时间：2023-08-14 16:41:42
序论：在您撰写艺术创作特点时，参考他人的优秀作品可以开阔视野，小编为您整理的7篇范文，希望这些建议能够激发您的创作热情，引导您走向新的创作高度。
[关键词]艺术歌曲创造性歌唱风格
发展了音乐与文学诗词的理想结合，开创了浪漫乐派艺术歌曲风格
在浪漫主义音乐流派形成之前，人们通常把艺术歌曲认知为是一种浅显的、与纯音乐格格不人的通俗音乐体裁，对于音乐与文学诗词之间的有机结合和歌词的艺术价值往往是不够重视的。尽管在歌剧、清唱剧和康塔塔出现之后，艺术家们已推动了这个缓慢的进程，而文学浪漫主义思潮的“兴起”和“介人”，才促使这个时期的音乐家们并创了一个艺术歌曲的新纪元。以舒伯特为代表的浪漫主义音乐家，真正抛弃了旧有的美学原则，使19世纪的艺术歌曲无论在体裁形式、和声风格、旋律特征等方面较前有本质的区别，但对其发展起主导作用的，则是文学与音乐关系的改变。舒伯特曾说:“是歌德的音乐与诗的天才，帮助了我的成功。”可以说，舒伯特的艺术歌曲是植根于浪漫主义诗人那优秀文学诗歌的丰饶的土壤里。他不仅重视诗歌的内容和意境，还在不断的发掘诗词的内涵，在创作技法上，无论是外境的烘托还是内心的刻画，都着重追求和深化诗词的意蕴和潜在的内心感受，而成为一种在诗歌基础上再创造的艺术。例如在《菩提树》这首作品中，舒伯特在歌曲的A段中，用明朗而又极富有诗意的大调旋律，宣染出歌词中的抒情宁静的气氛。当进行到B段歌词把人们带到严酷的现实中来时，作者并没有沿用古典乐派那种传统的四五度转调手法，而是独具匠心的采用同主音小调上，暗淡、伤感、忧郁的音调旋律和钢琴伴奏那躁动不安的织体，把歌词中的“门前有棵菩提树，……刻下甜蜜诗句。……我流浪到深夜，我在黑暗中行走，闭上了我的两眼。”这种内心的悲伤和失望，刻画得淋漓尽致，使歌词和音乐之间完美、紧密的结合在一起，创造出了一种极富感染力的音乐形象。
舒伯特这种重视文学诗歌对音乐的影响和在音乐进行中细致准确的运用创新的音乐语言和音乐形象的表现技法，不断深化了文学诗词中提供的意境与情感。在艺术歌曲创作中，运用调性布局、和声色彩和钢琴伴奏，多层次的、准确而细致的揭示了歌词内容和人物的心理状态，挖掘出了文学的内蕴。舒伯特的这种艺术歌曲的创作理念，深深的影响了其后的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯等人的音乐艺术歌曲的创作，为这一时期的浪漫主义的诗歌文学作家海涅、歌德、谬勒和莎士比亚等为代表浪漫主义的诗歌插上了音乐的翅膀，开创了音乐浪漫主义的新时代。创造性的发展了钢琴伴奏艺术的功能性的作用。
在舒伯特的艺术歌曲中，钢琴伴奏已不再是以前歌曲中那种简单的辅助与衬托，也没有过分强调所谓的“钢琴性”因素，而是一种适应于音乐作品整体结构和音乐内容的需要，及表现音乐形象、发掘歌词内涵的重要创作手段。他富于创造性的钢琴伴奏织体的写法，不仅在文学诗词与音乐之间起到了一种外景的描绘作用，而且在人物内心的心理刻画上，构成了一个多层次的相互衬托，从而提升了歌曲的艺术价值。舒伯特艺术歌曲的钢琴伴奏不仅从气氛上创造了超越诗词的力量，也刻画了诗词所要表达的更多的情感。如《纺车旁的玛格丽特》塑造的是一位纯洁少女沉腼在初恋中的形象，她边歌唱边摇纺车，抒发着内心炽热的爱恋的情怀。钢琴伴奏部分的延绵不断流畅的六连音音型不仅刻画了纺车转动不止的形态，也刻画了少女思念心上人时的不安心情;声乐部分充满了抒情性，体现出了少女的美好向往和纯真的心灵。舒伯特运用钢琴来补充揭示诗词中那些只能感受到但却没有道出的话，这些都加深了歌曲艺术形象的内心刻画。在《小夜曲》里，歌曲中声乐的部分“歌声也会使你感动，来吧，亲爱的!愿你倾听我的歌声”，在这里人声与钢琴伴奏声构成了二重唱。在这首歌曲的进行中，乐句之间常出现的钢琴的间奏是对歌声的呼应，预示着歌声中所期望听到的回声，使人声与琴声构成一种对应关系。在《邮车》中的前奏与间奏的钢琴部分，即是描写轻快的马车声和邮车的喇叭声来刻画一种动感意境。
