时间：2023-09-11 17:25:49
序论：在您撰写公共艺术的基本概念时，参考他人的优秀作品可以开阔视野，小编为您整理的7篇范文，希望这些建议能够激发您的创作热情，引导您走向新的创作高度。
最近台湾一南一北炒热了公共艺术的话题，南边是高雄市驳二艺术特区的停车场内，赫然竖起高12米由6个货柜组合而成的所谓超时空的《箱遇》，设置以来，已经造成大大小小不少事故，进出大型车辆的车体剐伤还不在统计事故之内，引起公众对于设置艺术品与行车公共安全的讨论白热化，呼吁移除的声浪已起；北边是台北捷运设置公共艺术以来，最老的已有17年的历史，许多已经破损不堪，有的一开始就频频故障，有的位置太高或机械的理由难以维护，不少作品长期处于当机状态，真可谓状况百出，不胜枚举，原为增添美观的公共艺术，如今却成为视觉污染或审美障碍，是否要将这些市民已感厌倦的公共艺术作品更换或干脆移除，这几天成为台湾的一个新闻热点。
高雄驳二艺术特区停车场的这件公共艺术作品，用的是几个加起来超过20吨重的货柜所组合起来的巨大装置艺术，然而只有3个支撑点，引起民众对此作品的安全顾虑，而且由于体积十分庞大，进出停车场的游览车，难免和这件艺术品产生摩擦，公安问题显然已经超越了单单艺术欣赏的层面。况且，停车场的功能主要还是供人泊车时用，自从设置公共艺术以来，不乏有游客逐流拍照，形成游客和进出交通车辆产生冲突，甚至险象环生。司机既要闪避行人游客，还要避免碰撞庞大的货柜车装置艺术，实在负担很大，想要欲除之而后快是完全可以理解的。
这使我回想起1989年3月15日著名的雕塑家理查·塞拉（Richard Serra）的《倾斜的拱墙（Tilted Arc）》，经过八年漫长的缠讼，终于被法院判决从纽约曼哈顿下城的联邦广场移除，尽管全世界的艺坛都有人积极申援塞拉，支持艺术的神圣性和独立性，但是放置在开放的公共空间里的艺术品，无论如何都是难以凌驾在公共安全之上的。哪怕当时塞拉甚至搬出了美国宪法所保障的创作自由，当广场周边办公大楼内的职员多数反对这件他们看不懂的作品，抱怨一大块钢板造成巡逻警察视觉死角，而且挡住他们横跨广场的路径时，公众的意见便足以否决了艺术表达的正当性。
至于台北市捷运系统的公共艺术汰换问题，并非是不能解决的难题，只是需要有人愿意担当，作为移除设置的发动者，按照程序进行，仍然有可能达到移除的目的。笔者在上世纪90年代初从美国返回台北定居，适巧碰上台湾的文建会正在研拟设置公共艺术的法案，我当时被遴聘为设置办法的研考委员，全程参与一直到法案诞生，甚至由文建会出版了笔者所著的《公共艺术的方位》，讨论设置公共艺术的许多基本概念和施行方式。在当时委员们就曾对“永久设置”的概念，提出强烈的质疑与顾虑，所以后来立法时，我们研议附加了时间的条款，所以在一定的期间过后，要移除公共艺术，其实是有法可据的。但是，可惜的是，多年来，对于如何移除公共艺术的细则，由谁提出，经过何种审议过程，移除经费的编列等等，都无法规细则可以遵循，才会出现大家对十几年就破旧难看的公共艺术早已厌倦却不知如何是好的问题。
只是公共艺术究竟是为谁而设，它的归属权又究竟是谁，还是需要透过法规来厘清的。台湾推动设置公共艺术多年，如今是负面案例多于正面的结果，实在是值得目前还在大张旗鼓张罗公共艺术的设置者进一步深思，谁的公共艺术为谁这么基本的课题。
以西方艺术为基本模式的当代艺术已经全球化，过去十年世界各地的著名美术馆及重要的大型国际年度展，如威尼斯双年展、卡塞尔文献展以及亚洲的光州三年展、横滨三年展，正在普遍出现一种“高级的平庸”的当代艺术。二十年前，能够达到这种创作水平的艺术家还不是太多，现在每个洲、哪怕是在非洲，都能找出这样一大批艺术家：他们都非常熟悉观念艺术、波普艺术、新媒体艺术、贫穷艺术、新表现主义、抽象艺术的各种语言。近二十年大部分当代艺术的形式都是这些艺术形式的元素组合，看不出有任何创新之处。
当代艺术的产生，其出发点是对前代艺术的价值观和语言形式进行批判。现在大部分当代艺术的批判性已经消失，只剩F越来越“私人化”的自我表达，对社会、政治和公共性的批判越来越少，至多是一种中产阶级的无关痛瘁的讽刺。某种程度上，当代艺术成了一种有“前卫教养”的艺术，但是很难再找到梵高这样有宗教激情的艺术家，波伊斯这样具批判性的知识分子艺术家，或者培根这样有“肮脏”美学的艺术家。现在“肮脏”的美学也成了一种“新唯美主义”。当代艺术近二十年处于停滞状态和“平庸化”，其原因还是在于人类的社会模式及关于人的看法没有根本突破。
社会主义和资本主义的冲突已经告一段落。全球大部分国家采用了在资本主义经济模式上吸收社会主义的福利制度。关于社会模式近二十年没有提出新的观念，其核心是让“资本控制国家”，还是“国家控制资本”。中国也走到了这样一个十字路口，即如何使用资本主义又能控制资本主义，中产阶级社会变成人类的一个理想模式，但中产阶级文化没有变革的活力。
