时间：2022-08-16 01:14:48
序论：在您撰写动漫艺术论文时，参考他人的优秀作品可以开阔视野，小编为您整理的7篇范文，希望这些建议能够激发您的创作热情，引导您走向新的创作高度。
2006年教育部颁布的《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》明确规定，公共艺术课程目标是“通过鉴赏艺术作品、学习艺术理论、参加艺术活动等，树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养;了解、吸纳中外优秀艺术成果，理解并尊重多元文化;发展形象思维，培养创新精神和实践能力，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面和谐发展”。那么，动漫艺术教学能否实现以上目标呢?可能许多人对此是持否定态度的。于是，分析动漫艺术审美品格就成为正本清源、化解争议的根本途径。作为青少年群体喜闻乐见的一种艺术表现形式，如果单纯从娱乐性去理解而忽略了其自身的审美价值魅力，这无疑是对动漫艺术最大的不公。列夫托尔斯泰在其著作《论艺术》中指出:“艺术的创造能够在人的心里唤起一度曾经体验过的感情，并且在唤起这种感情之后，用动作、线条、色彩以及言辞所表达的形象来传达这种感情，使别人也能体验到这同样的感情———这就是艺术活动。从列夫托尔斯泰对艺术活动的定位，我们可以看出动漫艺术完全符合作为艺术活动的基本要素，大众对于其娱乐化的浅显认知来源于动漫艺术广泛的群众接受度以及部分动漫作品基于商业利益而展现的低俗格调。然而，这并不妨碍动漫艺术自身的艺术地位以及我们对好的动漫作品的欣赏。动漫艺术被广泛接受并不是因为它的娱乐性，而是其融汇了文学、绘画、音乐、电影的综合技能，创造出了一种符合广大青少年甚至成年人所喜爱的新型艺术表现形式。理查德•舒斯特曼在“实用主义美学”中主张“我不仅批判高级艺术那种疏远的深奥主义和总体性主张，而且尖锐地怀疑任何高级艺术产品和通俗文化产物之间本质的、不可逾越的区分。历史已向我们证实，一种文化的通俗娱乐(如古希腊甚至伊丽莎白时代的戏剧)可以变成随后时代的高级经典。实际上，甚至就在同一个文化时期，一件作品是作为通俗的还是高级的艺术发挥作用，取决于它被公众怎样理解和利用。”同理，动漫艺术是作为通俗的还是高级的艺术发挥作用完全取决于其受众以及社会群体对它的选择和认知。作为艺术教育工作者，我们如果无视动漫艺术被广大青少年喜爱的事实，而选择因动漫作品中的某些低俗存在而全盘否定或有意避讳的态度，那无疑是对动漫艺术的践踏和对学生教育的不负责任。负责任的艺术教育态度应该是去探究一个最根本的问题，即“动漫艺术具有何种魔力，让广大青少年甚至成年人对其喜爱之极”。针对青少年群体进行动漫审美分析，有助于艺术教育工作者合理利用动漫艺术的积极因素，实现其艺术教育作用。
西方“移情说”美学代表人物利普斯从审美心理学的角度阐释:“我们都有一种自然倾向或愿望，要把类似的事物放在同一观点下去解释。这个观点总是由我们最接近的东西来决定的。所以我们总是按照在我们自己身上发生的事件的类比，即按照我们切身经验的类比，去看待在我们身边发生的事件。”“移情说”为艺术教育工作者探寻青少年的动漫审美乐趣提供了绝佳的视角。动漫《ONEPIECE》(又名《海贼王》)是日本漫画家尾田荣一郎的动漫作品。该作品在日本国内掀起了极大的热潮，受到儿童青少年群体甚至成年人的广泛喜爱。在我国，这部风靡十多年的动漫剧更成为伴随“90后”一代成长的主要作品。根据笔者授课班级的反馈情况，《海贼王》在“90后”学生的心目中具有极大的影响力。他们在讨论这部作品时充满欢快、热情甚至激动。他们更在文中写到这部作品如何教会了他们坚持，如何在他们失败时给了他们再出发的勇气，如何告诉他们什么是真正的友谊……一部虚构的故事，却能够成为青少年学生在人生成长阶段的重要精神食粮，谁又能说它不是一部伟大的艺术作品呢?《海贼王》的故事情节虽是虚构的，可它渗透在情节中的勇气、坚持、友谊等品格力量是青少年群体在成长过程中最需要的。学生将发生在自己身上的事件“移情”至海贼王的故事情节中，在被动漫作品感动的同时满足自己心底的情感需要。“一方面主体通过移情赋予对象以生命;另一方面主体又有从客体中观照自我情感的审美需求。”动漫作品在这里所发挥的作用形象而强烈，对学生潜移默化的影响比简单的说教要更加真切和充沛。《海贼王》那一个个也许算不上优美的人物形象，展现的却是对青少年来说无比重要的人文关怀，谁又能说《海贼王》对青少年群体人文素养和审美品格的影响会小于伟大的艺术作品《蒙娜丽莎》呢?基于这样的现实状况，艺术教育工作者更应该主动将优秀动漫作品作为教学载体，通过对相关作品的解读，引导学生更好地理解作品，剖析自己的内心世界，并使学生感受到与其日常生活审美经验相对接的审美体验，帮助学生树立正确的审美观。
二、从接受美学的角度分析动漫艺术应作为公共艺术教育的审美对象
