时间:2023-04-08 11:44:36
序论:在您撰写设计艺术论文时,参考他人的优秀作品可以开阔视野,小编为您整理的7篇范文,希望这些建议能够激发您的创作热情,引导您走向新的创作高度。
摘要:伴随着当今社会经济的快速发展,物质生活得到不同程度的丰富,使得人民对生活各方面的要求都逐渐升高,进而更加注重享受精神层次的感受,同时室内设计是人们在生活中最基本的一种精神享受,在当今人们相对青睐将自己室内的设计和建筑的设计达成一体化的风格效果。就室内设计而言,应该原则上与建筑设计相互辉映,但是为了在施工时给施工队提供便利和减少建设成本,很多设计者在进行室内设计时往往不能和建筑设计的风格关联起来,出现与大部分人的审美相对立的不良现象。如果室内设计时能与建筑设计相关联起来,不仅符合人们的审美品位,同时依据建筑的结构提高其建筑质量,增加其寿命。文章在介绍室内设计与建筑设计达成一体化的重要性的同时,剖析一体化设计时普遍出现的问题并提出建议。
关键词:室内设计;建筑设计;一体化
现如今伴随社会经济和文化的飞速发展,对于住宅审美的要求越来越高,从传统的只在乎房屋实用性转变为实用和美观兼并,因此这对室内设计和建筑设计有了更高的要求和挑战[1]。若需要使室内设计和建筑设计实现一体化的效果,就需要将二者有机结合起来,将一体化贯穿其中,进而使建筑设计和室内设计的细节环环相扣,才能做到建筑无论是外表还是内部均实现美观与实用兼备的效果。
1室内设街与建筑设计的含义
人们常说的装修设计便是室内设计,其范围涵盖功能布局、环境的设计、空间的设计和界面的设计,通过合理的规划将空间的使用效率发挥到最大,同时也能将个性化设计程度表现到最大化,对此需要对房屋的用途及业主的喜好和实用性来综合考虑后进行精心设计[2]。而建筑设计涵盖建筑外部、建筑内部和公共设施,这需要通过一系列专业的建筑勘探和地理、气候与人文因素综合考虑来进行设计,同时还需要对建筑物的风格和建材等依据实际情况来进行选择,当设计的建筑物为住宅时还需要考虑周围具有服务性的景观建筑的设计[3]。在设计中,首先要考虑建筑的结构,这将关系到建筑的安全性和使用寿命;其次根据建筑的使用用途和业主的要求进行设计,在进行建筑材料的选择时需要选择安全性好、性价比高的材料;最后通过水电、制冷暖设备和安保设备与建筑有机结合来完成建筑设计。
2现状
室内设计从引入至今仅经过短短几年的发育,在建国时期大多都是以简便的家具摆放作为居民内部装饰。在当今,室内设计主要分为以下方向:①建筑商在进行交易后给予业主交付毛胚房,由业主自行选择内部设计;②通过建筑商的集体性内部设计并且装修过后交付业主[4]。在两者中均存在不合理的现象。业主在进行毛胚房的装修时,往往会因为对建筑商在初期房屋建设时的水电设置不熟悉,导致在装修的过程中根据个人喜好的差异耗费大量时间精力作二次修改,易造成人力和精力的浪费[5];装修时,大部分业主均没有室内设计的基础知识,通常会随心所欲地进行装修,这容易在装修过程中出不安全因素,如在装修中不经意间破坏承重墙等[6];综合起来最终将会影响到业主的入住时间、使用寿命和安全性。但是由建筑商进行设计又会出现缺乏个性化的问题,所以说的房屋装修模式仍然有不少弊端。
3意义
室内设计与建筑设计实现一体化具有相对特殊的意义,主要体现为:①对建筑的整体空间结构进行优化进而节约资源。在进行建设时建筑设计者和室内设计者可以对两者的冲突进行磨合,进而避免出现浪费和损失;②通过对业主的审美和个性化需求,并且结合建筑的结构和风格作出符合业主品味和要求的设计;③能够由设计师充分和建筑工人进行沟通,高效的完成一系列装修工作;同时在采购物品时也能根据一定的专业知识采购性价比高的物品。
4途径
4.1两者设计师均参与总体设计
在实现室内设计和建筑设计的一体化过程中,两者设计师需要进行足够的沟通。当进行建筑设计时,室内设计师需要及时和建筑设计师进行整体结构方面的沟通,如室内设计师有进行室内设计时的想法需要对房屋结构有要求时可以及时与建筑设计师进行沟通,通过该种方法将能够充分利用空间,进而实现一体化设计[7]。建筑设计在室内设计中一直被视为框架,如果设计不当将会给室内设计带来极大的限制。所以只有在建筑初期两者设计师能充分沟通彼此的想法才能实现二者的结合。
4.2将两者的风格相互融合
通过对业主的个性化要求和建筑设计的整体风格,将室内设计在心理活动、文化内涵和视觉效果等方面进行设计。人的主观印象与所看到物体的颜色、大小和形状有关,且视觉是人们直接获取外界信息的一种感官方式,所以在进行一体化设计时着重从视觉方向入手。在这个过程中需挖掘前沿的设计信息并将其融入其中,让其在视觉上达到流行和和谐的高度。在软装设计上可选择具有一定颜色和图案的器具,或者搭配使用某种灯具来衬托其中的艺术感。在进行室内设计时需要参考该室的功能来进行设计,如对政府部门进行室内设计时要使用干净整洁且稍带些严肃的风格进行设计;进行幼儿园的室内设计时,需要充分考虑儿童的尺度,可适当搭配一些低饱和度的色彩进行童趣空间的表达。可通过一些元素进行室内与室外风格的融合,常用的有色彩或图案等。通过将风格的融合,使得一体化的效果更显著。
5结束语
在社会经济和文化飞速发展的今天,人们对生活审美的追求更加看重,在进行房屋设计时设计者应该主动积极的将室内设计与建筑设计达成一体化[8]。在原理均可通用的设计类行业中,室内的设计与建筑的设计二者之间往往有着千丝万缕的联系,但在在结构等方面又有些制约,在进行建筑和室内的设计时两者的设计师可以在沟通中对两者的冲突项进行磨合、互补项进行结合。设计师在进行室内设计的过程中,需要将前沿设计理念运用其中,并且对可用资源进行合理的分配,在所呈现的视觉效果、文化内涵上均与建设的风格实现一体化,给人一种和谐美的感受。
参考文献:
[1]徐超.室内设计与建筑设计在“时空”维度中的关系[D].河北大学,2007.