艺术的本质是关于人的基本概念，但人的基本概念在启蒙主义之后没有大的变化。西方社会近二十年对人的“概念”理解主要是在大众文化领域，如好莱坞半人半机器的“生化机械人”、半人半妖的“人魔”，它们并未像从启蒙主义到那样对“人”的解放有新的定义。马修・巴尼的“人魔”，还有《黑客帝国》，都不是社会解放意义上“人”的定义，而是集中在高科技以及人体基因等关于人的技术观念的一些变异特征。
在亚洲，“人”的概念正在走向一种极端虚无主义的、大都市社会的“私人”，如村上春树的小说、荒木经惟的摄影。这种“私文学”、“私摄影”，已经彻底抛弃了启蒙主义以来赋予“个人”的一切特征，比如历史意识、观念、社会责任、他人、知识分子的批判性、乌托邦及其创造性，人们只关心、表现自己亲身经历的事情，注重跟自己亲近过的一切事情。一切抽象的、乌托邦的、社会性的乃至间接的经验都不再被关心。
【关键词】公共艺术；雕塑基础；空间基础
一、传统的雕塑专业
雕塑是传统美术学院下一门主要的艺术形式，其主要是以空间造型为主要手段，创作三维空间中的艺术品。传统的雕塑专业学习是一个漫长的过程，在专业院校中，对于雕塑的学习时间是最长的。一般本科艺术类学习是四年制，而雕塑专业的学习则是五年制。传统雕塑专业的学习是一个漫长而艰苦的过程，其特性决定了我们无法在短时间内掌握和学习，甚至是熟知这门艺术形式。
二、公共艺术的认知
公共艺术作为一个新兴的“词汇”出现在上世纪60年代的美国。美国政府为了推行艺术“百分比”计划，在城市建设中规定百分比的艺术计划，使得公共艺术有了雏形。公共艺术的概念从上世纪末传入我国，2013年教育部正式把公共艺术专业作为二级学科建立。1.公共艺术的基本概念公共艺术、无论在西方还是在都是一个难以说清的概念。在早期的公共艺术研究中，往往是对公有空间的艺术为研究对象，这和公共艺术的诞生有着密切的关系。很多人认为公共艺术就是城市雕塑，是壁画，是空间艺术设计，其实我们是无法将其对等的。公共艺术无法被认知为如雕塑、油画、环境设计这样的独立的一种艺术形式，其实它是多种艺术形式的集合，主要集中在空间之中，根本上是一种观念的建立。因此对公共艺术无论作何种概念解释，我们对其无法否认的一定是存在于空间之中的。2.公共艺术与雕塑雕塑我们说是一种传统的艺术形式，其诞生跟随与人类之初，是人们对空间进行造型的一种艺术形式。其特点在于空间、体量这些都是必须满足于空间之中的，而非绘画艺术一般可存在于私密空间或者个人之中的。因而雕塑的这一特性使得其成为公共艺术的主要艺术表达形式。在公共艺术观念刚刚传入国内的时候，我们对公共艺术的研究很多都集中在对城市雕塑的研究。所以我们说公共艺术和雕塑是一个交叉和包容的关系。
三、《雕塑基础》课程的新角色
公共艺术专业作为新专业的建设，其基础体系的建设对于教学而言也是全新的。雕塑特性使得其作为公共艺术中的一种主要的艺术形式，其对空间的研究和思维是公共艺术基础研究中所必须的。1.《雕塑基础》课程的改革初探《雕塑基础》做为课程设置，在公共艺术专业下，其经历了9周的课时，6周的课时以及现在的5周课时，其课时量的安排在不断的减少。在教学中我们发现，学生的学习积极性很难提高。作为公共艺术专业的学生而非传统雕塑专业的学生，他们进入这一课程之后，对泥塑的认知几乎为零。同时在没有经历较深入造型训练的学生，实质是很难进入到雕塑的空间造型中的。在学科体系的建设与摸索中，我们也发现了这一问题，对《雕塑基础》课程的设置课时数的减少，本身就在于对该课程的重新定义。作为公共艺术专业的《雕塑基础》课程学习不应该是和传统雕塑的学习一致。公共艺术专业的《雕塑基础》课程学习是应该有针对性的，对公共艺术中雕塑这一主要艺术形式认知的一个基础，而非学习雕塑。2.《雕塑基础》课程改革与实施基于对《雕塑基础》课程在公共艺术专业下得重新认知，其作为对一种艺术形式的基础认知，而非技能学习，《雕塑基础》课程的改革得以实施。对于该课程的设计转向了意识培养、审美培养以及基础空间造型培养三个方面。首先针对意识培养。从公共艺术专业的认知中，我们将公共艺术之初的认识更多的置于公有空间之下，还是从观念上理解在公共社会中的公共性艺术，无论从何种概念对公共艺术的理解，公共艺术都将是置于环境之中，而这样的环境可以是一个空间，社区甚至是一个城市。在空间中讨论艺术形式将是公共艺术的主要特征之一。因此《雕塑基础》课程的第一任务即是培养学生对空间的认知理解。其次针对审美培养。审美是每个艺术学生的修养培养，也是一个学生在艺术设计上是否能够有独特性的关键。而审美也有本身的不同之处。在二维平面空间下得审美与三维立体空间下的审美也有着明显的区别。学生在学习之初是很容易混淆这两者的。虽然审美是一个个性与情趣，以及个人综合素质的一个集中体现，三维空间中得审美认知则复杂得多。形式，空间分割以及材料都是三维空间中不可缺少的部分。基础空间造型培养，是根据传统雕塑专业而衍生的培养方向。无论是如何的基础体系培养，在认知和理解的基础之上，能够进行应用才是训练的更本目的。原有的课程泥塑训练分别被替换成了泥塑造型、空间体块造型和材料造型三个部分。泥塑造型是为了让学生能够对传统雕塑这一艺术形式的完整过程有一个基础认知，学生通过两周的泥塑训练，进行泥塑的空间造型，了解和认知传统雕塑如何从概念、图像转换到空间的过程。了解基本方式之后学生将泥塑转换成为空间体块造型。在这个阶段学生可以充分的发挥想象，运用不同的体块和组合方式，对前一阶段的泥塑进行空间重塑，这一过程中，学生能较好的理解空间造型的方法以及空间组合的方式，同时也避免学生在短时间内无法完全进入泥塑这种传统雕塑学习的尴尬。在后一阶段的材料造型的训练中，学生将更加广泛的对空间进行重组，通过应用不同的材料与方法，使得对空间多样性，空间正负的理解更加深刻，对空间的理解得到充分的训练，同时也较深入的理解雕塑空间与公共空间的关系。