舒伯特是根据歌曲的整体内容，用钢琴来描写寒夜的森林、奔驰的马匹、公鸡的鸣叫、邮车的号角声、小溪流淌等客观.环境和声响;同时，又使钢琴担负着人物心理刻画的重任，揭示出人物的各种情绪和情感，如喜悦、活泼、兴奋、激动、惆怅、失望、悲哀等;还有，他用钢琴来描绘明亮、暗淡、朦胧、透明、神秘等色彩也是很成功的。这一切都使歌曲产生了情景交融的艺术效果。所以说，钢琴伴奏部分是舒伯特整个艺术歌曲不可分割的有机部分，在舒伯特的艺术歌曲创作中，钢琴的前奏、间奏、尾奏已不再只是起着一种简单的连接功能作用，而是一种既富于造型又深含人物内心情感的发掘与补充的一种重要手段。
歌曲旋律的自然流畅、简洁朴素和歌唱性在舒伯特的六百首艺术歌曲中，首先以其自然流畅的歌唱性和简洁朴素的的旋律而著名，形成了其歌曲中随处可见的人声表彩的变化和戏剧效果，旋律极易上口，富有歌唱性。舒伯特的艺术歌曲不仅仅旋律优美、易唱，还在于他为每个艺术形象都找到了不重复的特点。既通俗又新颖，不同于维也纳18世纪的专业音乐语言，和当时新的民族世俗音调相近。这是舒伯特把专业世俗歌曲和民歌融合在一起，以此来完成艺术歌曲在音调上的变革，更新了世俗艺术歌曲的旋律进行，使之更接近于维也纳民歌。他把艺术歌曲保留在抒情小曲的体裁之中，引用借鉴了民间歌舞的传统，同时使歌曲旋律线条表现力服从于诗歌意韵的起伏，唱起来就极易上口，富于歌唱性，具有浓郁的民间音乐和风俗舞蹈的特质，如《野玫瑰》、《缚鱼》、(听听云雀》等;还有的歌曲如演讲般的自然流畅，如《春之信念》、《艺神之子》等。
[关键词]摄影构思 瞬间性 现场性 科学性
摄影艺术属于视觉艺术，是一种审美评价活动，这种活动是审美主，客体的双向交流。一方面是客体向摄影家提供各种各样的生活信息，摄影家把许多生活画面印入心里，另一方面，摄影家把自己的主观情感、愿望、理想以及气质等因素融合到对象上面，也就是说，摄影艺术家要用自己的全部身心去关照融合对象，把自己体验到的美的生活，美的形象和美的情感，通过艺术观察和构思，用摄影工具表现在作品中并传达给观众，在摄影艺术创作的过程中，摄影构思将起着举足轻重的作用。艺术创作的构思，是作者艺术地反映客观世界的过程中所进行的积极的、能动的思维活动。构思的目的是为了探求能够充分体现创作意图的艺术形象。不同艺术形式赖以表现艺术形象的手段不同，创作过程不同，因此构思的途径和方式也不大一样。同一艺术形式，不同题材，不同体裁的作品，不同作者，在艺术构思方面也有不同的特点、规律和习惯。摄影艺术的基本特征就在于：它是科学和艺术紧密结合的产物，一位曾为美国《生活》画报工作过二十多年的知名记者A.菲宁格这样说“技术+艺术=给人深刻印象的照片”，因此摄影必然受到摄影器材的制约：它主要是以生活本身的形式直接反映生活，必然受到拍摄现场条件的限制：它主要摄取生活的一个瞬间，大多是在极为短暂的一刹那完成拍摄。这就使得摄影创作构思具有明显的瞬间性、现场性和科学性。
一、摄影艺术创作构思的瞬间性
艺术作品的构思，一般都要经过创作欲念的萌动，形象的酝酿、孕育和具体的艺术处理三个阶段：摄影创作的题材非常广泛，体裁形式多种多样，其中有一些题材和体裁的拍摄。有比较完整的构思过程，有比较长时间的酝酿、推敲，构思的各个阶段比较明显。如风光、花卉、静物、寓意、讽喻之类作品的拍摄大多如此。《东方红》(袁毅平摄)、《十且的螃蟹》(黄翔摄)的拍摄过程都是明显的例证。但是在以抓取“决定性瞬间”为主的人物摄影、社会生活摄影等“偶成”作品的创作过程中，瞬间的发现，瞬间的敏感与认识的飞跃则往往是主要的，如《小柱子》(索祖钢摄)，《天真》(郑捷摄)等，都是突然发现，迅速抓拍的。