[2]赵淑丽.住宅室内设计与建筑设计的一体化[J].商品与质量,2016,(10):144.
[3]常美娜.色彩在室内设计中的应用[J].工程技术研究,2016,(6):242.
[4]李艳彩.景观元素在室内设计中的应用[J].工程技术研究,2016,(6):251-252.
[5]陈慧.室内设计中的视觉心理学体现方式研究[J].住宅与房地产,2017,(17):93.
奥运精神是体现在奥运标志设计中的理念部分,而在外观设计上则是依据其理念进行图形、色彩、文字的组合变化,是理念的直观表现。因此,标志的艺术创意与奥运精神在形式上相辅相成,结合历史文化与时展,从内容上进行融合升华。2004年,希腊雅典奥运会标志使用了希腊国旗颜色的蓝色和白色作为标志主色,蓝色代表爱琴海,白色代表着希腊最具代表性的白色大理石建筑,而标志上的图案,则取自雅典市市树橄榄树,以白色勾勒的在古代奥运会颁发给冠军的圣物橄榄枝条,象征和平。雅典奥运会是“9•11”事件后的第一个奥运会,在全球部分地区接二连三受到恐怖袭击的背景下,该届奥运会的安保工作备受瞩目,从本届奥运会标志设计的要素来看,传达的信息像在告诉全世界:世界是一个共同体,和平是人类共同的呼声。而这种通过点、线、面、色的来自艺术创意的和平宣告,也正是奥运会“友谊、团结”本质思想在社会命运共同体面前的一种跨领域、民族性、国际化的精神升华。
2民族文化在奥运标志中的创意体现
民族文化是各民族在其历史发展过程中创造和发展起来的具有本民族特点的文化,包括物质文化和精神文化。饮食、衣着、住宅、生产工具,属于物质文化的内容;语言、文字、文学、科学、艺术、哲学、宗教、风俗、节日和传统等,属于精神文化的内容。民族文化反映了该民族历史的发展水平,也是本民族赖以生存发展的文化根基所在。2000年,澳大利亚悉尼奥运会标志是一个奔向新世纪的运动员形象,热情、奔放,线条厚重、随意,传递了澳大利亚人追崇自由和无拘无束的民族文化;造型上,上部是悉尼歌剧院的外轮廓曲线,它是澳大利亚最著名的标志性建筑之一,作为奥运会举办地的象征不言而喻,而用太阳、岩石塑造的头部、手,使用土著“回旋标”巧妙形塑运动员的下半身,作为澳大利亚民族文化的主要源流之一,澳洲土著文化在标志上得到显著的体现。整个标志色彩语言寓意深刻:蓝色的海港,黄色的太阳、沙滩以及红色的内陆土地,无不体现了澳大利亚独特的地理位置和浓厚的文化气息。美国历史上曾举办了四届奥运会,纵观这四届奥运会标志,即便其设计风格上是由写实到抽象的演变,但不难看出其设计元素始终贯穿着创新的基因以及自由的气息,这也印证了美国人的格言:不冒险就不会有大的成功,胆小鬼永远不会有所作为,不创新即死亡。1996年,亚特兰大奥运会是现代奥运百年诞辰,是奥运大团圆的盛事,标志整体是一个矩形,从1956年澳大利亚墨尔本奥运会以后,在设计布局上再次出现“海报式”的设计。本届奥运会标志的主体元素是一把火炬,由象征奥运百年的阿拉伯数字100以及奥运固定的标志“奥运五环”组成的火炬底部设计巧妙而稳固,熊熊燃烧的圣火由五颜六色的星星形成,象征着在奥运百年历史的卓越成就,标志中的绿色象征着亚特兰大市树月桂枝,而金色象征着奥运会最高的荣誉——金牌。