接受美学为将动漫艺术作为艺术教学载体提供了很好的理论依据。“接受美学的出发点或原则性立场是，读者(接受者)不是被动的，而是主动的，他在文本含义生成时扮演主动角色，并对作品的历史生命具有决定性影响。”一件艺术作品，如果缺乏了接受者的主动参与，并不被接受者从心底感受和认知，其审美功能毫无疑问会大打折扣。从此角度来看，日本动漫大师宫崎骏无疑是被接受度最高的一位动漫大师，其作品被人们评价为“将动画艺术上升到了人文的高度”。他的作品内容大多涉及人类与自然之间的关系、和平主义及女权运动等宏达的叙事主体，所采取的表达方式是将唯美的二维绘画艺术、天马行空的梦幻世界、离奇的童话故事和温情的人类情感相结合的动画叙事手法。其作品在广大青少年群体以及有着纯净心灵需求的成年人心里产生了巨大的震撼。《风之谷》中人类的暴行对于自然生灵残酷的伤害和最终自食其果的画面，让观者无不为之动容;《龙猫》中那憨态可掬的龙猫形象以及与小姐妹和母亲之间的点点温情更让人重温了童年时光;《千与千寻》中千寻的坚持和自我成长启发了无数少年在成长之路中自我探寻……从1984年创作成名作《风之谷》一路走来，宫崎骏用其动画人的坚守、人文者的思想力和艺术家的表现力，为广大观众创作出了一部部动画经典杰作。正如1922年法国影评家埃利•福尔满含感情所预言的:“终有一天动画片会具有纵深感，造型高超，色彩有层次……会有德拉克洛瓦的心灵、鲁本斯的魅力、戈雅的激情、米开朗基罗的活力。一种视觉交响乐，较之最伟大的音乐家创作的有声交响乐更为令人激动。”宫崎骏在创造一个个票房奇迹的同时，无疑也实现了这一预言。他用他的作品启发了一代代青少年思索人类与自然的命运，体味友情、亲情以及青涩的爱情，理解成长与坚持;他也用其作品精致优美的画风以及天马行空的想象让我们感受到了那一个个细节的美感存在和创想创意的魔幻之境。奥尔德里奇说:“将客观事物分成两种:物质对象和审美对象，同一事物能否成为审美对象关键在于这一事物本身所具有的特性。事物的这些基本特性决定着知觉的主体采取何种知觉方式(观察的方式还是领悟的方式)。如果事物的基本特性引起主体对它采取领悟的方式，那么该事物就将作为审美对象而存在，反之，观察方式下对应的就是物质存在。”被人们广为传颂、激发了一代代青少年的宫崎骏动画带给了人们太多感悟和赞叹，完全符合审美对象的特质。而且其作品广泛的接受度，为激发学生审美兴趣和深入解读作品的审美情趣打下了坚实的基础。
三、将动漫艺术作为公共艺术课程教学载体具有积极的社会学意义
1.产业发展基础坚实，本土品牌优势突显。
河南文化产业自2003年发展起步，2006年已成为河南经济发展新的增长点，实现增加值已超过四百亿，增长17.1%，跻身于全国第九位。文化产业从业人员124多万，增长5.5%，占全部从业人员的2.2%。河南文化资源的标志性符号“少林寺”已超越国界，成为河南文化的国际化名片；从《梨园春》到《武林风》，都足以见证了河南两大传统文化———“豫剧”和“武术”的振兴及发展。郑州乃至河南品牌在向国内外宣传自身文化的同时，也带动了社会文化经济的大发展，进一步提升了国际影响力。同时，历时8年发展的民营动漫企业———河南的小樱桃公司，现也成为知名的中国动漫品牌之一。
2.发展布局初步形成，产业基地建设落实。
自2007年郑州市金水区政府制定出台《创意产业发展规划》，设立创意产业发展基金，为创意型企业的初期发展提供融资支持；到首家信息创意产业园落户郑州市惠济区，一个专门致力于推动创意产业发展的民间协会———河南省创意产业协会于2008年5月16日在郑州成立；到2009年3月15日郑州市动漫产业基地在郑州信息创意产业园挂牌设立，两年后申报成为国家级动漫产业基地，有7家国内外动漫公司入驻；再到经国家新闻出版总署批准的（一期总投资8亿元，规划用地87亩，总建筑面积18万平方米）国家动漫产业发展基地（河南基地），于2010年3月30日在郑州高新区奠基成立，标志着河南文化创意产业从此结束了从小到大、由散弱变集强的发展历史，开始步入可持续发展的快车道。因此，2010年成为行业发展史上具有里程碑意义的坐标，预计国家动漫产业发展基地（河南基地）项目建成后，每年可生产5万分钟动画片，年产值将超30亿元，将成为集动画、漫画、游戏研发、动漫媒体运营、动漫公共技术服务、动漫产业化开发和动漫教育为一体的动漫创意产业集聚区。
3.三维动漫企业汇聚，产业发展成效显著。
目前，国家动漫产业发展基地的起步区是863软件园，该园现已有68家动漫企业入驻，占全省动漫企业总量的80%，从业人员高达2000余人，使郑州动漫产业区成为中部地区最大的动漫产业集聚区之一，主要包括发展漫画、动画、数字多媒体、游戏、衍生品在内的动漫创意产业。众多入住基地的企业正在得到快速发展，随着企业数量的不断增加，基地内出品的动漫产量持续提高，其中三维动画创业产业、动画片年产量分别居中部第一和全国第九；4部动画片被评为国产优秀动画片，居全国第八；并先后有《少林海宝》、《小樱桃》、《代号12348》等7部动画片登陆央视首播。动漫基地聚集着一群怀揣梦想、富有创意激情和智慧的年轻创业者，更容易撞出创新理想的火花和文化创意的优秀作品。诸如，小樱桃、番西茄、二兔等众多知名动漫形象已从基地走向了公众；由河南麦草动漫科技有限公司原创的动漫形象二兔，已被媒体界誉为“中国第一个手机动漫明星”；正在全力筹建中的小樱桃少儿动漫频道，2013年的动画片产量突破1万分钟；在揭晓的全省精神文明建设五个一工程奖获奖名单中，国家动漫产业发展基地（河南基地）占获奖动画片的80%；由一报两刊组成的动漫媒体矩阵已形成，其中《动漫报》作为全球中文动漫第一报，填补了我国没有专业动漫报纸的空白，中国动漫明星第一刊《小樱桃》以及中国漫画第一刊《漫画月刊》发行量也不断攀升。同时，产业基地在郑州市及高新区政府相继推出一系列扶持和优惠政策的激励下，相继涌现出一批效益业绩好、拥有自主知识产权的优秀动漫企业，有着河南本土文化特色的一些原创动漫产品也正在打入国际市场。