四、《雕塑基础》是公共艺术专业的空间基础
关键词：公共艺术 城市公共空间 发展 趋势
一、绪论
城市公共艺术以城市公共空间的文化、社会、环境、生态，美学及功能属性和含义为研究对象，以发展当代社会审美文化和市民公益服务为目标。因此，一座城市中有没有创造性的公共艺术作品和公众参与的艺术探讨与批评的存在，有没有适量的供人们进行文化与审美交流和娱乐休闲的公共场所，已经成为一座城市的品位之优劣的显著标志。
二、关于公共艺术
1.公共艺术的基本概念界定
公共艺术的基本概念，在现今世界各国间尚无统一的定义和诠释。我们从广义的角度，以统筹归纳的方式对公共艺术的基本概念予以扼要的表述：
（1）设立于公共场所，提供并任由社会公众自由介入、参与和观赏的艺术，即直接面对非设定的、不同阶层的社会公众或有针对性地服务于特定地域或特定社区的公众。
（2）艺术作品具有普遍的公共精神――关怀和尊重社会公共利益和情感；标示和反映社会公众意志及精神理想。
（3）艺术建设项目的立项、艺术品的遴选、设立及管理机制具有广泛的公共参与性和代表性，并接受公共舆论的评议和监督。
（4）艺术品公开设立或取消，均应广泛听取社会公众的意见，并由公民授权的公共权力机构及法律制度予以裁决。
2.中国公共艺术的现状及思考
中国当代城市公共艺术似乎属于最容易受到现代艺术及其他流行艺术样式和价值观念影响的艺术之一，传统根基薄弱；另一方面，由于它属于社会公共领域的公共文化建设，势必在起步和模仿阶段更多地处于被强势的西方文化所左右的地位。然而，我们应该认识到，在萌芽和发展状态中的中国城市公共艺术受到国际间公共艺术之样式和观念的影响是必然的，我国的公共艺术发展状况仍处在低下状态，这不是仅指作品的艺术水平，而是包括对公共艺术公共性的理解和阐释，以及作品设立过程中所达到的社会效应等。
三、关于城市公共空间
1.城市公共空间的概念
城市公共空间是指城市或城市群中，在建筑实体之间存在着的开放空间体，是城市居民进行公共交往活动的开放性场所，为大多数人服务。
2.我国城市公共空间建设的现状
我国大规模城市开发过程中，公共空间的发展却未能得到相应的重视，具体表现在：城市旧区既有的公共活动空间，在不断的开发活动中渐渐蚕食；在新开发地区，也因对经济利益的片面追求而把公共活动空间的安排压减至最低限度，或是放在剩余的零碎空间，即便是城市新开发形成的公共活动空间，其环境质量和运行状态，也与公共活动的使用要求相差很多。
四、公共艺术与城市公共空间的发展
1、 政治因素对公共艺术及城市公共空间的影响
政治和社会秩序很大程度上决定了城市的公共空间的存在，现代城市广场可能是一座城市的几何中心及交通干道的发散中心，可能是作为城市中重要的社会公共活动的聚集场地或行政、司法机构及公共事业机构集中的中心地块，也可能是商业、娱乐、文艺表演及休闲观光的中心场所，或是具有某些综合功能及性质的公共场地。
2.经济因素对公共艺术及城市公共空间的影晌
中国的许多城市己经逐步认识到城市快节奏的发展，给街道生活和景观带来的压迫及其他负面效应，使得许多大中型城市相继专门设立了若干“步行街”，或是“文化街”、“商业街”，它们大多设在具有一定历史渊源的商业区或旅游文化活动区，目的是为了找回人们早先的自由和轻松的街道环境下悠然自得，从容不迫的生活感觉和节奏。
3.文化因素对公共艺术及城市公共空间的影晌
纵观中国城市公共空间的特点变迁及发展历程，就会深感到它绝对离不开其独特的社会文化背景。中国人的思维基点则是整体，它倾向于把事物作为有机的整体，直觉地进行笼统综合――“天地与我并生，万物与我为一”。这种以整体思想为出发点的系统性的思维方式也深深地影响了我国传统城市空间的发展。
五、从当代社会的发展看公共艺术与城市公共空间的发展趋势
1.社会老龄化的到来
老人除了需要生活保障之外，更多的是需要同龄人的友谊与交流，消除寂寞孤独的生活，城市公共空间是他们日常生活交往中不可缺少的重要部分。
2.我国休闲经济的发展
随着国民经济的迅速发展和城市居民生活水平的提高，交通设施的进步、社会福利制度的建立和人均寿命的延长、文化交流的增多和教育程度的提高，所有这一切都为我国休闲经济与产业的发展提供了主客观条件。
3.生活方式与观念的转变
