中的声音模仿唱,照着做。在这一阶段中,我们应尽量“依样画葫芦”,就像初学写毛笔字的人“描红” 一样,标准是模仿得越像越好。在有了一定的感性认识后,我们就会对歌唱的器官、气息、位置、共鸣等技能技巧有了一些体会,从而较自如地配合,较灵活地运用;与此同时,还应加强理性的认识,多问几个为什么,通过思考和反复地练习,掌握好歌唱中控制运用各器官的方法,从而达到理想的效果,这是第一步。
2、从模仿中找准自我后,根据自身的条件、基础、艺术水准找准模仿对象, 就可以去选择适合自己模仿的磁带、光碟。在模仿学习中,通过分层次、分阶段的学习,通过演唱者与老师、与范本(磁带、光碟)的不断磨合、不断领悟与消化,通过循序渐进、持续不断的努力,我们的发声器官就能凭借听觉的音响信号作出快速的反应,从而由心理听觉来指挥生理的条件反射,下意识地调节好发声状态, 逐渐形成好的歌唱习惯,这是第二步。
3、模仿的目的是提高,但模仿的最终出路在创新。所以我们在声乐学习中要不断提高我们声乐技巧和艺术修养, 充分发挥自己丰富的想象力和创造力, 以创造精神去观察分析每个作品,用创造的思维去表现处理每个作品。模仿学习要注重“神似”,在神似的基础上,融入模仿者的个性、风格,新的观念、新的方法,形成自己独特的风格、方法。这就是模仿学习的第三步, 也是最高境界———创新。
二、不断强化心理训练
首先要正确认识和评价自己的客观条件,在训练和演唱中,扬长避短。我们应注意自己意志和性格的培养和锻炼,达到沉着而有自制力。提高自己适应环境的能力, 克服情绪的干扰的能力,并能够利用积极的情绪帮助自己演唱成功。
其次要端正演唱的态度,正确认识演唱的意义。歌曲是通过歌唱和音乐来表达人们的思想感情的,健康优美的歌曲加上演员精湛的演艺技巧可以唤醒人们沉睡的思想意识,激发人们的思想感情。
第三是平时要加强歌唱欲望的培养。歌唱者在歌唱前,需要在心理上、精神上、身体上,以及发声器官上做好准备。要自我激发歌唱欲望并对歌唱情绪进行调整。那些成功的表演者都是在反复不断的舞台实践中锻炼成长起来的, 他们在实践中不断改善自己的心理状态,消除心理障碍,实现自我调节。随着舞台经验的不断积累和表演技巧与艺术修养的不断提高,表演者就会越来越对自己充满信心。
第四要运用技巧调整情绪,避免紧张感。例如运用情感的转移的方法来调整情绪状态,使自己很快进入演唱的状态,并符合歌曲要求的意境情绪等。
第五是舞台经验对歌唱者的演唱成功起着重要的作用。舞台经验是通过平时的参与、观察、学习、总结和积累而取得的。所以,一个歌唱演员应该注重演唱实践,在实践中不断提高在演唱中和观众沟通的技巧和经验。
三、多种方法提高记忆力
1、理解记忆法:首先要清楚地了解歌词与曲式结构, 每一部分起什么作用,各部分之间怎样相互联系;然后要懂得歌词的内在含义, 分析歌词的意境,以及情感的产生与发展;最后能入境、入画、把“我”投入到歌中去,物我交融。
2、多通道记忆法:人记忆外部信息的通道有视觉、听觉、味觉、触觉等等, 这种多觉参加的记忆叫做多通道记忆。多通道记忆法可以动员多个身体部位协同合作,共同接受和处理外来信息。
3、情绪记忆法:在声乐学习中,情绪是最重要的。我们可以采取自我心理调节的方法, 用宣泄或补偿的措施,把不良情绪排斥出去,同时采取相应的办法使自己的情绪变得愉快、兴奋起来。不仅在课堂上要这样,课后自己练声练唱都应如此。
4、听视记忆法:我们除了通过视唱对声音、旋律、歌词记忆以外,最好是多听歌唱家的录音以及现场观摩,还可以多看录像、电视、MTV 等,以此强化记忆。
5、读写记忆法:识记旋律、歌词、发声方法及发声要领等, 最好是边读、边写、边记忆,借以提高记忆效率。在抄写时要看、要读,抄歌的过程既通过视觉记忆,又利用了唇、齿、舌的运动记忆, 还运用手指触觉记忆。当嘴读旋律或歌词时,又增加了耳朵的听觉记忆。