在摄影创作实践中，经常出现所谓“偶尔碰到”，“突然发现”的现象，这就是摄影作者在长期的艺术实践中锻炼了自己丰富的想象能力和明锐的直觉能力，进而运用自己的审美理想。审美标准，对客观生活中的某一具有审美价值的瞬间场景所作出的审美判断。“偶尔”考验着每个艺术家的生活根底和艺术功力渗透着艺术家对生活的理解和对美的判断能力，所以偶然中其实体现着必然。这类作品的拍摄，从题材的发现到按下快门，往往只是一个极为短暂的瞬间，但同样有一个比较完整的构思过程。在这瞬间的构思当中，既包含有创作欲念的萌动，对题材内容和社会意义的判断：也包含有形象的取舍和艺术处理。不过这个过程常常不是取自判断和推理的思维形式。而是表现为近似直觉的瞬间敏感。这正如法国著名的摄影家亨利，卡蒂尔，布勒松为摄影所下的定义，他说“摄影是在若干分之一的时间里识别出时间重要意义，同时又识别出使事件得以适当地表现出来的精确的形态和结构。”
现实生活丰富多采，瞬息万变，许多珍贵的瞬间是可一而不可再，可遇而不可求的。因此创作的机遇和契机显得十分重要。这正如黑格尔说的，“最伟大的艺术作品也往往是应外在的机缘而创作出来的。”但机遇和契机能否成为创作灵感的触机。主要还在于感受，认识和提炼生活的能力和感应的速度。人们常误以为抓拍主要靠“碰”运气，碰机会，以抓拍著称于世的布勒松就最反对“浮光掠影式摄影”而反复强调“从生活的素材中进行提炼再提炼”。许多优秀的摄影作品，都是在现实生活中“偶尔碰到”、“突然发现”拍摄成功的。似乎带有极大的偶然性，实际上这种“突然发现”对于摄影家的瞬间构思能力是极其严格的检验。瞬间构思能力越强的人把生活中的机遇和契机变为摄影创作灵感触机的可能性就越大，成功的机会也越多。
二、摄影艺术创作构思的现场性
摄影创作对于拍摄现场，有着极为明显的依赖关系：蜿蜒壮观的《巍巍长城》(何世尧摄)只能鸟瞰：霞光璀璨的《东方红》(袁毅平摄)，只能在北京八月清晨摄取《斗恶霸地主》(齐观山摄)反映农村里的老贫农怒火中烧的愤激之情，只能出现在说理斗争会上。“天时、地利、人和”诸方面的因素和摄影创作的关系都十分密切。因此摄影创作构思，必须从现场条件出发，并受到现场条件的制约。从某种意义上讲，摄影创作构思的过程就是对现场特定的对象进行观察，比较，选择和提炼的过程。“高度的智慧是从观察得来的。”(车尔尼雪夫斯基语)摄影家的创作智慧也需要在形象的观察中培育。有人把照相机比作“身体以外的眼睛”，有的把摄影称为“猎影”这些都是为了说明现场形象观察的重要。我们曾经在相当长的时期里，把“坐在家理想画面”当成摄影构思的普遍规律，其结果只能是主观臆造：现在又有人主张不加褒贬和思考的抓拍，结果使作品流于“自然主义”。
创作实践证明，在摄影创作过程中，不论题材的发掘，主题的孕育，奢华，还是摄影艺术的造型处理和形象的瞬间把握，都离不开现场的深入观察《生命在于运动》(利麟摄)的拍摄就是通过形象观察而后深化主题的。离开了富于典型特征的皓发童颜的老者形象，健康长寿的主题无从体现：离开了老小竞赛的生动场面，作者的认识也无从启迪和升华。通过观察发现题材，再通过观察，思考和选择。使认识逐步提高，主题逐步深化，形象的艺术处理也更加完善，这是摄影创作中极为普遍的规律。摄影艺术的构思，和其它艺术形象的构思一样，也离不开想象和联想。现实生活纷纭复杂，拍摄现场的情况往往是瞬息万变，摄影创作过程中需要估计，需要预想，更需要随着客观形式的发展变化，不断的改变和完善构思。既要善于适应和充分利用现场条件，也要善于突破现场条件的局限，变不利为有利。只有这样，才能在拍摄现场，当注意力处于高度集中状态的时候仍能保持清醒的头脑，具有十分清晰的分析力和敏锐的判断力，既不致因现场情况的突变而茫然不知所措，也不致因一味等待预想情况的出现而坐失良机。
三、摄影艺术创作构思的科学性
摄影艺术是建立在科学技术成果之上的现代造型艺术，一位曾为美国《生活》画报工作过二十年的知名摄影记者这样说“技术+艺术=给人深刻印象的照片”。摄影艺术的创作过程，是摄影技术和艺术技巧全面控制的过程，摄影不是纯粹的对现实生活的再版，它体现着摄影者对镜头前面所展现的事物的一种自我的选择与认识，反映了他对客观场景经过“处理”后的结果，受摄影者的见解和创造力的支配，这种处理。包括摄影技术和艺术技巧的众多方面。摄影艺术是借助光学、化学、机械学和电子学所提供的物质媒介作为表现手段的。摄影艺术的语言和现代科学技术有着十分密切的关系。艺术家总是以一定“艺术语言”来感受、体验和思维的，因此摄影创作的构思必须在摄影家所使用的器材和掌握的摄影技术、技巧的限制下进行。离开了摄影技术和技巧的艺术表现的可能性，任何巧妙的构思都无法实现。