社会生活模式的变化，人们的社会观念和生活方式也在更新，城市公共空间及公共艺术的发展满足了人们软经济时代思想意识的转变和新的社会价值取向，适应了新的社会与经济条件。
（1）人们趋于弹性化的生活时间的变化
人们把时间看得比金钱更重要，这是未来社会不得不接受的现实。人们生活方式及观念的转变使得未来城市的建构也将发生变化，伴随而来的是对大量公共休闲空间及公共艺术品的需求。
（2）休闲价值在生活中的比重升值
城市在业者的价值观经历了从现代化到后现代化、从物质主义到后物质主义的变化，休闲价值升值。
在现代的城市规划建设当中应当加入对老龄化社会变化和人民休闲价值变化的考虑，在建设物质生活的同时不能忘了人民大众对精神生活的迫切需求，因此公共艺术不应该只停留在政府门面工程和政治需要上，更多从人性化角度考虑从和更符合人民大众趣味的，能够满足人民休闲需求的公共艺术和城市公共空间建设才是正道。
六、小结
我国公共艺术和城市公共空间建设应是城市建设的重要组成部分，因此，应该在实际的决策、设计、建设和管理操作中，在看重建设的形体和体量对城市的作用的同时更加重视人们生活所需的那部分空间。城市的公共空间的发展现状还往往只是满足城市个别地段空间的改善，一些涉及到整个城市空间体系的、普遍存在的问题还是难以在短时间内解决。
七、结语
研究城市公共艺术及城市公共空间的相关问题的意义，在于促进我国城市化建设的发展目标，实现社会的整体发展和城乡的共同繁荣。只要人类社会追求公平相待和共享幸福的理想尚存，只要还坚持整体社会的物质财富的生产和分配须符合人类共同生存的根本目的的理性主张，那么，公共领域艺术的存在及其社会使命就不会结束，并将随着社会实践的延展而显现其生命的常新。最后感谢唐老师的悉心教导，让我们有了机会认识公共艺术，了解一个新的知识领域。
参考文献
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[关键词]大学生 艺术素养 理论研究
[作者简介]薛莉（1977- ），女，河南南阳人，华东交通大学艺术学院，副教授，研究方向为艺术教育理论与实践研究。（江西 南昌 330013）
[课题项目]本文系2007年度江西省教育科学十一五规划课题“理工科院校学生艺术素养培养体系的研究”的研究成果之一。（项目编号：07YB082）
[中图分类号]G642 [文献标识码]A [文章编号]1004-3985（2013）11-0183-03
现阶段，我国教育正在由精英高等教育向大众化高等教育过渡。在我国构建和谐社会和教育大众化的背景下，培养人全面和谐的发展是高等教育改革的方向。德智体美四种基本素质是人全面发展的基本基础。在人的四个基本素质中，艺术素养是人类生活的调和剂。人们追求愉快幸福的生活，仅有物质财富是不够的，还需要发现美、认识美、欣赏美的能力和素质，只有提高审美素质才能提升主观幸福感，提高生活层次。一个人在生活中，艺术素质不健全，不懂得艺术享受，不善于感受美好的自然世界、人文景观，就不会获得真正的幸福。马克思曾说过，人类社会的所有进步都是追求美的结果。因此，加强大学生艺术素养培养有着重要的教育意义。然而长期以来，关于艺术素养基本理论问题的认识仍存在很多争议，对艺术素养概念、分类的理解和表述过于泛化和模糊，使得教学实践中对学生艺术素养培养目标的制定及培养效果的评价变得模糊不清。本文对艺术素养与科学素养之间的关系、艺术素养的基本概念和构成要素等一些基本的理论问题进行了研究。
一、艺术素养和科学素养的关系
艺术与科学是人类文明发展的两翼。在人类的社会发展史中，许多科学发明都从艺术的灵感和想象中受益，历代艺术从当时的科技发明和生产力发展中得到支持和启发。艺术的感受、想象、创造等能力已成为现代社会需要的综合型人才所不可缺少的素质，成为人才培养中不可分割的组成部分。艺术素养极大地丰富了人们的想象力、创造能力和审美能力，对学生的科学素养带来有益的补充。科学和艺术的结合是提高大学生尤其是理工科院校学生人才培养质量，促进人才可持续发展的重要因素。
我国著名科学家钱学森曾对科学与艺术相结合的思维过程进行过具体而精彩的分析：“从思维角度看，科学工作总是从一个个猜想开始的，然后才是科学的论证，换句话说，科学工作源于形象思维，终于逻辑思维，形象思维源于艺术，所以科学工作者是先艺术而后才是科学。”德国古典美学家席勒认为：“通过美把感性的人引向形式和思维，通过美使精神的人回到素材和感性的世界。”艺术素养与科学素养的结合使人处于感性与理性、物质与精神相统一的自由境界中，使人成为协调发展的自由个体。
二、艺术素养概念的界定
艺术素养作为文化素养的重要组成，是探讨大学生艺术素养培养问题的逻辑起点。关于艺术素养基本理论问题的认识仍存在很多争议，对艺术素养概念、分类的理解和表述过于泛化和模糊，使得教学实践中对学生艺术素养培养目标的制定及培养效果的评价变得模糊不清。本课题运用逻辑学中下定义的基本理论，结合艺术教育的特点，对艺术素养的内涵和构成要素进行了分析和讨论。