6、朗诵表演记忆法:在我们背记歌词时,要一边朗诵一边表演。朗诵要通过眼看(视觉记忆)、嘴读(运动觉记忆)、耳听(听觉记忆)、手势动作(运动觉和方位觉记忆), 这样各种感觉一齐参入记忆,使记忆效果绝佳。
7、形象记忆法:为了加深记忆,我们可以想象自己就是歌曲中的人物形象,也可化为物的想象,如小草 一片云 浪花等。对形象的记忆就是把歌曲中的形象化为活生生的你,歌曲就是你说的话,歌中的话就是你要表达的情感。
8、刺激记忆法:这种记忆方法是强化记忆,它包含着意志品质。如母音记不住,可以反反复复朗读,甚至可以进行自我惩罚。心理学家指出,自我惩罚是记忆和改正错误的强硬手段。
四、全面加强文化素养
1、存在问题。对于很多演唱者而言,演唱没有什么大问题,也不缺乏技巧, 但我们听起来总觉得差那么一点, 显得干巴巴的,没有感染力。这种现象的产生,其根源主要是由于演唱者对作品的理解和把握达不到所需要的深度。然而,当一进入作品分析,对于声乐作品中所涉及到的历史知识或文学知识等, 我们很多人甚至都没有接触过,在这种情况下,我们要对作品有深刻的理解,唱出感觉和味道,那只能是缘木求鱼。
2、产生的危害。音乐专业的学生文化知识普遍欠缺,这是我国多年实行应试教育的结果。这种功利化带来的最大负面效应就是,传统文化与人文精神的失落。因为传统文化与人文精神不符合所谓效率的原则。没有基本的文化常识,是愚昧和低素质的表现。但是有专业知识与技能,却缺乏人文精神与文化修养也是很可怕的事情。因为只以技术的眼光或者专业内的眼光评判事物,很容易走向另一种无知与偏执。
3、解决的办法。我们在重视技能的同时,应提高一些文化修养,目的不是使个人增加一些风雅和谈资,而是在潜移默化中提高民族的素质。面对现实, 要有效提高自己的文化素养,除了对文化知识进行亡羊补牢, 加强读书学习外,关键是每一个学习声乐的人,都要树立一种意识──文化素养是富含营养的土壤,要想让自己的艺术生命之树茁壮成长, 这土壤就必须更肥沃更厚实;同时也要明白“功夫在诗外”的道理,必须开阔视野,兼收并蓄,才能使自己的艺术之树长青。
参考文献
[1]杨瑞庆《模仿是为了创新》(《湘江歌声》2003 年第2 期)
一、学习声乐的条件
1.对于声乐的学习,首先要具备一定的音乐素质,即准确的听觉、鲜明的节奏感和较好的音乐感觉。也就是常说的音准、节奏、乐感。一个人的音乐素质有先天的因素,也有后天培养和影响。也可以说:“先天是基础,后天是培养”。
2.具备一定得乐理知识,可以准确而熟练地识谱,相对唱准音和节奏,可以准确地理解作品,表现作品的情感色彩
3.大家普遍的认为,学习声乐要有一副好嗓子,这种看法是相对正确的,但是也不排除有相对片面的一面。优美动听的好嗓子是学习歌唱的一个很有利的一个条件,相对来说在学习上具有一定得优越性。但嗓音条件差点儿的学习者通过正确的发声歌唱训练,他们的歌唱音色也是能够得到一些改善的。因此如果作为声乐的爱好者来说,只要可以说话,那么每个人的发声器官都是具有歌唱功能的,都是可以学习的。
二、学习声乐的方法
1.教师的指导
歌唱是一门技术性和实践性很强的学科,仅仅凭借一些声乐理论和教学方面的文字资料去进行歌唱发声的学习和训练是非常困难的,因此,学习歌唱必须是在声乐指导下进行,特别是初学阶段。
教师的职责是引导学生用正确的方法进行学习。学生应在老师的指导下了解和认识自身声音的特点以及该解决的问题和毛病。在课下多思考,小声练习体会,在没有完全掌握歌唱方法之前不建议在课下大声练习。
2.欣赏名家唱段
学生在课下可以欣赏一些优秀歌唱家的演唱,提高自身对演唱的鉴赏力和演唱素质,但是不建议去模仿难度较高的歌曲,因为这样容易给自己添加一些不正确的演唱毛病,增加学习的难度。
3.课上做笔记