二、影响发展的主要问题与建议
本文在对河南地域尤其是郑州进行文化创意产业调研的基础上，分析总结出主要影响发展的三大问题，并借鉴国内先进省市的经验，提出了有关的对策与建议。
1.影响发展的主要问题。
（1）产业化观念较落后，结构设计不合理。相关领导部门或组织机构对发展艺术创意产业的重要性、紧迫性认识不足，缺乏清醒的产业化发展观念。只看其事业属性，而不看产业属性；只重视硬环境建设，而忽视软环境创建。从产业基地或园区的发展历史看，缺乏总体发展规划的产业布局设计，导致产业资源分散，几个较早投资建设的产业园区形不成合力，许多艺术文化创意资源闲置或得不到有效利用；集约化发展度不高，致使“小、散、弱”现象凸显。（2）集约化发展度不高，产业整体实力不强。目前，传统的艺术创意仍然是产业发展的主要趋势，而发展具有活力和广阔前景的现代创意产业，才是未来产业的发展大趋势。由于集约化发展度不高，企业间的互补性不强，且企业整体实力不强等原因的存在，很难形成在全国知名的企业。如何由数量规模型向质量效益型转变，是中原动漫人必须解决的问题。（3）产业体制改革相对滞后，人才队伍建设比较薄弱。由于政府职能转变还不到位，对产业园区企业的管理多，而相对服务少；另一方面，企业内部的创新机制不够，盈利模式单一，同时受技术、资金、人才等方面的限制，整体上发展速度较慢。尤其是在三维动漫人才培养和专业技术队伍建设更为薄弱，动漫创意精英团队匮乏，更缺少既擅长技术与管理又懂艺术的产业领军人物，导致企业综合竞争力较差，知名度更小，产业发展只能在探索中求解，在创新中前行。
2.产业发展的对策与建议。
（1）研究产业发展政策，拓宽投融资渠道。要更加深入研究三维动漫艺术创意产业特征，政府应对高新技术企业和产业发展的政策进行不断修订和完善，统筹政府资金，加大支持力度，并将其自身具有研发创新、信息服务等功能特点的三维动漫艺术创意产业，纳入政府政策扶持的范畴；进一步使三维动漫艺术创意产业的融资机制得以完善，政府要积极支持和引导担保机构为中小型三维动漫艺术创意产业提供融资担保，鼓励金融机构对知识产权进行质押业务试点。同时，还可以通过引导基金的杠杆作用，吸引国内外资金和企业，投资三维动漫艺术创意产业。（2）强化知识产权保护，提业发展保障。对于文化创意企业来说，企业的第一大收入、核心资产、产业生存与发展的关键就是知识产权。构建良好的法律环境，对原创性艺术创意产品的保护和认可，承认和尊重个体创造力的价值变得尤为重要。创意只有在获得知识产权后，才有可能形成产业。因此，强化知识产权的法律与维权意识，是艺术创意企业的立业基础和推动产业发展的保障。（3）加大资源整合力度，培育优势产业知名品牌。以郑州国家三维动漫艺术创意产业基地为中心，实现布局规模化、合作协作化、产业集约化发展。资源整合力度要进一步加大，产业关联资源要有效开发，资源利用率要提高效率，才得以实现资源优势向产业优势的转变。三维动漫艺术创意产业链上的关联和配套产业要大力发展，使得衍生产品的效益和规模得以扩大，真正使其成为三维动漫艺术创意产业的高地。为促进网络音乐、网络电影、网络动漫、网络游戏、网络出版物等产业的快速发展，并形成以三维动漫艺术创意为内容的产业。要实施重点企业重点项目带动战略，加强三维动漫艺术创意产业重点项目和配套设施建设，提高企业的自主创新能力，培育优势产业的知名品牌。要树立品牌意识，着力打造三维动漫艺术创意产业的文化品牌。充分挖掘品牌市场价值，开发衍生产品，形成产业链条，增强核心竞争力。重点要对一批市场前景好、投资回报率高的三维动漫艺术创意产业项目给予扶持培育，抓好一批辐射能力强、带动作用大的大型动漫艺术创意产业化项目，以推动创意产业园区的动漫产业快速发展。（4）实施集约化战略，培育动漫产业集群。发展新兴的三维动漫艺术创意产业，除培育动漫艺术创意重点企业，发挥辐射带动作用外，还应实施集约化发展战略，按照市场经济规律，通过兼并、联合、重组等方式，提升产业化和市场化规模，增强综合竞争力；并引导企业建立起长效的合作机制，向集群化方向发展，形成以大型艺术创意企业或集团为龙头、以骨干企业为支撑、以中小型企业为基础的产业发展体系。同时，充分利用郑州的区位和资源优势，着力构建以郑州国家动漫产业园为中心的863动漫软件园区，实现各展所长、优势互补、竞相发展的产业集群，形成特色鲜明的区域性动漫产业基地。（5）建立完善产业市场体系，引导与扩大信息消费。人才、资金、信息服务和技术等产业市场要素要进行统筹规划，加紧对咨询、培训、展览、版权等艺术创意产业服务市场的完善，着重发展动漫人物艺术品、印刷品、动漫工艺品、电子产品等艺术产品的市场，建立完善艺术产品的现代市场营销系统，提升创意艺术产品的流通和信息消费领域的信息化水平。大力发展、咨询、产权交易等市场中介机构，为三维动漫创意艺术产品提供良好的社会化、专业化服务。发挥区位优势，构建统一、竞争、开放、有序的现代艺术创意市场体系，对动漫创意消费意识要大力培育，引导和扩大民众的信息消费。