在设计形式上,矩形的标志造型规整稳重,彰显着美国庄重的民族自豪感,标志大面积使用绿色,代表健康,象征着美国这个建国只有200多年历史的移民国家生机勃勃的状态。1992年,第25届奥运会在西班牙巴塞罗那举行,地处地中海沿岸的西班牙是一个阳光充沛、少雨多晴的国家。在地中海文化中,太阳、生命、大海是三个永恒的主题,标志使用的红、黄、蓝三个色块完美地诠释了该文化内涵。红色象征生命、黄色代表太阳、蓝色则比喻浩瀚的大海,三个色块结合而成犹如张开双臂奔跑的人形,充满活力,仿佛在欢迎全世界的运动员和观众,同时欢快的造型也符合西班牙人热情奔放、无拘无束的性格特征。
3传统元素对奥运标志设计的影响
传统元素,是指某个国家或地区独有的文化元素,如中国的春节、汉字、中国结、祥云等;美国的独立日、自由女神像、火鸡等。传统元素在各国各地区人们的生活中沉淀,成为其独有的或者显著的节日或事物,成为一个国家或地区代表性的文化元素。在历届奥运会标志设计中,传统元素的嵌入使标志的文化性更加凸显。2600年前,古罗马帝国以征服者的姿态,把古代奥运从希腊奥林匹克强行迁移到古罗马。1960年,象征着和平和友谊的第17届夏季奥林匹克运动会在罗马胜利举办。该届奥运会标志的主体是一个母狼哺乳两只婴儿的形象,图形取自罗马城城徽。传说母狼哺乳的两个婴儿之一就是罗马城第一任国王罗幕洛斯,而镶在标志中部黑色框的“MCMLX”字母则是拉丁文“1960”的意思,使用“母狼乳婴”图案是该标志最引人注目之处,不仅让世界走进罗马,更能以“母狼乳婴”传统图案为介质宣传古罗马的历史。1980年,莫斯科奥运会标志的主体部分,使用了象征莫斯科当地的建筑风格的几何图案。莫斯科当地的建筑荟萃各种建筑流派的风格,既浓缩了巴洛克风格,又有古典主义建筑的圆柱形和匠心独具的装饰。在标志的主体色上,继1976年加拿大蒙特利尔奥运会标志使用“枫叶红”的红彩后,本届奥运会标志使用了莫斯科“红场”的红色,俄罗斯的建筑用色非常广泛,红色、绿色、黄色,或与白色搭配。红场是俄罗斯最古老的广场,是俄罗斯重大历史事件的见证场所,在世界范围内是一个著名建筑,标志使用红色直接响应举办地的地标建筑。2016年,巴西里约热内卢奥运会…“面包山”形象的标志让人记忆深刻。巴西是一个热情洋溢的国度,从巴西的沙滩排球到足球、桑巴舞,巴西人毫不掩饰自己的热情,标志中三人手脚相连的形态传达了巴西人对参赛运动员及观众的热情欢迎,人是奥运会的主体,动态的人更是展示运动的力量感,贴切了运动会的属性。在标志的配色上使用了巴西国旗的绿、黄、蓝三色,象征着巴西茂密的丛林和丰富的矿产资源,使用国旗传统的绿色和黄色元素,符合里约绿色奥运理念和激情巴西奥运的主题。
总之,在体现奥运精神和诉求的前提下,在艺术创意上,民族文化和传统元素在奥运标志上的适量使用,是奥运标志设计的主要手法。奥运标志设计既是一个整体,也是个体,每一届奥运标志的设计其实都是各国各地区展示民族精神、传统文化的有力介质。
参考文献:
[1]汤瑾瑜.图形创意在企业标志设计中的应用[J].湖北经济学院学报(人文社会科学版),2016(02):60-61.
[2]熊薇薇.奥运标志设计:创意与表达的艺术辩证法[J].体育文化导刊,2012(10):148-151.