声乐笔记是反映自己声乐学习进程的镜子,是声乐理论、方法在自身歌唱实践中的总结。笔记应记录每个阶段所采用的发声练习,歌曲演唱方面,咬字、位置等方面的要求,主要问题出现处应做重点的标注提示。笔记是声乐学习中的一个辅助学习工具。可以减少歌唱学习中“看不见,摸不着”的难度,把不无形的学习有形化,增强有形化声音的记忆,提高每个阶段的学习。
三、循序渐进的学习
关键词:声乐辩证法;整体与局部;对立统一
近几年来,从不少声乐学习的学术文章中,我从中认识到,一些声乐学习者,之所以能取得好的声乐学习效果,顺利到达理想的彼岸,走向辉煌,是由于其学习中正确的理论思维与声乐学习实践紧密地相结合,其中很重要的一点是在学习中具有辩证法的哲学思维。作为一名即将毕业的大学生,我现结合一些声乐教学实际状况,对以下几方面加以认识。
一、把握个体与整体的关系
在声乐学习中,容易出现头痛医头,脚痛医脚的问题。其实,世界上的任何事物都存在着整体和局部的问题。声乐大师沈湘说,歌唱需要三个条件:头(头脑)、心(感情)、身(发声器官——歌喉),三者的配合统一才能完成美的歌唱。这三者之间的配合统一,其实质就是整体与局部的辩证关系,若单纯强调某一方面,都是片面的。例如,我们学习声乐过程中老师要求“以情带声”,但是许多人对其理解比较简单、笼统,流于表面,认为有了情就有了声。声乐是声音的艺术,故“声”是歌唱的基础,“情”是建立在“声”的基础之上的。为此,在声乐学习中,我们必须坚持进行长期严格、系统、正规的专业声乐技巧的训练,同时要培养自己感受、鉴别美好声音的能力。在我们的声乐学习中,往往会停留在声音的纠缠之中,没认识到声音应与艺术表现和审美需要有一个更高的审美角度,这个角度是:“演唱者把歌曲思想、情绪和情感注入到歌声中去,那么歌声就具有了美感。”将歌唱技术与传情达美恰当结合,这才是声乐的真正意义。
由此可见,我们在学习声乐中应注意将发声技术、歌唱心理、音乐美学以及对歌曲内容的理解有机结合起来。在声乐学习中,我们还应注意把握整体,有计划、有步骤地解决自己碰到的各种各样的问题,才能在声乐学习中树立整体观念,防止片面性。
二、处理好事物对立统一的关系
世界上的一切事物都包含着矛盾,对立而统一,并且是在矛盾的运动中发展。声乐也是如此。例如,歌唱中的声音与呼吸是矛盾的问题。“气”和“声”是互相依存又互相制约的两个方面。气催声响,声靠气传,气停声止,无气不发声。若在发声中单纯追求喉咙打开或过分强调呼吸的作用有可能导致声门与呼吸失调,造成声音病变,正确的方法应是注意喉咙的打开与气息的配合,即发音时喉头打着哈欠向下叹息挡气,使气息的压力与喉头相对抗而又保持平衡,才会发出较理想的声音。再如声音高位置的训练,一些同学,为了追求“高位置”而把气息和喉头都上浮起来,发出尖、卡、虚、紧的声音。要解决这一问题,应将“高位置”与“低控制”协调起来。这一高一低是一对矛盾,若在提示声音的高位置同时又保持气息下沉的低控制,歌唱状态就会处于平衡,发出理想的声音。其实,在声音学习中有很多类似的情况。因此,我们在学习中要有辩证的思维方法,全面、客观地看问题,从而更好地分析和解决问题。
一、声乐学习过程中的“想”
所谓“想”,就是想我们上课时老师讲的内容,如果说“听”是笼统的接受,那么接下来的“想”就是一个取其精华去其糟粕的过滤过程。当然,想也不是漫无目的的想,声乐学习中的“想”主要针对两个方面,首先是要想教师的教学语言,声乐课的教学语言与平常的教学语言存在一定的差距,它拥有自身独特的表达方式、表述习惯、语言内涵和使用规范,是一种既区别于专门用作演唱表现的歌唱语言,又区别于专门用作理论研究和学术探讨的声乐理论语言的特殊声乐语言表达形式,由于看不见发声器官,只能通过老师生动形象的语言让我们找准各个发生部位应有的感觉。例如声乐教育家沈湘在给学生上课时,经常提醒学生用“后半扇唱”,用意是先用“后半扇儿”的感觉想着后脖梗.在后颈的位置找咽壁,好象这里有个“歌唱家的嘴”,从头“张嘴”想着。