一、 油画艺术中的色彩
绘画作为社会艺术形式的一种表现样式, 它的存在标志着社会和时代的意识发展状况。古典油画由于追求形的真实恒久其画面色彩单纯，色彩多以复色和间色绘制，他们追求在二维的画面上塑造雕像一样实在稳定的形象，构图追求稳定，强调形体边界清晰的轮廓感，是一种最明晰的语言，反对玩弄色彩的魔术，反对花里胡哨的东西。印象派绘画研究的是物理学自然现象，是一套新的色彩观和绘画表现手法，它完成了绘画中色彩造型的变革，将光与色的科学观念引入到绘画之中，革新了传统的固有色观念（古典绘画），创立了以光源色和环境色为核心的现生色彩学，并运用到现代学院教学，为现代艺术的产生奠定了基础。现代派绘画大师毕加索的蓝色时期的绘画作品开启了油画刻画主观感情及表达的先河，同时也是现代色彩心理学在绘画中的首次运用。表现主义的先驱蒙克将主观感情的表达与色彩艺术语言融合更是发挥到极致。其后抽象表现主义在色彩运用上综合了后印象派、野兽派及表现主义绘画的色彩特点，用色彩来表达一个非具象的世界。波普艺术的色彩早在20世纪的50年代已应运而生，艺术家一方面在反思艺术的走向，另一方面又在反思当下的生活，他们认为最好的艺术应该就是生活，于是他们的艺术作品便大量取材于生活中实物，譬如广告招贴画、譬如娱乐明星、譬如生活中的汤罐之类的东西，都是生活中触手可及的材料和现成品，其色彩鲜艳时尚充满商业性……
二、油画色彩的主观性和装饰性
油画色彩的主观性是相对客观对象本身所呈现的色彩而言的。艺术家在画面上不再现或不完全再现自然物象的真实色彩感觉，而是根据作品主题和画面的需要对色彩进行再创造，使它成为具有个性的艺术语言，以表达主体的情感、意念，使油画作品获得更强烈的视觉表现效果和特定的精神内涵。
色彩从远古时期就是人们装饰生活、美化生活的主要手段。古代先民用红黄白等颜料涂抹身体和脸部来装饰自己。随着文明的发展，色彩的装饰功能被更多地发挥利用，在陶罐上描绘花纹，在建筑物上镶嵌彩色马赛克，在纺织品中交织印染各种绚丽的图案色彩的这种装饰作用，在油画中也得到体现。19世纪末的后印象主义、纳比派、维也纳分离派、野兽派等，在印象派的基础上，又吸收了东方艺术中的单纯感和平面感，追求那种音乐般令人愉快的色彩组合，因此油画色彩更具有装饰性。
三、当代艺术家油画作品的色彩语言
大卫·霍克尼(David Hockney)是英国最杰出的画家之一，他被称为是“英国活着的最出名画家”，其绘画对色彩的应用上更具有主观性，而非科学、理性地对客观对象进行描摹、再现。画面色彩更加具有形式感和绘画性，不再是二维平面对三维空间的模仿。 其绘画在色彩的运用上多使用纯色及对比色，画面中的色彩强烈而单纯，画作辨识度极高，鲜亮不羁的用色、富于创造力的构图，都使得观众一眼难忘，数十年中霍克尼绘画都吸取这种波普艺术的用色特点，又创造性地融入他的绘画之中。
中国艺术家方力钧在早期进行一些黑白单色绘画实验之后,一方面继续画单色画, 另一方面逐渐通过限制色彩来进行新的尝试,后期大部分作品突出四种基本色彩:红色、黄色、灰蓝色和绿色。画面没有一笔是以写实的色彩描绘,却营造了一种梦幻的真实。作品《2001.9.23》,整幅画面给人的第一感觉就是色彩单纯、艳丽,透露出一种“世俗”的艺术追求,画面运用高纯度的红、黄、蓝、绿等呈现出色彩关系的极度不和谐性,画面上人物的笑容都是那么的无聊庸俗,以至于这种颓唐而夸张的笑让人感到灵魂早己滞灭的行尸走肉般的窒息。人物面部与身上衣服色彩处理几乎一样, 画面上蓝色的山脉加之鲜艳的红花、黄花等所营造的氛围，都表现出艺术家对于单纯色彩所产生的强烈艺术效果的极力追求。
四、当代艺术创作中油画色彩的特点
(漫)艺术创作的文化依托中原文化在整个中华文明体系中具有发端和母体的地位，从古老传说中的“开天”、“女蜗造人”、“三皇五帝”、“河图洛书”到早期的裴李岗文化、仰韶文化等考古学文化，都发生在中原。夏、商、周三代，被视为中华文明的根源，同样发源于中原。作为东方文明轴心时代标志的儒、道、墨、法等诸子思想，也正是在研究总结三代文明的基础上而生成与中原。