传统逻辑认为定义是揭示概念所反映的事物本质的较为简短而明确的命题，“概念=概念所归的属+种差”。所谓种差是属下面一个种不同于其他种的特征。传统逻辑认为，属加上种差，构成事物的特有属性（本质属性或固有属性）。艺术素养概念中，素养是概念的属，艺术的本质是种差。因此，要想了解艺术素养的本质，既要了解艺术素养这一概念所归的属，又要对概念的种差及艺术教育的本质进行挖掘。长期以来，人们在使用素质和素养两个概念时经常相互替代，交叉使用。从词源学角度看，在整体意义上，人的素质包含着素养，素养只是素质的一部分，二者之间的主要不同就在于“素质”侧重于结果的表达，“素养”侧重于过程的表述。
纵观关于素质概念的研究，有的学者把人的素质看作是人在自身发展过程中所形成的本质属性，认为“素质”就是指“人或事物在某些方面的本来特点和固有基础”；有的认为人的素质是能力发展的必要的物质基础，“所谓素质可以概括地表述为：个体得自遗传的智能和气质乃是素质得以形成的出发点，从外界输入的直接体验与间接经验是素质发展不可或缺的诱因和材料。在主体对外部材料进行加工的过程中逐渐确立认知结构，情感结构和行为模式，最终内化为以能力与价值观为核心的个体素质，它与个体的人格特性融成一个统一体。人体对特定事物所持的态度和处理特定问题时对知识和技能的运用，便是素质的外化形式”；有的认为素质是人的自然属性和社会属性的统一，“以人的先天生理特点为基础，在后天环境和教育影响下形成并发展起来的生理和心理方面稳定而巩固的属性”；有的从素质的形成途径对素质的概念进行了界定，“人的素质是指以人的先天的生理和心理的自然物质为基础，通过社会环境影响，教育学习，以及社会实践而形成的巩固的属性”。通过已有的研究成果可以看出，大部分学者都认为先天遗传条件是素质形成的基础，个体接受的教育和社会化是素质形成的途径，稳定性是素质的特点。我们认为，素养是指个体先天所具备的各种潜质，通过社会环境和教育在社会实践中所表现出来的较为稳定的人格特征。
“艺术”是一个集合性的概念，是对所有具体艺术门类或所有的艺术作品的一种抽象，其内涵始终具有不确定性。美学家W.肯尼克曾自我解嘲般地说：“当没有人问艺术是什么时，我倒清楚艺术是什么，只是当别人问我艺术是什么时，我则答不出来。”美学大师朱光潜先生提到艺术提到美的概念时，说了众所周知的名言“慢慢走，欣赏啊”。本课题在考察艺术概念的形成的历史后，根据研究需要，认为艺术素养是指个体先天所具备的艺术天赋，通过社会环境和美的艺术教育在社会实践中所表现出来的较为稳定的欣赏美、创造美的特征。
三、大学生艺术素养的构成
明确艺术素养的构成要素及其结构关系，深入理解和把握艺术素养结构各要素之间的层次性和依存性，对制定艺术素养培养目标，建构艺术素养培养体系有着重要的价值。艺术家的创作是把对社会生活的审美感受和自我的审美理想融注于艺术形象中，然后物化成艺术作品的过程。人们通过对艺术作品的感知、欣赏、领悟，来满足自己的审美需求，积累审美经验，并在自己的社会实践中实现审美价值。因此，艺术教育的根本目的在于普及艺术的基本知识，健全审美心理结构，充分发挥人的想象力和创造力，培养美好、和谐的情感心灵，从而实现完美人格的建构。基于此，笔者认为艺术素养应包括艺术知识技能素养、艺术审美能力素养、艺术审美情感素养、艺术审美创造素养、艺术审美道德素养等。
1.艺术知识技能素养。艺术知识技能素养是指个体对艺术的基本知识和基本技能的了解和掌握，包括对艺术起源与发展的历史、艺术的分类方法、东西方艺术的流派等基本理论知识的了解，以及对艺术基本的表现要素与基本技能的掌握。对艺术知识技能的学习，可以增强学生对艺术的宏观认识，帮助他们在种类繁多的艺术形式面前进行认识比较，明确个体的爱好与艺术风格的取向。
2.艺术审美能力素养。艺术审美能力素养是指对艺术作品进行感知、分析、批判、评价解读中所展现的综合素质。艺术审美能力素养的培养不仅要依托艺术知识技能的学习，更要在具体的艺术欣赏过程中不断锤炼提升。
3.艺术审美情感素养。艺术审美情感素养侧重主体在审美过程中的情感体验，是个体面对审美对象时的情绪表达。艺术并非纯粹的物质存在，而是承载了丰富情感精神产品。欣赏者在欣赏过程中会感受到欢乐、悲伤、宁静、激昂、甜蜜、苦涩等不同的情绪和情感。艺术审美情感素养的培养，能使大学生对艺术作品展开想象，通过体验艺术作品中的情感表达，享受欣赏艺术作品所带来的乐趣，帮助大学生学习正确的表达自我的情感，以适当的方式释放自我情绪，健康快乐的成长和生活。
4.艺术审美创造素养。艺术审美创造素养是指能够运用已掌握的艺术知识，依据自身的鉴赏能力和审美经验，表现出具有一定美感的社会实践能力。艺术审美创造素养可以分为思维和实践两个层面。思维的层面，艺术可以使学生以更感性、更活跃的思维去思考问题，探索问题的无限可能性。爱斯坦曾深有感触地指出：“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。严格地说，想象力是科学研究中的实在因素。”实践层面，艺术实践是学生艺术参与从艺术欣赏的旁观者到艺术实践的主动创造，有主动的优势。艺术实践活动本身是一种容易产生灵感火花的教育环节，学生在艺术活动参与中思维的激荡运转，往往会迸发出无限的创造性，并随之体现在实践活动中，完成艺术审美创造培养的过程。