【关键词】福梅园艺术赏析
福梅园,位于重庆市北碚区静观镇腊梅基地内,占地面积约为10565.00平方米。界内地形呈自然浅丘状,相对标高差12.6米,西北隅奇石嶙峋,自然山地景观独特,有挖掘潜力。现种有腊梅、松树等观赏植物。
腊梅,chimonanthuspraecoxLink腊梅科植物,落叶灌木,叶对生,椭圆状卵形至卵状披针形,先端渐尖,全缘粗糙,11月-1月带叶盛开,黄色腊质杯状花卉,自古至今咏梅、赞梅者枚不胜举。如:《广群芳谱》、《墨梅》、《学圃余疏》、《花疏》等。“松、竹、梅”被誉为“岁寒三友”;“梅、兰、竹、菊”被誉为“四君子”。中国历代“梅痴”、“梅痞”层出不穷。如:宋朝“画梅圣手”杨补之,一生以画匠仲仁僧“墨晕梅花法”为范,大事绘梅,其作品被收入南宋临安皇宫。传闻“宫墙画中盛开的梅花常引来蜂蝶扑画,宫女太监驱之不散的奇景。”元朝“画梅高手”王冕,隐居九里山,号梅花屋主。筑室三盈,环植梅花,过着“山中煮石乍归来,满树琼花顷刻开”的意境生活。
清朝咸丰年间画梅者彭玉麟,一生“狂写梅花十万枝”。传闻彭玉麟表妹名梅仙,两者自幼青梅竹马并在梅树下私订终身,然而,在封建制度下梅姑娘被迫改嫁他人,梅姑娘不从殉情。彭玉麟痛不欲生,从此将“爱”全部寄托于梅花之上,每画“梅图”后,均加盖“一生知己是梅花”的鲜红印章。
梅者,冰肌傲骨、梅开五福。梅花绽开五瓣,常象征着快乐、幸福、长寿、顺利、和平。竹梅双喜,常以竹喻夫、梅喻妻,两者永远不分离。
福梅园,按照总体园林空间序列设计类型、干道交通组织设计以及“观梅、祈寿、祝福”等为设计手法,有机地将全园划分为四个功能区,即:福梅寿韵、茶香书海、四德赋、玩趣区等。
一、福梅寿韵
位于园内西侧,占地面积约为3600.00平方米。由山门区、蹬梅道、腊梅品展室、盆景园等四个主要景点组成。
1.山门区。由静观镇从园西南隅进入,四米车道直抵山门广场。整个山门区借用槽凹地形设置照壁、二柱带跨楼柱出头牌楼,强调主入口文化氛围。
照壁,长×高=8米×6米,为砖混结构琉璃头照壁,壁中央设置琉璃麒麟浮雕图像,以示“正气、压邪、傲气、吉祥”。
二柱带跨楼柱出头牌楼,系全园主入口,门阔8米,复道。牌楼上匾额题咏:福梅园。两侧对联取自坡咏梅绝句:“万花敢向雪中出,一树独开天下春。”
2.蹬梅道。由山门进入拾级而上,隐喻:喜鹊蹬梅。喜鹊早春报梅,吉祥如意。另外,整个山道设计为三段五十一级。拟将人生路划为三段,即:
苦道—以爬坡上坎为主,以长坡道、曲折道为喻意。
甜道—借梅化香道为主要观赏,可谓“十年不到香雪海,梅花忆我我忆梅。”(吴昌硕)
回味道—以百寿祈福为主要设计思路,设置了龟寿地浮雕、百寿山、摸福墙等。
3.腊梅品展室。系歇山顶二层仿古建筑,占地面积208平方米。展室内主要展示:腊梅的历史文脉、咏梅、赞梅的名句名联;腊梅品种志展览;腊梅的墓志铭、拓片以及腊梅的其他功能等。
4.盆景园。位于福梅园内,占地面积140平方米。设置盆景台置放梅桩、品种梅等,铺地为梅影卵石艺术铺地。
二、茶香书海
位于园内中部,设计风格为日本茶庭式,占地面积3984平方米。由日本茶庭、枯山水园、功德碑林、露天游泳池等景点组成。
1.日本茶庭。模仿日本茶庭风格布置建造。茶、梅二物,皆入药、具文化、富品味,借品茶而誉梅。
由牌坊门进入茶艺厅,或品茶、或小驻、或会友、或精神皆可。“高山流水”、“缚袖弄蝶”…。茶艺厅右侧设置二座小木屋,门前各置柴门,上书:“梅汤茶”、“竹梅茶”。
梅花点茶的方法是:梅将开时,摘半开之花,带蒂置于瓶中,每重一两,用炒盐一两洒之,勿用手触,必以厚纸数重密封之,置阴处。次年取时,先置蜜于盏,然后取花二三朵,沸水泡之,花头自开而香美。
2.枯山水园。于蹬梅道侧设置了一座长×宽=13米×6米的矮墙式枯山水园。园中设置追石、逃石、观海石等,任白沙耙成海波纹状,以景取意。
3.功德碑林。于茶庭北侧利用自然山石林,修建一座占地约为200平方米的功德碑林,集历史上各种“梅”体拓片碑、捐赠建园名录碑等,增加文化内涵。
4.露天游泳池。依附于茶艺厅设置一座自然式露天游泳池,池中划分梅汤浴、香汤浴…洗尘修行,体现茶道精神。
三、四德赋
位于园东北角,占地面积3200平方米。古人认为:“梅具四德。即初生蕊为元,开花为亨,结子为利,成熟为贞。”本方案借助于浅丘南向地形优势设置五瓣形五福广场,供人们小驻眺望。广场正中设置“图腾柱”象征“四德”品格。广场东理水西出,金带环抱,叠泉绵延,预祝未来幸福长久。本方案将广场西侧的自然山石加以保留,辟为玩趣空间。超级秘书网
四、玩趣区
位于园内东南隅,占地面积3984平方米,由多功能厅、爬坡廊、曲廊、梅溪、趣味高尔夫球练杆场等主要景点组成。