（6）培养和引进各类高端人才，推动创意产业发展。建立和完善人才培养与引进、选拔和管理机制，推进人才队伍建设。除招纳一批具有现代管理知识、熟悉国内外市场、具有艺术创新能力的管理人才，充实艺术创意产业团队外，还要把一批综合素质好、组织能力强、业务技术精，又会经营管理的优秀人才，培养打造成为动漫艺术创意产业的领军人物。建立在校培养、实地培训和单位选培与开放引进相结合的人才队伍建设模式，全力支持社会培训机构开展艺术创意类培训，鼓励高校建立与三维动漫艺术创意相关专业；通过各种公共服务体系和激励政策，创造出良好的生活、工作环境和发挥聪颖才智的人文环境，为吸纳三维动漫艺术创意人才营造便利的条件，从而得以推动创意产业的发展。
三、结语
审美意识作为人类一种历史发展的产物，它有历史继承性的一面，人类生活具有某些共同的生理、心理基础和审美需要，不同民族之间是既有差异存在着互相影响、互相渗透的因素，而在人的艺术思维中还存在一种直观的相似性，它决定了艺术形式的审美相似律，这种相似律的心理基础即审美的集体表象，因此人类的审美活动在广义上是具有共通性的。在动漫艺术的创作过程中，创作主体的内心体验在外化为艺术世界的时候必须要遵循人类情感活动和审美意识中某些既定的基本规律。在动漫创作时遵循的审美共识应该说是一种相对性、沟通性的共识，是一种跨文化、开放性、变化着的审美表达方式。在动漫的创作过程中创作者应首先关注的问题是:创作出来的视觉形象人们是否会喜爱?是否符合人类的情感需求?是否能满足大众的审美共识?要做到这几点，就需要创作者平时丰厚的积累与储备，通过细致入微的观察、深刻的生命体验、特殊的敏锐性和洞察力，感受人们相同或不同的喜好，以及不同文化背景的人们共同追求的情感、理想等，并能不断进行总结和归纳，这样才能准确地对动画形象定位和选择，使其具有真实感和吸引力，打破国家和民族界限得到全世界人民的喜爱。动画片《功夫熊猫》虽然是一部美国动画电影，但它是以世界人民都熟知并热爱的中国功夫以及中国国宝“熊猫”为主题进行的创作。该片以中国古代社会为背景，讲述了一只笨拙的熊猫立志并通过自己的勤奋努力成为了武林高手的故事。影片的主角———阿宝，是以人们熟悉知晓并深入人心的中国国宝“熊猫”为创作原型，其动漫角色塑造得十分可爱、善良、憨厚，深得广大观众的喜爱，胖而笨拙的身体，不够灵活的身姿，有些胆小、有些怯懦但有颗勇敢追随梦想的心。片中另一个重要的角色———反面人物“雪豹大龙”，它有贪婪的野心、黑暗的本性，为了让这一动画形象满足观众心目中对反面人物的整体印象，在角色塑造上特意加进了许多日常反面人物惯常的形象特征，如倒立的八字眉、凶恶的眼神、邪恶的心灵等等，使这一动画形象十分阴险狡诈又诡计多端，与现实生活中人们对反面人物形象认识的基本特征相吻合，与熊猫阿宝这种被国际公认的可爱形象形成了强烈的对比，使得大众的审美情感有所依托，得到释放，进而对片中的动画角色认同并产生喜爱。该片为美国梦工厂动画出品，对于该片的思想内涵和审美意境，正如导演JohnStevenson强调的:“他们的艺术创作是想带出‘每个人都可以成为自己的英雄’的正面信息，希望透过熊猫阿宝鼓励大家，只要努力坚持梦想，一定会成功。”这种积极向上、乐观拼搏的精神应该是在全世界范围内都能得到人们认同和赞许的。同时，电影亦透过阿宝与师父的师徒关系传达出中国传统文化中“尊师重道”的优良传统。又如中国20世纪60年代经典动画片《大闹天宫》，改编自神话故事《西游记》，吸取了中国传统绘画、戏曲表演等艺术特点，以民乐伴奏，采用京剧锣鼓打击乐增强效果，具有鲜明的民族风格。片中刻画出孙悟空不畏强权、反抗压迫的叛逆性格，机智勇敢、聪明活泼的个性特征，代表了中华民族坚强不屈的斗争精神，将民族风格中追求自由独立的精髓体现得淋漓尽致。同时也塑造了各具特色的反面人物:貌似端庄却心藏杀机的玉皇大帝，口蜜腹剑的太白金星，骄傲自大的巨灵神等等。通过这些性格鲜明的正、反面人物形象相互映衬，使得具有反抗精神又可爱可亲的孙悟空形象赢得了广大观众的喜爱。还有由林文肖导演的国产动画片《雪孩子》，片中所展现的美好纯洁的快乐，细腻真挚的感情，以及雪孩子牺牲自己救助他人的高尚情操，在告诫观众做人的基本道理之外，更体现了中华民族乃至全人类最美好的道德品质。从这些具有审美价值的动画片中我们可看出，在动漫艺术创作中遵循一些人类的审美共识、符合既定的被大众所认可的方式方法是创作动漫艺术作品最好的途径，而不能背离现实生活的一些传统审美意识去进行创作。
二利用审美差异进行动漫创作以突出民族特色