在动(漫)画艺术的创作活动中，文化的根源性可以作为其地域性特色而被利用，特别是在动(漫)画的情节与内容上，中原文化中远古时期的神话传说、中国古代思想观念产生的根源性探求等都可以作为故事主题运用在其剧情创作上，这样不仅增加了内容的神秘感与丰富性，而且还能更好地体现出文化的厚重感，使民族化特征更加鲜明，更易于焕起整个民族的情感记忆，产生思想共鸣与文化认同。我国的动(漫)画创作中的想象力从哪里来?其中最好的体现方式就是深人挖掘我国传统文化的根源性特征，创建丰富的动(漫)画创作内容体系，最终形成可用于动画表现的现代语言。
此外，一种文化产业是否能存活下来并能很好地发展下去，要看它是否真正扎根于本民族的文化沃土，生长成涌动着本民族文化热血的鲜活的生命体，否则它必定是无源之水，终将干涸。日本和美国的动画虽然不过分强调民族化，但在日本动画中我们不难看出其中隐含的生存危机感，而美国动画中也恰恰反映了自由轻松，幽默的民族特性。中国动画从诞生之初，就有着强烈的民族性，1941年万氏兄弟制作的中国第一部长片动画《铁扇公主》就是一部有着浓郁中国民族风格的动画片。建国之后上海美术电影制片厂厂长特伟提出了“走民族风格之路”的口号，之后上海美术电影厂做出了一大批具有民族特色的动画影片，如《哪吃闹海》、《七色鹿》、《牧笛》、《小蛾鲜找妈妈》等，这些影片不但在国内受到好评价，同时也得到了世界的认可。由此可见，只要拥有了自己的文化特色，动(漫)画创作才能独树一帜，得到大众的认可。
二、从中原文化的包容性特征解读动
(漫)艺术创作的文化依托包容性使得中原文化具有兼容众善、合而成体的特点。中原文化通过经济、战争、宗教、人口普迁徙等众多渠道，吸纳了周边多种文化中的优秀成分，实现了物质文化、制度文化和思想观念的全面融合与不断升华。考古人员发现，20万年前南北文化就交汇在中原一带，进人新石器时代后，文化交流更为频繁，文化融合更为深化。新石器时代中原文化与周边地域文化具有许多共同点，中原的大坟口文化就是东夷集团的海岱民族和中原民族交往、融合的结果;郑州大河村遗址中出土的一些富有山东大泣口文化特征的陶器，说明河南文化在那时就开始吸收周边文化成果，熔铸了自己的文化。胡服、胡乐、胡舞、胡人食品在汉唐间传人中原，都融人河南文化之中。世界其他地区的宗教基本都具有排他性，但是作为外来宗教的佛教传人中原，却被河南本土的儒道文化所接纳，同时也成为中原文化和中华文化的重要组成部分。这种文化的包容性对动漫文化的发展也有着非常重要的意义，在动漫的创作中，本土文化固然很重要，如果同时纳人其它文化于其中，这样不仅能突出本土文化的特色，而且对于其它不同文化也是一种很好的融合和宣扬。
三、从中原文化的开放性特征解读动(漫)艺术创作的文化依托
质是建立在强大的文化自信上的。有了好的传统文化的支撑，体现在动画创作活动中，就要有突出的动(漫)画形象，这种形象必须要具有本土原创性特征。中原地区拥有大量宝贵的历史文化资源，但动漫产品却难以突破创作中形象不突出的瓶颈。动(漫)画最终赢得观众和市场的还是要以内容创新为基础，以高新科技手段和艺术相结合创造出来的具有深度内涵的优秀作品，在突出动漫的原创性时，可以利用中原的文化特色创造动(漫)画形象，如中原的太极拳文化，由此可以创造出一些太极卡通人物;利用豫剧和地方戏剧，可以创造出别具特色的戏剧动漫和卡通形象，等等。总之，作为站在时代浪尖上的动画创作者理应坚持自我，而不是对西方文化的顶礼膜拜，把自己本土的文化通过动画艺术的演绎推向世界，这才是体现中原文化开放性的最本原的文化自觉。
四、结语
公共艺术设计选材的原生态之美材料是艺术品的载体，公共艺术通过材料构成作品本身并表达存在的意义。就原生态设计理念而言，公共艺术选择材料首先应遵循无毒无害、可循环利用的原则。特别是在乡村社区，竹、陶等材料远远大于金属、塑料的利用率，不仅是因为这些材料的成本少，更是因为这种材料制作的作品饱含了丰富的文化底蕴和地域特色，使人们的情感归属得到很大程度的满足。其次，公共艺术材料的使用还应充分考虑作品和环境的关系，强调材料与作品主题的统一性，使作品意义与空间环境浑然天成。