5.艺术审美道德素养。艺术审美道德素养是指艺术审美在精神层面的升华与体现。艺术不仅表现美、同时也表现真与善，善往往被赋予美的形式，美又因有善的充斥而更富人性的光彩。这里所讲的艺术道德素养，并非强调艺术的“辅德”功能，把艺术当成德育的媒介和益智的手段，将其“非艺术化”和“德育化”，而是在强调艺术和道德在精神层面的融合，树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位。艺术素养和道德素养都是为了塑造学生健全和完善的人格，在审美教育中净化心灵。
四、艺术素养培养实践探索
1.开设公共艺术课程，丰富艺术知识，提升艺术审美能力，培养艺术情感。公共艺术课程是高校进行艺术素养教育的主要形式，偏重于艺术素养基本理论和技能的系统学习。高校通常以公选课的形式，为学生提供多门公共艺术课程，如“美术鉴赏”“影视评论”“古典美学”“现代流行音乐理论与实践”等。学生通过观看绘画图片或聆听音乐录音等直观的形式，结合教师理论讲解，在较短的时间里掌握大量的艺术知识，提高审美能力，丰富艺术情感。
2.引高雅艺术进校园，使学生走近艺术大师，感受艺术经典，陶冶情操，提高艺术修养。2005年以来，我国实施高雅艺术进校园活动，组织国家级艺术院团和优秀地方艺术院团赴高校演出，这给大学生直接欣赏高水准艺术作品，参与高层次艺术活动提供了机会。大学生在欣赏艺术作品和节目的同时，开阔了眼界，加深了对艺术形式与内容的直观感受，体会了艺术之美的震撼，艺术素养的理论知识得以印证和体验。
3.组织大学生参加各种级别的艺术展演活动，为学生搭建艺术实践平台，提供艺术实践机会。全国大学生艺术展演是高校规模最大、级别最高、参与人数最多的艺术文化活动，每三年举办一届，展示了我国高等学校艺术教育的成果和大学生朝气蓬勃的青春风貌。为配合这一活动，各高校开展内容丰富、形式多样的艺术比赛，评选本校优秀艺术表演节目和艺术作品，艺术表演类包括声乐、器乐、舞蹈、戏剧；艺术作品类包括绘画、书法（篆刻）、摄影、工艺设计、DV作品。另外，每年省级文化厅与文联、美协、音协等主办的艺术活动，多以作品展览、表演比赛为形式，如江西省第×届青年素描展，江西省第×届数字动漫大赛等，比赛在参与者中非艺术专业的学生占有一部分比例，是大学生进行艺术实践的一个平台。
4.以校园文化建设为龙头，以校团委和学生社团为支柱，举办各种艺术文化活动。为加强校园文化建设，创建美好的校园人文环境，校团委及各院系纷纷举办多种多样的文化活动，艺术文化活动是文化活动的主要形式。校园艺术活动，贴近学生生活，激发他们对真、善、美艺术的追求。
以华东交通大学为例，每年举办一系列校园艺术文化活动，如校园歌手大奖赛、中国书画大赛、网页设计大赛、心理剧大赛等。其中有特色的艺术活动之一是外语学院的教师根据本专业的特点，组织本院学生举行的英文歌曲比赛，从2003年举办第一届开始已经有9年历程，经过多年的经验积累，不断进取，在2011年江西省高校校园文化建设优秀成果评选中获一等奖，这是对艺术与外语专业成功接合实验成果的肯定，验证了艺术让学习更快乐。
再如，每年一度的校园心理剧大赛，由校团委和校心理咨询中心主办，2011年11月举行的第九届校园心理剧大赛，全校有14个学院参与，前后历时一个多月，创作剧本近两百个，直接或间接上台表演人数近5000人，直接辐射和影响在校2万多名师生。活动中，无论剧本的构思创作，演员的选拔与角色安排，道具的设计制作，演员服饰与化妆的设计，还是剧情的设计与排练等都由学生自主解决，自主性和创造性最大限度地得到发挥。心理剧剧本的创作往往充斥着大学生的道德标准和道德评判，是他们对真、善、美的认知和评价，体现着他们的艺术审美道德素养；服装、道具和化妆的设计是学生对艺术知识技能素养的运用和艺术审美创造素养的有效释放，他们有着艺术创造的热情和丰富的想象力，艺术的魅力在他们心中播下的星星之火，激发他们的艺术创造力；从排练到正式的演出比赛，学生一次次体验着角色的心理历程，整个剧情的发展与冲突，表演过程展示出学生们的艺术审美能力素养和艺术审美情感素养。
关于艺术素养基本理论问题的探讨，是一个复杂的科研命题；大学生艺术素养的培养，更是一个庞大复杂的系统工程。本研究也是沧海一粟，希望更多的专家学者参与探讨艺术素养及其培养问题，携手并肩，共同丰富和完善艺术素养理论。
[参考文献]
[1]赵鑫珊.科学艺术哲学断想[M].上海：文汇出版社，2005.
[2]章安祺.西方文艺理论史精读文献[M].北京：中国人民大学出版社，2010.
[3]《辞海》编辑委员会.辞海（缩印本）[M].北京：商务印书馆，1989.
[4]洪宝书.教育本质与规律[M].成都：成都科技大学出版社，1992.
[5]张志海，李西云.人的素质论略[J].陕西教育学院学报，2000（1）.