在现代动漫创作中遵循人类所共有的审美相似律的创作方式和原则是必要的，但我们也应该鼓励创作者艺术形式的独特性和艺术语言的多样性，因为人既是社会整体的一份子又是一个个体的生命存在。在审美活动中，审美感受既受审美主体个性差异的影响，又受审美主体所处时代、民族、阶级等社会条件的制约。所以，审美差异不仅有个性差异，还具有时代的、民族的、阶级的特性，一个国家、民族受到相同文化的影响，必然在审美活动中表现出某些共同因素，而这些因素对于其他民族来说，就构成了鲜明的民族特色。许多优秀的动画家都会将本民族独具特色的审美文化和特征融入到自己的动漫作品中，以构成自己作品的独特价值，如日本著名的动漫大师宫崎骏等。当然我们也不能一味地追求突出个性，因为民族与民族之间也是既有差异也存在着互相影响、互相渗透的因素，还是必须站在共识性的审美角度并结合具有自身情感特征的构思，使动漫作品既不陷入俗世既定的框架，又能实现人人心中预想的最美境界;既能遵循人类所相似的审美共识，又要在此基础上寻找到不同的组合、新的排列。对于中国动漫创作者而言，怎样才能创作出具有中国特色的动漫作品?这应该是当代中国动漫界正在深入思考和探讨的问题。在这里我们不得不老生重谈中国早期的动画作品，其中有许多经典是都值得我们今天再去认真推敲和研究的，如中国的水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》、《牧笛》、《山水情》，剪纸动画片《猪八戒吃西瓜》、《火童》、《金色的海螺》，皮影动画片《张飞审瓜》、《东郭先生和狼》，木偶动画片《孔雀公主》、《阿凡提的故事》、《崂山道士》等等，这些将中国传统艺术巧妙融入的动画片，以鲜明的个性和民族特色获得了世界的赞誉。其中水墨山水动画片《山水情》可以说是中国式动画的典范之作，其将中国传统山水画引入动画创作中，使平面的水墨形象“动”了起来，而整部作品更是充满了中国式的隐喻，将中国诗画般的意境融入到动画片中，充满了中国传统的古典美学意蕴特征。与一般的动画片不同，该水墨动画没有轮廓线，利用水和墨在画面中自然渲染开来，一个个不同的场景就是一幅幅优美的水墨画，没有对白，却有丰富的叶笛声、琴声、水声、风声、动物声来配衬各种场景。该片将中国道家思想的精髓———道法“自然”和禅宗“明心见性”的灵感综合融入，体现了中国传统山水画虚实相生的美学意境，将师徒情、山水情、自然情以最中国的艺术方式表现出来，其诗一样的气质、幽远清淡的画面达到了中国美学追求的最高境界———天人合一。这部动画片将中国绘画的水墨技巧发挥到了极至，其画面之精美与故事内含的哲理无不使人折服，向全世界展现了中国特色的美，以至于如今人们仍津津乐道，以此为骄傲。而由上海美术电影制片厂制作完成的动画片《天书奇谭》，影片的叙事结构秉承了中国文学和戏剧的叙事传统，在人物造型、场景设计等方面充分运用许多民族的东西，中国味十足的美术设计在这部动画片里达到了顶峰，充分借鉴了中国工笔重彩画、敦煌壁画、戏曲脸谱、戏曲舞台服饰、民间年画等多种传统艺术特色，无论是浓墨重彩或是轻描淡写都与影片的风格配合得天衣无缝，内容和形式别具特色，是一部集艺术性和观赏性于一体的动画佳作。当然今天的动漫创作不能完全重复和默写这些路径，但在进行动漫创作时将中国特色的气韵生动、写意韵致作为作品的美学追求和审美境界，从中国传统文化中吸取精华养分，再经过审美艺术的创作与处理，构思创作出不同于他国的、新颖的动画形象和动人的故事情节，创造出具有中国特色的动漫艺术作品，应该是今天中国动漫创作者们需要去不断尝试和探索的。
三、结语
涂鸦艺术特殊的艺术语言
涂鸦艺术因其特有的表现手法和艺术语言而具备强烈的视觉冲击力和情感张力。其一，涂鸦艺术作品通常造型夸张简洁、色彩明亮、对比强烈。随意的线条与线条之间有很强的张力。作品个性十足，画面力量强大。比如，最具代表性的涂鸦艺术家——英国涂鸦艺术家班克斯（Banksy）喜欢以动物形象为创作题材，如大象、猴子、老鼠等。其二，涂鸦艺术的创造力源自艺术家对生活的感触，作品往往带有批判性寓意。班克斯的许多作品都以反战为主题（图1），具有强烈的政治讽刺意味，痛斥时弊。正如他自己所言：墙是个很大的武器，它是你可以拿来打击触动某人的、最下流的武器之一。其三，涂鸦艺术具有广泛的大众参与性，并且不存在艺术创作的规范。涂鸦艺术没有刻意追求艺术审美，创作自由、即兴。很多涂鸦艺术家并不是科班出身，正因为如此，每一幅作品都体现了涂鸦艺术家的个性特点，并能用最直白的方式表达创作者内心的情感。其四，涂鸦艺术作品创作于街头，表现媒介和手法多样，甚至带有一些表演艺术的性质。这种偶发的灵感往往使涂鸦作品能够超越传统媒介作品。比如博桑科（MichaelBosanko）的“WeComeinPeace”系列光涂鸦作品，光产生的线条和周围环境能够形成精彩纷呈的相互作用，有趣而绚美。
涂鸦艺术在动画创作中的运用探讨
艺术表现就是要追求一种陌生感。所有的艺术形式一定要有一种陌生感，这是人的一种心理需求。动画从其诞生之日起便显示出了其他传统艺术形式无法比拟的优越性，人们的普遍心理是寻求生活中无法存在而艺术却能表达的东西，动画艺术恰好迎合了人们的这种需求，这就是动画艺术形式的本身魅力所在。动画从剧本到角色造型都一定是夸张的，是比现实生活更美的。一部好的动画作品是将文学、音乐、美术用抽象方式融合在一起的、最完美的艺术。动画艺术的灵魂是人性的表现，但是动画有它自己的特点，动画的形式更自由，它可以随心所欲，动画更容易表现人的内心世界，让人得到心理满足。
②就是说，动画创作与涂鸦创作存在着共同的特征，这是动画与涂鸦艺术创作相通的地方。将涂鸦的创作融合到动画创作中，这样的动画作品会让人感觉它就是城市生活实实在在的一部分，有些会让人会心一笑，有些则会让人思绪万千。这也正是一部好的动画作品真正要传达的东西。好的动画作为好的艺术作品，最重要的是它的灵魂。涂鸦的不同艺术形式定会为动画创作开辟新的思路。在创作媒介上，可以说涂鸦的创作媒介无所不在，如一堵破败的墙壁、街头一幅宣传广告招贴、产品的包装盒、公路地面等。涂鸦艺术被创作于本身就带有交流性的公共空间，在这样的一个空间里涂鸦与其他的视觉元素相互融合便可产生比图案本身更多的关联性信息。在这样一种语境下，那些看似孤立无意义的图像便显现出强大的力量。涂鸦艺术在表现形式上有随意、放肆的味道，线条尖刻有力，如行云流水般一气呵成。