公共艺术设计造型的原生态之美原生态理念崇尚的是自然与人文，它来自于民间，由于地域、习俗、文化的不同，原生态艺术也是千姿百态，各有韵味。但无论原生态艺术的造型风格如何多变，它必定是与周围环境相融洽的；只有与环境共生，公共艺术才能真正实现其价值。如英国雕塑家保拉•郝妮（PaulaHaughney）的《码头工人的记忆》，是一个两只大手捧握的圆球体，在球体上用刻线方法画有鱼、螃蟹、绳索、贝壳等物体。作者在创作之初在当地充分调研，了解到这里是退休海员的居住区，因此产生创作灵感，即“一双码头工人的大手”握有对这个世界的深刻记忆，与周围居民心灵产生共鸣。
公共艺术设计形式的原生态之美公共艺术在创作时不应拘泥于特定的形式，它可以是在已有形式上的再加工，也可以是一种大胆的尝试。但无论何种形式，都应是对现实生活的反映和情感的表达。原生态理念从形式上应对环境要素合理利用，是对自然、文化的自然流露，可以使公共艺术更具有人情味。如在已存在的媒介上进行再设计，尊重传统与自然；关注反复循环可再生的艺术形式；鼓励民众真正参与到公共艺术的设计、创作及使用的过程中来。
中国传统村落一直以“天人合一”、“历史文脉”作为其发展理念，与传统村落的生态文化、自然环境、建筑、公共雕塑、壁画等文化活动一脉相承。原生态设计理念在公共艺术中的渗透，还原了公共艺术淳朴、自然的本质，在设计中尽量利用村落社区自身的人文历史等背景元素，并结合材料和艺术手段表现作品的主题，使其成为能够与民众交流的活的艺术，同时也能够使农村社区重新成为充满活力与历史底蕴的生态社区。
公共艺术设计要传承传统文化鲁迅先生曾说过，越是民族的，越是世界的。历史文化、人文精神是一个地方的历史积淀，是可以作为区别于其他地方的独具价值的因素，将这种优势运用在现代公共艺术中，不仅发扬、传承了传统文化，而且这种结合又能增加作品的艺术价值。
公共艺术设计要满足农民精神需求对于农村社区而言，农民为主体，农村社区公共艺术的创作，归根结底应以满足农民的精神需求为己任。首先，作为农村社区的公共艺术创造者应深入到农村之中，真正去倾听农民的心声，了解农村的传统、农民的日常生活，搞清楚老、中、青、少不同的想法，才有可能创作出符合农村实际情况、农民愿意接受且符合地域特色的公共艺术。其次，充分发挥农民主体作用，让农民真正参与到具体的方案制定和实施过程中去，使设计充分体现当地人的喜好和地域特色。最后，应强化地方政府职能，完善各项相关机制，重视农村的精神文明建设，引导建立一种“农村文化生活”的长效管理机制。
[关键词]电影；莫扎特；歌剧创作；时代背景；艺术特征
电影《莫扎特传》生动地再现了18世纪最伟大的音乐家之――莫扎特短暂而传奇的一生。电影中不仅艺术地展示了他不平凡的生活轨迹，也从另一个侧面揭示出莫扎特歌剧创作在他艺术创作中的重要性，以及莫扎特歌剧创作的艺术特征。
莫扎特的歌剧无论是从音乐上还是从题材上，都逐渐形成了独具魅力的个人特色，他为德国民族歌剧的发展做出了伟大的贡献。莫扎特在继承传统的同时，还不断的探索新的艺术风格和表现手法。他在继承和发展中逐步形成了自己独特的音乐风格。
歌剧是莫扎特音乐创作的重要领域，他的典雅、轻快的艺术风格在他的几部代表作中表现得淋漓尽致。作品中各人物形象都反映了他强调音乐在塑造、刻画和反映人物内心世界的巨大作用。在歌剧中，他善于用音乐赋予每个角色独特的个性，使作品散发出瑰丽的艺术风采，以至于有人说：“莫扎特是18世纪伟大的音乐肖像画家”。在莫扎特的歌剧中，大都注有这些速度术语，快板、小快板、很快、活泼的快板、急速的快板等，在旋律上追求自然轻松、精巧、典雅、纯净的线条，音色晶亮透明，圆润优美，节奏均匀，生动活泼，轻快的节奏与优美旋律的交融，都充分体现了莫扎特歌剧中的典雅、轻快的艺术特征。在电影中莫扎特把歌剧《魔笛》第二幕夜女王的咏叹调《我心中狂怒，我一定要报仇》的高难度花腔演唱充分把夜女王对女儿的爱恨悲愤的复杂之情表现出来。