1建筑与雕塑的亲缘
1．1建筑与雕塑的历史渊源
目前，雕塑作为公共艺术的范畴已经无可争议，然而建筑的公共艺术性很容易被忽视。从建筑与雕塑的历史渊源看，从古至今，它们就一直有着密切的关系，它们像人和影子的关系一样，相互依附，相互影响。追溯历史不难发现，人类的建筑活动始终伴随着雕塑艺术的创作而发展。从古埃及开始，雕塑就是建筑的重要组成部分，古埃及人民在石器时代就已经用庞大的雕刻艺术来装饰建筑物。建筑发展到古希腊时期，雕塑成为神庙建筑装饰的典范，大量雕塑依附在神殿之中，以帕台农神庙建筑为主要代表，它是雕塑艺术与建筑工艺的一次完美结合。到了欧洲中世纪时期，建筑和雕塑主要为宗教服务，如著名的哥特式建筑巴黎圣母院大教堂，它融合了雕刻、壁画、建筑艺术，繁复精美的雕刻装饰在建筑内外融为一体，让人分辨不出到底是建筑还是雕塑。到了文艺复兴时期，巴洛克风格盛行，圣保罗大教堂便是古典主义建筑的杰出代表，教堂内外的雕塑为了配合建筑的曲面形态，大都设计为富有动态曲线感的造型，与建筑完美的配合营造出一种华丽的上升感。
1．2建筑与雕塑的同一性
建筑与雕塑还具有很强的同一性关系，首先从内在角度上看，它们都是社会生活的产物，都承载着人们的生活以及情感，它们最终都在公共空间中扮演着改善环境的作用，建筑与雕塑不仅是科学的、艺术的，而且还是人文的，人文精神与生命性是建筑和雕塑共同的精神内核。其次从外在角度上看，雕塑与建筑不同于其他公共艺术形式，它们都具有三维形态的空间特征，是以实体方式来营造公共空间，物质性和多维度空间是它们统一的基本要素。在用材上，雕塑和建筑有很大的相似性，如古希腊雕塑和建筑主要材料都为石材。古代中国的建筑材料大多为木料和泥砖，而中国传统雕塑的主要类型也是木雕和泥塑。在当代，随着科学技术的发展，建筑材料也日新月异，同时雕塑的材料也丰富了起来，大量玻璃、金属等综合材料都被用在雕塑上，建筑和雕塑在工艺和用材上都保持着相当的一致性。最后再从创造者角度来看，雕塑家和建筑家一直以来就有着紧密的联系，建筑、雕塑与绘画作为姊妹艺术，具有天然的密切关系，我们的建筑是雕塑和绘画与宏大体量的结合，拉斯金就曾说：“没有一位不是伟大的雕刻家和画家的人，能成为一位建筑师。因为他如果不是一位雕刻家和画家，他就只能是一位建造者③。”米开朗基罗就是很好的例子，他既是伟大的雕塑家和画家，同时还是世界第一大教堂圣彼得大教堂的设计师。
2公共空间中建筑与雕塑的交融
2．1建筑化的雕塑
随着城市化进程的深入，城市建设改变了以往城市的面貌，取而代之的是宽广的马路、高耸的大楼、开阔的广场等，城市空间的维度被扩大，这时的小型户外雕塑已经不能满足大空间的视觉需要和人们的审美追求。在材料和技术的推动下，新型的雕塑开始诞生，与其说是雕塑，毋宁说它是建筑化雕塑。此类雕塑作品不胜枚举，美国的自由女神像就是典型范例。女神像高46m，加上基座是93m，它的底座是美国移民史博物馆，另设有电影院，从底座到火炬顶端之间设有内部旋梯（图1）供游客使用，由于游客要攀登171级旋梯才能到达女神像的头顶，所以后来在女神像基座安装了电梯方便游客上下。顶部女神头冠上的25颗宝石其实是女神像的观景窗口（图2），从头顶位置开始再攀登60级旋梯便可进入女神像的最高点，图1自由女神像内部旋梯图2自由女神像观景窗口最高点的火炬边沿上还可容纳12个人。这些可供人进入的空间使得自由女神像具有一定的建筑感，因此，美国自由女神像不仅是一座大型景观雕塑，而且还是一座百米建筑。在现代公共空间中，这类作品使人与环境的亲和性得到了加深，作为城市的公共性标志物，雕塑和建筑很好的融合在一起。类似这种的大型建筑化雕塑的公共艺术形式还有很多，它们的雕塑特性使它们大都被归纳至公共艺术的范畴内。
2．2雕塑化的建筑
在现代主义建筑盛行时期，建筑以实用功能性为主，摒弃了大量装饰，提出少就是多的设计口号，但是随着社会的发展，现代主义建筑产生了局限性，由于过分强调功能，忽视了人们的精神需求，导致了千城一面的国际主义建筑风格的蔓延，到处都是高耸冰冷的混凝土方盒子，很难满足公共空间里对环境的审美需要，更与公共艺术的基本概念失之交臂，所以人们很少把方盒子状的建筑纳入公共艺术里去。1966年罗伯特•文丘里在《建筑的复杂性与矛盾性》一书中抨击了国际主义风格和现代主义思想，他认为现代主义建筑已经完成了它在特定时期的历史使命，国际主义风格压制了设计师的才能，而且形式单调无味，严重影响大众审美的需要。于是，他预示着后现代建筑的新时期即将到来，给后现代主义建筑拉开了帷幕［4］。随着后现代主义建筑风格的出现，雕塑也发生着变化，在波普艺术和解构主义的影响下大量雕塑出现在公共空间里，这些雕塑作品无疑给公共艺术形式增加了新的亮点。与之对应的建筑也逐渐呈现出富有雕塑感和公共艺术性的特点，比如法国巴黎蓬皮杜文化艺术中心，的结构和管道给人以强烈的视觉冲击，特殊的艺术形式形成了一种新的审美效果，这座建筑更像是城市中一个巨大的装置艺术品，它是具有现代公共艺术性的建筑。再如弗兰克•盖里设计的古根海姆博物馆，被称为20世纪的建筑奇迹，盖里在设计时扔掉了诸多建筑理论和经验，他更像个雕塑家，运用雕塑语言，通过艺术的手法把雕塑和建筑结合起来，他把自己的建筑理念和对当代艺术的精神体味结合成一座巨型雕塑，这座建筑无疑是公共空间中经典的艺术品。随着新材料、新技术对雕塑化建筑的支持，以及人们的审美需求对雕塑化建筑的催生，雕塑化建筑也越来越多，尤其是计算机技术对雕塑化建筑的发展有着很大的影响，建筑师扎哈•哈迪德便是借用计算机技术来构建富有动态的前卫建筑，她在北京的建筑作品银河SOHO就是其代表作，被誉为首都第一印象建筑，它同盖里的古根海姆博物馆一样，以奇特富有流动感的雕塑造型成为公共空间中一座具有标识性的公共艺术性建筑。