线条与线条之间充满强大的张力，造型语言夸张简洁，色彩对比强烈。涂鸦艺术不刻意追求艺术审美性，只是用一种最直接的方式表达创作者内心的情感，给人畅快淋漓的感觉。涂鸦艺术给人的视觉感受与传统艺术也是不同的，涂鸦艺术没有规范，没有任何创作原则的束缚，画面具有张力，没有任何逻辑可言，每一幅作品都充分体现了涂鸦艺术家自身强烈的个性特点。而这些都是动画创作可以借鉴的，因此将涂鸦艺术用于动画创作，定会对动画创作产生推动作用。
《迷墙》（PinkFloydTheWall）是由艾伦•帕克导演的一部电影，电影中有很多动画场景，那些带有涂鸦性质的动画形象，如雄鹰、铁锤、十字架以及两朵娇艳欲滴的花，无不让人印象深刻。电影中的动画场景创作手法十分类似涂鸦，具有简洁夸张的造型、跳动性极强的画面（图2）、震撼的摇滚乐，整部作品没有运用传统的叙事手段，而运用随意自由的创作手法，故事情节没有逻辑。其中反战情节的动画场景（图3）运用了涂鸦创作中直白的反战语言，让人不禁联想到涂鸦大师班克斯的反战题材作品。毫无修饰的血腥画面犀利地表现出战争对人性的摧残。动画效果对这部影片思想的传达起了关键的作用。战争的破坏性、人性的善恶、精神的摧残，完美地体现了美与丑、神圣与肮脏。这部上映于1982年的作品，每一个画面都传达着导演内心的情感，作品有强烈的感染力。
涂鸦艺术在发展过程中延续了波普艺术，已经渐渐成为波普艺术最重要的一个阵地。《黄色潜水艇》（YellowSubmarine）是导演乔治•杜宁1968年的作品，该作品结合了披头士的音乐和波普视觉艺术，其中大量的色彩语言是对涂鸦艺术在动画创作中应用的一次肯定。画面中鲜明的色彩对比、大量的纯色运用、造型上的夸张处理手法（图4）也体现了涂鸦创作的特点。看似荒诞的人物形象，符合披头士成员当时偏爱的超自然冥想主张。动画中也用到了光影涂鸦的手法（图5），增强了作品的玄幻色彩。镜头中头像色彩变换采用了涂鸦创作中纸模涂鸦的处理手法。涂鸦手法在动画中的运用使作品塑造了饱满的人物形象，将爱与和平的主题诠释得非常完美。
涂鸦艺术手法对动画创作的价值及启示意义
三维动画与电影
CG技术的运用给观众带来了全新的视觉冲击力，而三维动画的运用为动画电影揭开了新的篇章。随着时代的进步，科技的发展，1991年詹姆斯•卡梅隆拍摄的《终结者2》成功塑造了首个全三维数字角色，并将真人演出的影像与3D数码动画完美结合，这也使得三维数字人物角色的造型更像真人，并有层次感。工业光魔影像特技制作工作室成功地为影片制作了令人难忘的特技效果，并获得当年奥斯卡最佳视觉效果奖，这也使CG技术发展到了一个新的里程碑。
从此，三维动画ComputerGeneratedImagery(即CGI)越来越多的运用到各种类型的影片中，为创造完美的虚拟世界奠定了基础。
2001年，由彼得•杰克逊执导的影片《指环王1》隆重上映。片中的特效主要由WetaDigital工作室担任，其中的CGI影像留给人们完美的感觉，该片中的万人战斗场面给观众巨大的震撼力。CGI与微缩模型的结合，让人分辨不出动画和真实场景，再一次体现了数字技术的强大实力。片中运用了一种智能化的软件，在演绎双方作战时，每个数字形象都会自动寻找对手，甚至还能做到打不赢就逃跑的场面。该片也获得了2002年度的奥斯卡最佳视觉效果奖。
3D特效与电影
“不怕做不到，就怕想不到”。2009年由卡梅隆导演的《阿凡达》上映了，这部耗时12年制作的科幻大片掀起了电影历史上的第四次技术革命，预示着3D特效时代的来临，也象征着真人与动画技术结合的再次创新，使电影更具魅力。这部耗资5亿美元，迄今为止史上最昂贵的影片，很大部分投入都花在了技术上。卡梅隆团队自主研发的3D摄影系统，将3D特效再次推上一个新的境界。WetaDigital工作室运用为《阿凡达》研发并首次运用的特效技术—“携带式动作撷取设备”，用CG特技制作出了潘多拉星球的土著人—10英尺高的蓝色类人生物Na’vi族人，并与真人结合，逼真的诠释了人类为了自身的利益，掠夺潘多拉星球的矿产，与当地Na’vi族人大战的场景。该片创下了27亿美元的票房神话，并获得了当年奥斯卡最佳视觉效果奖。
2011年8月由导演鲁伯特•瓦耶特携手WetaDigital工作室倾力打造的好莱坞又一部科幻巨制《猩球崛起》上映了。从上映至今，依然保持了如潮的好评和强劲的票房。
WetaDigital工作室再次运用“携带式动作撷取设备”，用CG电脑动画制作出了一个个栩栩如生的猩猩，逼真的诠释了一场人类与猩猩的惊天动地的大战。“携带式动作撷取设备”采用了动作捕捉技术，将演员表演时在空间所产生的数据，转换成数据模型，以之为骨架，在上面填上2D或3D角色的“血肉”，最终合成银幕上活灵活现的角色。