莫扎特是位天使般的音乐家，电影中展现了他非常坎坷的一生，但他从不把生活中的坎坷体现在作品中而是通过他那高超的技法，让音乐顺其自然，刻画细腻，赋予角色个性化，用音乐语言复活剧中人物形象，把每个角色活灵活现，生动、真实地展现在观众面前，让观众更好地了解剧中人物的内心世界。
莫扎特在《费加罗的婚礼》这部歌剧中大胆地废弃了原来意大利歌剧体裁中偏重于表面夸张的手法而赋予了更深的抒情性，并与喜剧性巧妙地结合在一起，生活气息浓郁，人物个性突出，从而形成莫扎特歌剧的鲜明特色和独特风格。他使每个角色的音乐均有符合自己基本性格的一些特点，并且在歌剧情节的发展中始终保持着他们的基本面貌。歌剧中音乐注重人物性格和心态的描写，既有前后连贯的统一性，更着力刻画不同人物此时此刻的复杂心理，表现手法灵活新颖，例如在凯鲁比诺所唱的咏叹调《你们可知道，什么叫爱情》中，表达了这位幼稚的年轻人对爱情的感受与追求爱情的决心，音乐生动而成功地描绘了他真诚、率直、困惑、兴奋、激动等多种复杂的内心活动，成为以后音乐会上经常演唱的曲目。
在莫扎特的歌剧中，剧中人物刻画之细腻，极富个性化，使得不论男声、女声、高音、低音，各类声部都能在他的歌剧中找到著名的咏叹调。以女高音为例就可找到四种不同性格的类型。第一种是轻快型，如《费加罗的婚礼》中第四幕苏珊娜演唱的宣叙调，正是用活泼、灵巧、幽雅的旋律表现了她聪明伶俐的个性特点。第三种是端庄型，多有贵族女人的气派，如《费加罗的婚礼》中第二幕伯爵夫人的谣唱曲，通过抒情的旋律来表现伯爵夫人内心对苏珊娜的忌妒和害怕失去伯爵，但是在形式上又不能失去伯爵夫人尊严的极富戏剧性的情感。第三种是弱女型，如《魔笛》中第二幕帕米娜的咏叹调。歌唱极富抒情性，利用小调色彩，柔和暗淡的旋律，表现出她一方面渴望爱情，另一方面又面对母亲悲愤的指责和嫌弃深感万般无助的柔弱女子的个性特点。第四种是冲劲型，典型的莫过于《魔笛》中夜女王带有戏剧性激情的花腔演唱。
莫扎特在创作中，始终强调音乐的可接受性、通俗性，语言平易近人，形式结构清晰严谨，思想感情深邃宽广，力求使音乐与听众的心理形成共鸣。他在1780年给父亲的一封信中说：“你不必担心你所说的通俗性：除了驴子耳朵以外，各种人所需要的东西，我的歌剧中都应有尽有了。”歌剧《魔笛》中体现得更为深刻，把神秘、圣洁的宗教色彩和明朗、欢快的世俗色彩奇妙的结合了起来。为德国近代民族歌剧的建立和发展，起到了不可忽视的重要作用和深远的影响。
莫扎特的歌剧是时代和他个人生活经历的缩影。18世纪下半叶，正是欧洲历史上反封建斗争最尖锐的时期。由于启蒙运动的影响，莫扎特的作品体现了对民主与自由的孜孜不倦的追求，由于亲身体验了、冷遇、贫穷和疾病，他的歌剧题材具有鲜明的时代特征和生活背景，歌剧人物和音乐具有极强的典型化特征，表现了对进步、光明的向往和对旧势力的反抗的思想主流。莫扎特身上体现出一种坚定、乐观的阶级意识，一切生活的艰难困苦都不能使他忧郁、屈服和动摇，因此在莫扎特生活最艰苦的岁月，他的音乐中仍保留着光辉灿烂和明朗活泼的情绪。
莫扎特和一切进步的德国知识分子一样，非常热爱自己的祖国。民族意识的觉醒推动着他对创立德国自己的民族歌剧十分关心，并作出贡献。他在歌剧创作中吸取了许多德国传统的民歌、新教圣咏，同时也创造性的借鉴了过去正歌剧以及意大利喜歌剧的因素来丰富歌唱剧这种体裁，为德国民族大歌剧体裁的发展奠定了基础。莫扎特的歌剧表现出强烈的民族精神和强烈的民间气息，开德奥民族歌剧之先河。
莫扎特的歌剧极富旋律性和表现力，充满活泼和乐观向上的情绪，音乐形象独特鲜明，乐思新颖敏捷，手法细腻多变，作品具有诗情画意般的风格和轻灵、飘逸的意境。音乐语汇简明质朴、平易近人，通俗与深刻巧妙结合，正如他自己所说的“使内行得到满意，外行也在不知不觉间感到满意”。这使他的作品雅俗共赏，流传至今仍有无穷的魅力。
一、杂技艺术首先要考虑视觉感受并提升美感