1.多功能厅。歇山顶仿古建筑,占地面积96平方米。系下榻处,右以连廊,爬坡拾级而上,组成园内又一条主要通道。是观赏远景最佳之处。
2.梅溪。以自然小溪落水设计手法引水东进西出,蜿蜒流长,溪边置观景实木平台、坐憩区、花船区等,供人们动态观赏。
3.趣味高尔夫球练杆场。以练杆、推杆为趣,普及高尔夫球知识,全民健身。
绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言,通过造型、设色和构图等艺术手段,在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象,以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多,从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看,绘画可分为东方绘画和西洋绘画;从工具材料看,绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等;从题材内容看,绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等;从作品的形式看,绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式,由于各自的历史传统不同,都有着各自独特的表现形式与审美特征。
艺术史上,绘画有着多种品类和样式。大致列举如下:
岩画 即绘制或凿刻于岩石上的图画。原始人在岩壁上刻下他们的信仰和种种生活印迹:狩猎、游牧、战争、反映生殖崇拜的男女交媾、怪异的人头像、手印、蹄迹……中国岩画分为南、北两大系统,南方岩画多是用颜料绘上去的,北方岩画则多是凿刻出来的。
漆画漆画是用油漆所绘成的一种工艺性的装饰图画。商代已有漆器工艺,战国时这种工艺趋于发达。湖南、湖北、河南等地,有漆器出土。长沙阳楚墓出土的漆器,花纹工细,有的漆奁描绘舞乐、狩猎情景,富有生趣。湖北云梦城关西部睡虎地出土漆器多件,纹样精致,线条流利,状态生动,其中漆盂是现存唯一的秦代漆绘作品。
水彩画顾名思义,就是以水为媒介调和颜料作画的表现方式。狭义而言,水彩画是指用水彩颜料,以水为稀释媒介,在纸张上作画的绘画方式。通常有透明水彩(Transparent Watercolor)及不透明水彩(/Gouache)两大领域。随着科技的进步,新的绘画材料的生产,20世纪水彩画已不再局限于透明水彩与不透明水彩两大范畴。举凡能用水稀释作画的材料,如Gesso、压克力、透明水彩液、水彩铅笔,都包含在水彩画的领域之中。
水粉画是以水作为媒介,这一点,它与水彩画是相同的。所以,水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是,它没有水彩画透明。它和油画也有相同点,就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是,油画是以油来作媒介,颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然,由于水粉画是以水加粉的形式来出现的,干湿变化很大。所以,它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明,通过深色对浅色的叠加来表现对象,而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。
工笔画在我国的传统绘画中,工笔画发展的历史非常悠久。从战国时期绘制的帛画,到唐宋艺术家的经典巨作,可以说,中国传统的工笔画,在上千年的时间里,从稚嫩逐渐走向成熟。元代以后,随着文入画的兴起,中国工笔画开始走向低谷,甚至被贬低为工匠的描摹之作,难登大雅之堂。直到20世纪80年代,工笔画在经历了几百年的沉寂后,开始逐渐复苏,并以前所未有的全新姿态迅猛发展。当代工笔画的复兴,体现了古代艺术传统的不断延续,同时也显示出了中国画艺术的新生和希望。
在中国画发展的历史长河中,工笔画以它刻画精细、传神,富有抒彩的艺术面貌而独树一帜。它的源头最早可上溯到战国时期的帛画。到了隋唐、两宋,大量画家、大批作品的涌现,使工笔画走入了发展的第一个高峰。然而此后不久,文人画逐步兴起,精描细写的工笔绘画,被看做是工匠的描摹之作,受到讥讽与贬斥。
中国工笔画随即走入了千年的沉寂。
装饰画装饰画是一种并不强调很高的艺术性,但非常讲究与环境的协调和美化效果的特殊艺术类型作品。装饰画以制作方法进行划分:印刷品装饰画、实物装裱装饰画、手绘作品装饰画等;以材质进行划分:油画装饰画、木制画、摄影画、丝绸画、编织画、烙画等。