文化是人类精神的传承，决定着人的价值观和生活模式。从社会层面看，文化包括以下4个方面:主导文化、高雅文化、大众文化、民间文化。艺术的媒介化使得越来越多的大众文化产品进入到人们的日常生活中，其中大众文化已经成为文化的主流。动漫作为一种大众文化形式，它不仅具有娱乐的功能，同时还给亿万观众以思辨的启蒙、想象的启发和美感的教化，有些甚至可以改变人的生活。心理学家的一项调查显示，在人们接受的外界信息中，83%以上是通过眼睛获取，11%借助于听觉，3.5%依赖于触觉，其余的则源于味觉和嗅觉，视觉获取信息的形式是我们日常生活中信息的主要来源。动漫产业就是一个最具代表性的例子，动漫内容、动漫衍生产品对人们的感官起到全方位的刺激，这使得动漫具有强大的影响力，从事有关动漫衍生产品方面的研究就显得更有必要。当代文化艺术又以强烈的时代特征展示着其灿烂的多元化，当代文化艺术不仅自身具有无可媲美的成就，同时也在滋润着动漫文化产业的发展，它为动漫产业提供新鲜的血液和创作的源泉，其文化的价值也从动漫产业中得以体现。动漫衍生产品的价值是由衍生产品的使用价值和动漫形象的“符号价值”共同构成，两种价值结合产生了促进的作用。如动漫人士金城所说，“动漫是个商业和文化结合的产业，两者缺一不可。”动漫又是一个以内容为王的行业，内容决定形象的生命力，一个以优秀动漫形象为前提的衍生产品将创造出超乎想象的价值。米老鼠和史努比两个动画形象衍生的关联产品在全球范围内的收益每年都超过500亿美元。调查表明，中国卡通业市场效益排在前五位的无一不是“洋玩意儿”:史努比、米老鼠、Kitty猫、皮卡丘、机器猫。中国市场中的卡通动漫形象欧美、日本占据了80%的份额，而国产份额却占不到10%，产值从侧面反映了动漫的传播广度和宽度。中国动画没有创造出世界范围内有影响的动画形象，这个问题的存在不是中国没有成功的动画形象，而是中国的早期经典的动画形象依然躲在屏幕后方。曾有记者采访一些年轻人，问他们为什么不买中国的传统动漫形象衍生产品，被采访的很多人认为他们想买，但市面上却不见得有卖的。这就说明我们忽略了已经在大众心目中产生极为广大影响的动漫形象的产品价值，让拥有深刻历史积淀的齐天大圣、哪吒等国产动漫形象失去了应有的价值。而这些形象又很好地承载着中国传统文化的精髓。承接传统文化，并依附当代文化，它们为动漫产业，特别是动漫产业中具有附加值的动漫衍生品提供了成熟的社会认同和消费市场环境。我们需要的是孵化，从文化艺术到动漫产业的成果，从动漫产业链的实体部分找出原因，使本土文化得以通过动漫形式获得更好的认同和推广。
二、国产动漫衍生产品开发中的问题和对文化传播的影响
(一)建立动漫衍生品的品牌意义
动漫作品中塑造的动漫形象是衍生产品开发的源头。从中国动漫出现至今，深入中国人心中的动漫形象是有的。良好的品牌意识需要对动漫形象进行长期的培育。李中秋称，“原来国产的动漫一直都是由国家来做，政府投资，全国性的制作。如《大闹天空》这样的精品，其美术设计由当时中央美院的院长张光宇担任，不可谓不精良。但就是缺乏市场化的环境和手段去运作。”这就是为什么深入人心的动漫形象却没能实实在在地走入人们的生活。品牌意识的建立是动漫衍生产品的重要环节，缺少商业的认同，必然造成动漫明星的冷藏。中国大量的动漫企业每年都在为国外的大制作动画片代工，中国是目前全世界玩具生产大国之一，但面对我国动漫产业的现状，如何有效地利用现有资源，培养本土文化动漫形象，积极运作以动漫形象为衍生品的消费市场，这需要的是系统的规划和对消费市场的培育。确立自身品牌意识，以市场化运作经营动漫相关产品，这是国产动漫发展的必然之路之一。
(二)加强版权保护意识
2001年中国加入WTO之前，国内的创意产业品牌意识模糊，在触及版权问题后，全国范围内展开了版权问题的教育。中国的盗版是让所有创新行业人士头疼的问题，但如果辩证分析它，盗版又扮演了多面角色:一方面盗版占据了原创者的市场份额;另一方面盗版迅速提高了产品的知名度。就像广州原创动力负责人在市面上看到许多连他们都还没有意识到要开发的产品上印有自己产品图案的商品时，他们既生气又有丝丝开心，生气是因为侵犯了其公司的版权，欣喜的是他们发现其产品如此受消费者的欢迎。在这种矛盾下，他们并没有完全单纯地打击盗版，而是顺其自然地发展，将喜洋洋与灰太狼动漫形象授权给盗版商，很好地解决了盗版与版权之间的问题，同时为市场的良性发展提供了借鉴。当代文化艺术是一个硕大的资源宝库，我们应该合理利用，而不是贪婪破坏。
(三)探索中国动漫产业链发展
伴随着政府的政策鼓励，动漫企业得到了长足的发展，但急功近利的行为却成为中国动漫公司发展的普遍现象。但“利润最大化”观念并不适合衍生产品的开发路线，动漫衍生产品开发是一种长线开发，必须伴随着有生命有文化的动漫形象生存。“目前国内动漫行业对动漫的认识普遍处在初级阶段，市场投资非常盲目。”金城指出，部分动漫公司管理层在缺乏前期市场调研、缺乏创意投入和策划的条件下，盲目且过渡看重作为动漫产业后期的衍生品开发。动漫产业的运转如同一个有序链条，一环紧扣一环，各个单元组合成了一个合理、完整的产业链。以日本动漫有整套产业模式来看，其基础是漫画，依附漫画原创作品推出传统平面刊物，再接下来，将动漫作品搬上荧幕甚至是屏幕，最后是动漫衍生产品推出以及品牌授权和服务。中国动漫企业很多没有按照日本动漫产业链的有序和合理性布局，产业链环节混乱无序，但对衍生品的开发和授权却急功近利。中国的受众不像日本受众有着全民的漫画情节，如何发展中国的动漫产业链一直是许多专家学者研究的问题，有人称智能手机时代也许会成为中国动漫链形成的一个契机，随着智能手机的普及，动漫产业链将会伴随着移动互联深度发展。