传统的杂技艺术之所以可以流传至今，其中最重要的因素就是它贴近生活、展现生活。我国的传统杂技艺术基本上都以人体的技术为主体，表演者通过人体技能的演绎来丰富杂技的艺术形式，从而不断提高杂技的艺术价值。杂技的展现对表演者的体态有着非常高的要求，无论是展现什么样的艺术形式，都考察杂技表演者的身体素质以及对节奏、空间的把握程度，当肢体和智慧融为一体就可以大大提升观众的视觉感受，提升总体的美感。中国的杂技大多数都是以惊奇为主，刚开始是简单的肢体表演，然后慢慢从简入深，随着难度加大观众的情绪高涨，最后让人感叹不已。
杂技艺术大多数都是在晚会中呈现，但如果一味追求刺激和惊险而忽略它的美感，那么这个节目并不算是一个非常完美的杂技节目。杂技的美感及观赏程度需要根据场合、气氛而定，既要惊险也要放松活跃，既严肃，也要幽默风趣，这样才会给人留下深刻印象，回味十足。和国外的表演艺术相比，我国的传统节目更适合在中小舞台上表演，比如一些悬空的杂技表演、驯兽类的节目就需要在结合中国传统的同时借鉴国外的创新之处，这样才不会让观众看得乏味，也要适当丰富表演内容、提高表演难度，这样才能满足观众对美感的需求。
二、杂技表演的稳定性不容忽视
杂技艺术一定是根据演绎者自身的身体情况及心理状态去创作并演绎的，表演者首先要能驾驭这个技能从而才能更好地去展现这门艺术。就比如我国表演最多的口技、手技、车技、双人技等，这些技巧可谓是最基本、也是最常见且大家最喜欢的艺术表演形式。为此，表演者很好地把握和运用技能才能演绎成功，而情感和音乐节奏的稳定性也是取胜关键。由此可见，无论节目的表演形式是什么，内容是什么，或者它的难易程度如何，稳定性是杂技表演获得成功的基础，只有当稳定性提高了，才可以进一步提升演绎技巧、增加表演难度来提升作品的整体质量。
另外，在创作杂技艺术的同时也要考虑观众的感受，节目一定要让观众接受，不要只从演员的心理出发而忽略了观众的感受。杂技表演和其他的表演有着本质区别，和歌舞相声类节目相比，它增加了很多不确定因素，所以杂技节目失败也是比较普遍的，尤其是一些表演难度比较大的节目危险因素增加，所以对于杂技表演者来说，表演的稳定性是不容小觑的。而杂技艺术的美感和表演稳定性是相辅相成的，要想提升视觉的美感首先就要稳定，如果表演不稳定，就呈现不出杂技艺术的美感。
三、杂技内容要丰富，敢于创新
杂技艺术主要是通过形体表演传递给观众的，即便没有语言它也能带给大家视觉感受和内心感受，从而带给大家更多的启发和感悟。杂技艺术展示了表演者不凡、精湛的技能，同时也向大家展现了我国不同民族的风采和特点，因此，在创作艺术内容的时候就要以展现我国的传统文化、勤劳勇敢的人民形象为主体，因为这个节目所包含的不仅仅只是形态艺术，还有我国的智慧与文化，最后再通过一些道具的配合就会让这个节目更加耀眼，比如盘、碗、绳、坛等工具就是运用最多的，这些最普通的工具在演员的操作下就显得与众不同了。最后，对于杂技作品的编排需要从细节入手，比如对动作技巧的研究就必不可少，节目的内容也是围绕技巧去编排，包括每一个动作细节、环节都要去合理、精心设计，像服装、道具、化妆能为整个节目加分。杂技节目就像是一款产品，当环节设计得非常精心、完美它就能深入人心，让人印象深刻。
随着全球互联网技术快速提升，在这样一个信息时代中，大家对艺术要求提高，所以，表演艺术家就应该挖掘更多的精神美感，在表演结构上也要开拓新的空间，可以和国际的一些演艺家多接触、多学习，争取在艺术形式和内容上都能增加更多的创新因素，这样才能根据现代的时代特点创作出受人追捧的艺术作品。
艺术本身也在随着时代的变化而不断呈现新的特点，而创新对于一门艺术的发展起到了至关重要的作用，如果一旦追求传统而忽略了创新，那么这门艺术无疑被淘汰，而创新在某种意义上来说是提高了艺术层次。杂技创作本身就要在抓住本体的同时再去提高它，这样就能让杂技艺术得到更好的继承。不仅如此，我国的音乐、舞蹈、武术也得到了发展，因为这些艺术家敢于尝试新的东西，通过学习西方技术从而丰富艺术本身，从而满足了不同时代观众的审美需求。
四、对杂技艺术的期待和展望