拼贴画就是打乱时间序列,整体呈“心理结构”,局部仍用“传统写法”,巧妙剪辑、拼贴各个“画面”的一种新技法。它实际上是所谓“意识流”作品的一种“变体”,是“心理线”和“故事线”的一种拼贴、交错,比较适宜于表现时间跨度大、空间变换多、思想容量丰富的题材。
.版画艺术版画是用刀子或化学药品等在木版、石版、麻胶版、铜版、锌版等版面上雕刻或蚀刻后印刷出来的图画。版画分为四种;凸版、凹版、平版和孔版版画。
(一)环境艺术设计中空间意识的概述在环境艺术设计中,环境中实体和空间是构成环境两个彼此依赖的最为重要的方面,环境设计的主体首先是空间,其次才是创造出适合人类的需求,因此环境艺术的设计者应当着重的认识环境的空间性,在环境艺术教学的环节上加强对于空间意识的培养。空间被分为二维空间和三维空间,甚至还有一种思维空间,在目前已有的环境艺术的建造实例中,绘画的应用是二维空间,雕塑的应用则是三维空间,建筑物的应用就是思维空间的最佳体现,这些空间意识已经是构成了环境艺术设计的基本元素,由此可见环境艺术的重要性。在环境艺术设计中,空间具有多种的表现形式,构成空间的形式也是多种多样,因此建筑艺术空间成为了环境艺术的主体,并时刻表现在环境设计的教学之中,因此培养学生的空间意识主要是培养学生具有多维空间的意识以及不同的空间属性整合后的空间意识。
(二)环境艺术空间的特征
1.环境艺术空间的真实性在美术艺术手法的多重表现之中,工艺美术、绘画以及雕塑都是造型艺术中较常见的审美形象,在表现形式之中是以实体的形式存在的,这些艺术表现形式在创作的过程中最主要的就是要体现出作品中的逼真性和感染力,努力的展现出空间感,但是在真正的环境艺术设计中,所具有的空间感是真实的,而不是通过不同的艺术手法展现出真实的空间感,也只有环境艺术才可以突出表现出空间性审美特征,倘若仅以平面的照片或者是图画是不可能使得环境艺术展现出生机勃勃的精致以及整体空间气势与空间意境,这些都不符合三维空间中对于艺术的追求,所以环境艺术设计的空间感的真实性是提升环境空间感重要性的一点。
2.环境艺术空间的固定性环境艺术的设计创作必需在真实的地质之上,一旦环境艺术的设计被敲定,环境艺术的装饰品被制作成功之后,就是不能随意的在空间范围内移动,受到空间范围内的因素制约比较多,因此在进行环境艺术的设计时,为了保证环境艺术设计在完成之后具有较强的审美性,就一定要使得环境艺术设计中的涉及到的街道、建筑、公园甚至是一座广场,都受到特定的空间的制约,因此要与周围的环境保持着各种的联系,在环境艺术的设计中保持环境艺术空间审美的固定性特征。只有妥善处理好设计作品与周围大环境之间的关系,才可以成功的创造出环境的艺术设计的意境,达到预想的效果。
二、在环境艺术设计教学中空间意识的锻炼学习方法
(一)学会在多媒体技术的应用中创造出空间的情景由于环境艺术设计中,设计者一定要掌握环境的空间意识,所以空间意识的培养就成为了环境艺术教学中的重点。为了使得学生充分的认识到空间意识的重要性,环境艺术界内的专家认为首先要为学生创造一个空间意境,使得环境艺术的学习者可以通过闻、摸、尝、听以及看等感官感受中增强对于空间的感知。在现代技术中,多媒体技术在教学中的使用是最常见的,在环境艺术教学中对于创造空间意境也是相当容易的,使用多媒体技术进行情境创设,设计环境空间情景,在这一过程中学生一定要学会通过感官的感受体验环境的空间意识。
(二)加强实践教学,增强学生的空间体验在环境艺术设计中,教师教育学生产生初步的空间感并不是一件十分困难的事情,但是如何使得学生合理的利用空间感进行环境设计,使得环境展现出更高的艺术性则是一件十分困难的事情,因此,为了使得学生更好的掌握空间意识,更合理的在环境设计内展现出空间感,所以一定教师应当在课堂上通过多媒体图片或者是视频调动学生们的积极性,在这一过程中,学生们应当积极地参与到空间环境内的体验中,这是学生可以加强对各种各样环境空间实体的了解,对一些空间造型和特征有一个基本的感知和概念,其次,当教师在课堂教学中开展实践性的教学的时候,学生应当积极的参与到环境艺术空间观察、体验之中,例如教师带领学生参观一些著名建筑的设计,进行参观,布置一些环境艺术设计类的作业,学生可以充分的利用自己的想象力进行设计,让教师对于学生的作品进行内容点评,在教师的教导之下学生可以充分的认识到自己环境艺术设计作品的不足,学生在教师的点评的过程中逐渐的树立正确的、合理的、科学的空间意识,提升学生对于环境空间感的实践教学,提升学生对于空间的体验,促进学生形成正确的空间意识。