虽然现代建筑不像欧洲中世纪和文艺复兴时期的那样与雕塑结合，但这不能说明这些当代先锋主义建筑不是雕塑化的建筑，我们要区别以往雕塑与建筑结合的形式，现代建筑与雕塑的结合方式不是通过以雕塑附加在建筑内外的形式来看，而是现代建筑通过对雕塑语言的提炼，用艺术的手法更象征性更全面性的与雕塑结合了，建筑不再是一座通过雕塑依附而存在的建筑物，而是一座独立的公共艺术化建筑。库哈斯设计的CCTV央视大楼（图3）便是很好的例子，央视大楼完全超乎人们对以往建筑的概念，它以雕塑语言来诠释建筑的形态，它是以一座巨大雕塑的身份矗立在城市的心脏。库哈斯设计的央视大楼形状让我们想到了雕塑家野口勇的环形雕塑作品（图4），它们十分相似，两件作品的重心设置极其一致，而简洁的环形形态也大同小异，这就很好的说明建筑和雕塑具有同一性，库哈斯用这种纯粹的雕塑形式向我们展示了，建筑如何用简洁的身姿与周围公共景观环境构成可以呼吸的关系，形成了让人过目不忘且精神振奋的公共艺术景观［5］。央视新大楼这座建筑与以往的建筑不同，它不仅与雕塑的表现形式一样，有着简洁和充满力量的外表，而且还和雕塑具有一样的隐喻功能。首先，它所代表的是社会公众心目中最信赖的媒体机构，所以它的建筑形式所表现出来的是简洁、肯定、充满力量且富有视觉冲击力的。其次，央视新大楼的设计理念也映射了当下的中国，大胆、创新、不羁，它摆脱过去所带来不必要的包袱，对未来充满信心及憧憬，它就像一个迈着大步的巨人，这正是我们这个时代的最佳写照。从公共艺术的基本概念来看，央视新大楼和雕塑同样具有公共艺术属性，它显然是公共空间中的公共艺术化建筑。图3CCTV央视大楼图4野口勇环形雕塑作品随着现代建筑与雕塑之间的有机结合，雕塑语言已然成为建筑构造中最直接有效的表达方式。正如英国学者彼得•柯林斯所说：“我们从过去40年中所目睹的变化，并非由于雕刻从建筑中消失的事实，而是由于建筑已经变成了抽象雕刻的一种形式的事实［6］。”如果说建筑化的雕塑是公共艺术的新形式，那么我认为雕塑化的建筑它就是公共艺术中的一种特殊形式。
3结语
插画艺术的概念探究
插画艺术的产生历史和发展历程悠久而复杂，因而插画的表现形态多种多样，种类繁
多。首先，笔者将首先浅要的说明插画的基本内涵和主要类别以及它的主要特性。
1.插画和插花艺术
通常意义上的插画是指以报刊或书籍为载体、以创作者的设计理念为核心、以文字的表达内容为依据、以版面的排列为引导的一种插入式图画。
随着应用范围和领域的扩大，插画的载体不再局限于书籍和报刊，还包括了餐饮用具、服装服饰、家居建材、广告杂志等，渗入到人们衣食住行的各个方面，成为了人们生产和生活不可或缺的一个元素。由此，插画从一种单一的视觉图案发展成一门具有商务导向的艺术形态。
2.插画艺术的类别探究
从插画艺术的形成时间来看，插画艺术可以划分为：古代插画艺术、近代插画艺术和现代插画艺术。本文所要谈到的是现代插画艺术。
从插画艺术的应用领域来看，插花艺术可以划分为：文学类插画艺术、影视类插画艺术、商务类插画艺术和公共类插画艺术。本文所要谈到的是商务类插画艺术。
3.插画艺术的性质探究
插画艺术作为一种意识形态，其来源是人们长久以来的生活活动和生产活动，因而插画艺术具有历史性、意识性和实践性。
插画艺术作为一种发展历史悠久、应用范围广阔的艺术形态，具有经验性、实用性、传播性、经验性、主观性、商业性和全球性。
平面设计的概念探究
同插画艺术一样，平面设计也是视觉传达艺术的一种，这也是两者的交织点，都是为
了构建出更完美的视觉传播效果而衍生的一门艺术形态。在用途上，平面设计主要用途由=有纸质媒介、互联网络、广告标识等，具有浓烈的商业色彩和商业导向。
综上所述，平面设计是以二维平面为主要载体，依据设计者的主管意识将包括插画在内的多种视觉表现元素整合在一起进行编排设计，吸引受众的关注，使受众最终产生购买欲望和行动的视觉艺术形态。
本文主要论述的内容是插画艺术在平面设计中的应用，故此不占用更多的篇幅来论述平面设计的相关概念。
在平面设计中应用插画艺术的问题探究
在当今的平面设计中，插画艺术的应用还存在着或多或少的问题，使得平面设计没能
达到应有的视觉效果，甚至还起到了相当严重的反作用。
其一，平面设计者所应用的插画过于老旧，与时代脱节，陈腐气息浓重，这很容易使得受众对整个广告文案丧失继续阅读的兴趣，甚至造成受众对平面设计所宣传的产品产生反感。这就要求平面设计者使用时鲜的、贴近当下人民生活的插画，使整个平面设计更接地气，更容易引发受众的兴趣。
其二，平面设计者所应用的插画过于抽象，或者与文字没有关联，使受众很难获得想要在广告设计中想要获得的信息，这就使得整个广告文案过于文字化，丧失了插画原有的辅助功能。
其三，平面设计者所应用的插画内容过于低俗，更有甚者存在黄色、暴力等元素，直接违背了国家的法律法规。无论是平面设计还是插画艺术，都具有传播功能和社会影响力，因而也承担的着重要的道德责任和法律责任。有些平面设计片面的追求流浪量，使用低俗的插画，这不仅会拉低了整个平面设计的档次，影响所宣传的产品形象，更在社会上引起不良的思想影响，同时也践越了国家的法律法规，需要承担严重的法律责任。这就要求平面设计者在应用插画的过程中始终警醒自己，提高法律意识，坚决不使用任何违背法律规定和道德约束的插画。
其四，平面设计者所应用的插画存在着排版发面的的问题。有的平面设计，插画的位置过于隐蔽，使得插画丧失了存在的作用；也有的插画，被置于过于显要的位置，掩盖了文字的存在感，使得平面设计成为“大图贴”。这就要求平面设计者要合理的排版布局，注意整个设计美观的同时，处理好图文相辅相成的关系。