(四)提高衍生产品质量，维护动漫形象权益
衍生产品动漫产业的最后一环，如果动漫内容做不好，衍生产品授权基本无人问津。没有衍生产品的后续支持，卡通形象也会昙花一现，伴随着电视播放的结束，一部投资几百万的动画片就销声匿迹了。所以衍生产品与动漫形象相互呼应，相互成长。目前由于中国盗版猖獗，企业发展急功近利，衍生产品的质量大大受到影响，随着大众生活水平的提高，对身边物品都提出了较高的品质要求，粗略的产品不会给受众留有美好的印象，动漫衍生产品亦是如此。我们反观美国的变形金刚，为什么这个形象能存活这么多年，重要的原因是好的内容加精良质量的衍生产品，在优质衍生产品承载下，动漫形象在几十年后依然以极高的身价出现绝非偶然。这个事实说明优良的动漫产品可以延续动漫形象的寿命，动漫形象存在才有文化传播的可能。
三、结束语
一、从接受美学的角度分析
动漫艺术应作为公共艺术教育的审美对象接受美学为将动漫艺术作为艺术教学载体提供了很好的理论依据。“接受美学的出发点或原则性立场是，读者(接受者)不是被动的，而是主动的，他在文本含义生成时扮演主动角色，并对作品的历史生命具有决定性影响。”一件艺术作品，如果缺乏了接受者的主动参与，并不被接受者从心底感受和认知，其审美功能毫无疑问会大打折扣。从此角度来看，日本动漫大师宫崎骏无疑是被接受度最高的一位动漫大师，其作品被人们评价为“将动画艺术上升到了人文的高度”。他的作品内容大多涉及人类与自然之间的关系、和平主义及女权运动等宏达的叙事主体，所采取的表达方式是将唯美的二维绘画艺术、天马行空的梦幻世界、离奇的童话故事和温情的人类情感相结合的动画叙事手法。其作品在广大青少年群体以及有着纯净心灵需求的成年人心里产生了巨大的震撼。《风之谷》中人类的暴行对于自然生灵残酷的伤害和最终自食其果的画面，让观者无不为之动容;《龙猫》中那憨态可掬的龙猫形象以及与小姐妹和母亲之间的点点温情更让人重温了童年时光;《千与千寻》中千寻的坚持和自我成长启发了无数少年在成长之路中自我探寻……从1984年创作成名作《风之谷》一路走来，宫崎骏用其动画人的坚守、人文者的思想力和艺术家的表现力，为广大观众创作出了一部部动画经典杰作。正如1922年法国影评家埃利•福尔满含感情所预言的:“终有一天动画片会具有纵深感，造型高超，色彩有层次……会有德拉克洛瓦的心灵、鲁本斯的魅力、戈雅的激情、米开朗基罗的活力。一种视觉交响乐，较之最伟大的音乐家创作的有声交响乐更为令人激动。”宫崎骏在创造一个个票房奇迹的同时，无疑也实现了这一预言。他用他的作品启发了一代代青少年思索人类与自然的命运，体味友情、亲情以及青涩的爱情，理解成长与坚持;他也用其作品精致优美的画风以及天马行空的想象让我们感受到了那一个个细节的美感存在和创想创意的魔幻之境。奥尔德里奇说:“将客观事物分成两种:物质对象和审美对象，同一事物能否成为审美对象关键在于这一事物本身所具有的特性。事物的这些基本特性决定着知觉的主体采取何种知觉方式(观察的方式还是领悟的方式)。如果事物的基本特性引起主体对它采取领悟的方式，那么该事物就将作为审美对象而存在，反之，观察方式下对应的就是物质存在。”被人们广为传颂、激发了一代代青少年的宫崎骏动画带给了人们太多感悟和赞叹，完全符合审美对象的特质。而且其作品广泛的接受度，为激发学生审美兴趣和深入解读作品的审美情趣打下了坚实的基础。
二、将动漫艺术作为公共艺术课程教学
载体具有积极的社会学意义在讨论将动漫作品作为公共艺术教育载体时，我们就不能不触及一个社会关注的话题，即如何消解动漫作品中低俗存在对广大青少年的不良影响。动漫作品中的低俗存在造成了家长和教育工作者对动漫作品的极度反感，因此，在这样的社会认知下，创作内容低幼化成为中国动漫发展的唯一方向。反过来，中国缺乏适合广大青少年阶层的动漫作品，加剧了青少年对以日本为首的他国动漫作品的热爱，这阻碍了青少年在人生重要成长阶段通过他们喜闻乐见的文化形式了解和学习中国优秀文化，也滋长了低俗动漫通过非正规渠道的大量传播。可见，中国传统教育中的回避和阻碍并不能真正影响青少年阶层对于动漫的热爱，反而会因缺乏正确引导，使青少年因认知不足而接触到不良动漫作品，进而受到不良动漫作品思想的侵蚀。将动漫艺术纳入公共艺术教育载体，和学生一起学习、讨论动漫作品所涉及的文学、美学、心理学、电影学、异国文化等意识形态，让学生透过自己喜爱的动漫作品深入了解和探讨作品背后的人文意义，能帮助他们从浅层次的欣赏上升至高层次的文化艺术体悟。学生只有提升了对动漫作品的审美情趣，才会自动分辨和远离低俗动漫作品，从而形成动漫发展和传播形态的良性循环。由此可见，由于动漫艺术所具备的综合性特征，将动漫艺术作为公共艺术教学载体，实现的将不仅仅是艺术与审美认知的提升和发展，还将通过作品中的艺术性、思想性以及文学性等丰富内涵涵养学生的精神世界。实现这一切的前提是，承认优秀动漫艺术作品作为公共艺术教学载体的合理性和必要性，并在此基础上通过对优秀动漫作品的深入分析研究，不断完善动漫艺术公共课程教学的课程体系，最终实现育人的目的。
作者：金淑芳李志单位：深圳职业技术学院讲师