“贴着咽鼻吸着唱”,这时小舌头轻微松弛地上抬,喉结下沉,拉开咽腔的空间距离,喉咙在“吸气”的感觉中“打开了”,从而找到让声音贴着后岩壁走的感觉.那这就需要我们去认真理解老师的所要表达的意思,在脑海中产生“内听觉”和“内视觉”去感受产生在咽壁和咽腔通道里明亮、纯净、松弛、柔和的共鸣泛音音色。在学习过程中,每节课都有新的知识,但只有用心感受老师的用意,举一反三的练习,才能将老师的知识变成自己的。其次,要想老师的声音,练就美妙动听的音色是我们学习声乐最终的目标,但这美妙动听的音色并不是简单的演唱就能得来的,而是演唱者生理发声机能与复杂心理活动的结合体,当我们听到声乐教师或者是其他演唱者的好的声音的时候,不要急着去模仿演唱,而是要去思考,思考他的声音好在哪里,从哪里来,怎么来,他声音背后各个歌唱器官的协作运动是怎样的,通过对他的发声各个器官运动的思考,把它转化到我们的学习过程中,反复的思考体会再练习,才能让我们在声乐学习的过程中尽量少走弯路或者不走弯路。
二、声乐学习过程中的“练”
在经历了“听”和“想”的过程之后,接下来就是练习了。声乐艺术是一门技术性和实践性非常强的学科,仅凭理论知识和文献资料去学习是非常有局限性的,但美妙动人的歌声的塑造并不是盲目的机械的重复获得的,而是科学系统的方法加上练习者刻苦顽强的精神通过长期的训练得来的。其目的就是为了将歌曲演唱中对声音所需求的各种技巧在练声过程中得到充分练习,从而为歌曲演唱更好的服务。每个人声带的先天情况不同,在后天练习中所产生的问题也就不同,所以练习的时候不要笼统的过次数、掐时间,而是要对症下药,哪个地方不足就强化哪个部分,对于优点巩固加强,对于缺点各个击破,才能使我们的练习更事半功倍。初学者在时间上不要贪多,以30到40分钟一次为宜,等声带适应后逐次递加至一到两小时,时间不要求过长,坚持每天练习最重要。在没有达到熟练的情况下,音量不要过大,小声唱不失为一种很好的练习方式。在歌曲的选择上一定要量力而行,不要贪大,声乐是一个长期艰苦的练习过程,不同的学习阶段适合的歌曲是不同的,在自己能力没有到达的情况下选择过大的歌曲,轻者影响演唱者的心态,产生气馁的情绪,重则会导致声带撕裂,声带小结等不可挽回的损失。声乐学习是一个艰苦长期的过程,“听”“想”“练”是三个相互作用的环节,“练”是“听”和“想”的实践,反过来“听”和“想”又为“练”提供了理论依据,使“练”更具时效性和准确性。做一个智慧的学习者,让我们在声乐学习的道路上走的更稳妥更久远。
作者:康怡 单位:西北师范大学
一、声乐学习者应具备精确、纯熟的声乐技能技巧
长期以来很多人认为,唱歌是用不着去专门学习的,张口就来,模仿就行。可自从出现了郭兰英、王玉珍、王昆、郭颂、李谷一等老一辈歌唱家以后,这种模仿恐怕就只有极少数嗓音条件特别好的人才能做到了。尤其是当美声唱法盛行后,声乐技能技巧的专门学习就越来越被人们所接受。其实我国传统戏曲就很讲究技能技巧,不是有“拳不离手,曲不离口”“冬练三九,夏练三伏”之说吗?由于声乐学习通常是一对一的教学,而且歌唱状态主要靠感觉去获得,所以,在日常的声乐学习中,学习者必须不断地巩固在声乐课上获得的正确的感觉体验,否则一旦丢失了又得重下功夫。好的演唱必须具有张口就对、出口成珠的效果,而这种演唱效果必须有赖于日复一日、孜孜不倦、精益求精地练唱才能获得。有了纯熟的声乐技能技巧,才使美好的歌唱具有重要的前提条件。
二、声乐学习者应具备扎实的音乐基础理论知识
好的演唱必须有扎实的音乐基础理论知识作坚强的后盾。音乐基础理论知识包括乐理、视唱练耳、和声、曲式及作品分析、中外音乐史等等。任何一门基础理论课程没学好,演唱的效果就会大打折扣。如乐理中基本的音值、节奏没掌握好,就会使作品的演唱失去条理性、逻辑性和准确性。速度与力度把握不准,可能就会完全改变原作的情绪和情感内涵。若不了解作品的出处、年代及风格,把严谨、典雅的古典风格唱成激情、浪漫的风格,就会贻笑大方。可以说,扎实的音乐理论基础知识是美好歌唱的一个重要保障。