(三)加强学生的眼手心的协调性训练,提高学生对于空间的把握能力环境艺术的设计主要是设计者在完美的使用眼手心之间的关系而完成的作品,在设计的过程中,眼手心充分的发挥自己的作用:眼睛对于环境艺术创作具有整体的空间感知,对于空间结构以及空间形式的把握具有初步的认识,手对于环境艺术的创作在于对于美术技巧的掌握,也就是接触材料并进行体验的制作技能,心则是对于环境艺术创作的一个整体的感知,将艺术创作能录、个体思想以及个体的主观意识用正确的方法展现出来,对于眼与手的技能进行加工。当眼手心三者之间的关系得到最佳的协调之后,环境艺术的空间意识就被学生们以最完美的方式展现出来,学生在这一过程中增强了对于空间情感的把握。
三、总结
新的科学技术将人类不断带入新的时代,然而艺术则不断使这个时代变得更加丰富。科学与艺术作为人类生活的物质与文化的两个重要组成部分,它们之间的关系问题固然也成为当今研究者研讨的热点了。设计艺术是两大要素的对立统一,即功能合理性所依托的科学技术和审美所依托的艺术。无论哪一种设计风格或设计产品,它的最终服务对象和使用者都是人,人的需求一端连着科学技术解决实用性的问题而另一端则连着艺术创造解决审美问题,综合起来就是设计艺术。科学技术与艺术可以说是一对双胞胎,并以实践为纽带相互影响,并肩发展。科学技术是设计的基础,而设计是科学技术实现为人类服务目标的手段。科学技术的发展水平会直接影响设计水平。科学技术的进步造就了设计的大环境,科学技术的进步与社会背景、环境状况的种种改变,都会影响着设计师的选用材料、设计风格、设计方法。随着方法、材料、工具的改变与变化,科学技术对设计活动产生着直接影响。
二、科学技术与设计艺术的交织展
2.1科学技术与设计艺术的交织
技术与艺术自古以来就是分不开的,无论是原始社会还是近现代社会,科学技术与设计都是联系紧密,既相互对立又相互转化的。设计是“艺术化的造物行为”,它与科学技术一样,都需要创新,这样制作出的物品才能够满足使用者的心理与使用需求。如西汉长信宫灯:宫灯灯体为鎏金,双手执灯静坐的宫女,神态恬静优雅。灯体通高48厘米,重15.85公斤。长信宫灯设计十分巧妙,由头部、右臂、身躯、灯罩、灯盘、灯座6个部分分别铸造组成,头部和右臂可以组装拆卸,便于对灯具进行清洗。宫灯部分的灯盘分上下两部分,刻有阴阳家的铭文,可以转动以调整灯光的方向,镶嵌于灯盘沟槽上的弧形瓦状铜板可以调整出光口开口的大小来控制灯的亮度。右手与下垂的衣袖罩于铜灯顶部。宫女铜像体内中空,其中空的右臂沉积于宫女体内,不会大量散逸到周围环境中,既防止了空气污染,又有审美价值。可以说长信宫灯非常符合现代人体工学和以人为本的概念,在环保功能与光学照明方面的设计运用。20世纪以来,科技文明的进步,使得科学与技术、艺术之间的关系密切程度提高了。21世纪后现代艺术设计要求设计师要更科学、更理性的去创造与认识一切,这样现代先进的科学技术才能成为设计师设计创造的更有力的支持与保障。所以说现代艺术设计与科学技术是密不可分的兄弟关系。比如现代一个不懂计算机技术的设计师很难展开他的设计活动,或者说不用计算机的辅助,会在速度以及效果图上落后于其他熟练操作各种辅助软件的设计师。又比如即使是在传统绘画方面,也面临着在新材料、新工艺的出现上,科学技术快速发展带来的各种问题,作为一个现代的艺术工作者,既要有返璞归真的思想也要有勇于创新的勇气,不能单一的去追求某个方面,否则就会走进思维的死胡同。
2.2科学技术推动艺术设计的发展
科学技术服务于人类的生活与生存需求,与设计的目的几乎相同,同样都是为人而设计。设计艺术需要借助科学技术创造更新、奇、异的效果。科学技术同样也离不开艺术,因为他需要艺术的外壳来包装自己、推广自己、以最快的方式得到大众的认可。所有的艺术都离不开日益更新的科学技术,有了新技术的血液注入,传统的艺术形式才能够得到继承的同时被完善和发展,从而变得更加绚丽多彩。随着经济与科技的发展,人类的生活变得更加丰富多彩了,但是由于活动的种类与规模的不断拓宽,造成了严重的环境污染和大面积自然的过度开发。所以人类开始重新思考正确的发展模式,通过创新新能源或改进原有能源技术从根本上进行治理,提高现有能源的利用效率、开发清洁能源等。在七十年代,格鲁斯在德国首先提高了再生循环处理设计思想,这种设计思想就是生态设计,也称为绿色设计或生命周期设计,这是一种新的设计观念,是将环境因素纳入设计中,进而帮助设计决策方向。如今,人们开始进入“数字化”的时代。从前的二维设计状态不断地受到三维四维设计的冲击,设计师在不断探求新的领域,而受众也在不断尝试接受新的设计状态。由于技术的支持,艺术家的思维也延续到其他领域中去寻找突破的灵感。所以说“数字化”时代的科学技术为艺术设计创造活动提供了更广阔的的造型基础,现代艺术设计也逐渐由传统设计方向向“数字化”方向转变。