三、声乐学习者应具备广博的综合学科基础知识
“声乐是歌唱艺术的总称,特指由人声唱出的带有语言的音乐。”①“歌词与旋律的有机结合就构成声乐作品。”②歌词是语言艺术的表现对象,所以歌词具有文学性。“歌词的文学性要求,首先唤起的是概念,再由概念影响情感,最后在思维和联想的参与下达到某种程度的完善。”③所以,优秀的演唱者首先必须要具备深厚的文学功底,能准确地理解歌词的内涵,才有可能塑造正确的音乐形象并唱出情感内涵;其次要有正确表达语言的能力,包括语音发音能力和朗诵技巧等等,才能做到字字珠玑,字正腔圆,以字带情,以字带声。
歌唱艺术擅于塑造音乐形象,歌词中经常描绘出各种优美的山水风光以及人们幸福生活的画面。可以这样说音乐是流动的绘画,而绘画是静止的音乐。美术中的绘画与音乐在意境乃至韵味上都有相通之处。音乐中和声的变化好似绘画中色彩的变化,中国画中用墨的浓淡好似音乐中的力度和层次的变化,绘画中的空白空间又恰似音乐中的休止符。对美术的了解和熟悉会增强学生演唱中的想象力,而对舞蹈、戏剧和电影艺术的了解和熟悉会大大提高并丰富演唱者的情感体验以及演唱者在舞台表演中的面部表情、形体动作和整体的风度气质。在声乐学习中,学习者应多接触并学习与音乐相关的各种姊妹艺术,将各种姊妹艺术与音乐艺术逐渐融会贯通,就会大大提高综合素质,这样对音乐内涵的理解也会更加深透。四、声乐学习者应具备感受美、捕捉美和表现美的能力
“音乐与诗、词所提供的艺术形式,都是具有一定程序性的时间存在,即起始、、尾声,在一定的时间过程中唤起欣赏者的审美期待和审美体验。”④音乐教育是审美的教育,主要以审美为核心,作用于人的情感世界。因此演唱者必须具备感受美、捕捉美和表现美的能力。“灵活、有创造性地表现美是声乐艺术演唱过程中不可缺少的二度创造手段之一。这种灵活性与创造性表现在:在不损伤歌曲主干的基础上,采用装饰、填充、加花、补充和完善等灵活适宜的表现方法来丰富歌曲的情感内容。”⑤若演唱者缺乏对美的感受与捕捉的能力,就会导致对作品中的美与情感内涵在理解力和表现力上的贫乏,就更谈不上灵活、有创造性地表现作品中的美了。
在声乐学习过程中,一方面,学习者应多赏析各类音乐作品,包括古今中外的各种优秀的声乐和器乐作品,多观摩大师们的音乐会,充分体验蕴含于音乐音响形式中的美和丰富的情感以及音乐所表达的真善美的理想境界,并由此产生强烈的情感共鸣,逐渐达到“未成曲调先有情”的境界;另一方面,学习者应加强对各种姊妹艺术的了解与学习,逐渐培养并提高感受美、捕捉美和表现美的能力。
五、声乐学习者应具备良好的品德修养和顽强的思想品质
学艺要先学做人。试想,在生活中自私自利、狡黠奸诈、萎靡不振、孤芳自赏、行事乖谬的人怎样去正确且有品味地表现音乐中高雅的美感和高尚的情感呢?所以一个优秀的演唱者必须是一个正直、诚恳、谦逊、执著的人。俗话说:身正不怕影子歪,表现在音乐上同样如此。在日常的声乐学习中,学生经常会遇到很多的挫折和困难,而顽强的意志“会产生排除障碍、克服困难的勇气和力量,使人能自觉地同懒惰、胆怯、犹豫不决、意志消沉以及品德与性格上的缺点作斗争。”⑥
纵观整个音乐发展的历史,任何一个真正有成就、被后世不断传颂和效仿的歌唱家都是具备了以上各方面的优秀素质(甚至更多),才能攀上歌唱艺术的高峰。声乐学习者应该对声乐的学习特点和过程有足够的、正确的、清醒的认识,凭着对声乐艺术的满腔热情,按照各方面的素质要求不断地充实自己,不断地追求更美、更新、更高的艺术境界。
注释:
①范晓峰著《声乐美学导论》[M].上海音乐出版社,2004年,第1页
②同上,第81页
③同上,第89页
④同上,第13页