花鸟画也是中国画传统画种之一。以动植物为主要描绘对象。具体还可分成花卉、翎毛、蔬果、草虫、畜兽、鳞介等类。以表现技法的精细或奔放,分为工笔类型和写意类型。前者更具写实性并有一定装饰性,精丽雅致;后者则笔墨简练,洒脱奔放。以水墨色彩的区别又可分成水墨花鸟画、泼墨花鸟画、设色花鸟画、白描花鸟画和没骨花鸟画。现藏美国的东汉壁画《双鸦栖树图》为已知最早独幅花鸟画。
唐、五代、北宋时花鸟画极为繁荣,后代画家更广泛发展了花鸟画风格流派。近现代齐白石则在继承前人又发展传统的基础上成为一代花鸟画大师。中国花鸟画的鲜明特点为:以写生为基础,寓志、抒情为情感表达方式。它具有适合中国传统的审美需求而逐步完善成熟的特征。在造型方法上,以齐白石的追求“不似之似”、“妙在似与不似之间”为代表的观点可以概括。它既重形似又高于拘谨的形似,更重视作者的志趣。在构图上,花鸟画以主体突出、虚实相生为特色,至于写意花鸟,更善于将书法以资画,题诗以言志,辅以印章等。
作为以描绘花卉、竹石、鸟虫等为表现主体的花鸟画历史悠久。在我国四五千年以前的陶器上就出现了简单的鸟鱼图案,可以作为我国最早的花鸟画。唐张彦远《历代名画记》载:东晋、南朝宋时画在绢帛上的花鸟画已逐步形成了独立的画料。到了唐代,已趋成熟,出现了以工笔勾填画风艳丽的边鸾和以墨代色、墨分五彩的殷仲容。五代时发展有两派,即“徐、黄二体”,一宗徐熙、一宗黄鉴。明代沈启南、孙雪居等,涉笔点染,亦追徐熙。经清石涛到“扬州八怪”的花卉,更完善地形成了诗、书、画三绝。
中国花鸟画主要以折枝花卉的形式规划画面,以小见大,塑造典型的自然空间。花鸟画应如何处理构图呢?以文章作比喻,就是要处理好“起”、“承”、“开”、“合”这几个阶段。
由于画面的尺幅大小和表现景物的不同,所以“起”、“承”、“开”、“合”,各部也应有繁简、强弱的差异,以使整体协调。特别是较大的画面,还应处理好局部与整体的阶段变化,这样画面就能显得充实,其中“开”、“合”更是关键。沈宗骞在《芥舟学画编》中对此曾有精辟的分析:“干岩万壑,几令浏览不尽。然作时只须一大开合,如行文之有起结也。至其中间虚处,承接处,发挥处,脱略处,隐匿处,一一合法,如东坡长文,累万余言,读者犹恐易尽,乃是此法。于是会得,方可作寻丈大幅。”
工笔花鸟画的表现形式多样,风格手法各异,但归纳起来主要有白描、勾填色和没骨三种。这几种形式在唐宋时期就已基本定型,经过以后各历史时期的发展,使形式技法更加丰富完美,但基本上仍保持着原来的面貌。20世纪以来,画家们不断地探索创新,已突破了传统的形式。现代的工笔花鸟画在传统的基础上吸收了各种画种的长处以及外来绘画的营养,正向着多元化的方向发展。
在中国绘画中,花鸟画是一个宽泛的概念,除了本意花卉和禽鸟之外,还包括了畜兽、虫鱼等动物,以及树木、蔬果等植物。在原始彩陶和商用青铜器上,“花鸟”
充满神秘色彩,遗留着图腾的气息。最早的“花鸟”或许与早期人类的生殖崇拜有一定关系。
据史书记载,到六朝时期,已出现不少独立形态的花鸟绘画作品,如顾恺之的《凫雀图》、史道硕的《鹅图》、顾景秀的《蜂雀图》、萧绎的《鹿图》等,虽然现在已看不到这些原作,但着录资料已表明当时花鸟画已具有相当高的水平了。
到了唐代,花鸟画业已独立成科,着录中计有花岛画家八十多人。如薛稷画鹤,曹霸、韩干画马,韦偃画牛,李泓画虎,卢弁画猫,张曼画鸡,齐曼画犬,李逖画昆虫,张立画竹等等,已能注意到动物的体态结构,形式技法上也比较完善。
五代是中国花鸟画发展史上的重要时期,以徐熙、黄筌为代表的两大流派,确立了花鸟画发展史上的两种不同风格类型,“黄筌富贵,徐熙野逸”,黄筌的富贵不仅表现对象的珍奇,在画法上工细,设色浓丽,显出富贵之气;徐熙则开创“没骨”画法,落墨为格,杂彩敷之,略施丹粉而神气迥出。黄筌之子黄居宷、居宝,徐熙之孙徐崇嗣、崇矩,都是当时花鸟画的重要画家。
宋代《宣和画谱》所载北宋宫廷收藏中,有三十位花鸟画家近二干件作品,所画花卉品种达二万余种。北宋的花鸟主要还是承接五代的传统,早期以黄筌之风格为主导,基本上用的是“勾勒填彩”法,旨趣浓艳,墨线不显。到了南宋,画院一半以上的画家画花鸟,这一时期的花鸟画是中国花鸟画发展史上一个高峰。在题材上,宋代出现了水墨梅、竹、松、兰,淡墨挥扫,整整斜斜,不专以形似,独得于象外。以拟人化的手法将崇高、贞洁、虚心、向上、坚强寄于“四君子”上,这种文入画思想的加入,为花鸟画注入新的内容。以文同、苏轼为代表的这一派,已有别于流行时尚的清新风格,获取朝野称赏,并加速了他们的画风成为新的时尚。
元代花鸟画受宋代文同、苏轼的影响,出现了一批专门画水墨梅竹的画家,他们以柯九思、倪瓒、吴镇、王冕为代表,表现了文人的“士气”。
明四家除了山水外,亦擅长花鸟并卓有成就。而徐渭的淋漓畅快、陈道复的隽雅洒脱,代表了文入画的两种风格。