时间：2022-03-03 07:15:10
序论：在您撰写美术艺术设计论文时，参考他人的优秀作品可以开阔视野，小编为您整理的7篇范文，希望这些建议能够激发您的创作热情，引导您走向新的创作高度。
（一）高校盲目扩招
当前，随着社会主义现代化建设的不断深入，高考扩招成了一大趋势。社会的发展需要高素质、高能力的人才，艺术设计人才也一样。通过对相关数据资料进行分析可知，近20年来，我国某美术高校的招生人数一直在不断扩大，已增加了将近30倍。高校扩招会促使艺术设计毕业生的数量大幅增长，为社会提供了更多艺术设计方面的人才。但倘若高校不结合社会供需的实际情况进行盲目扩招，就会导致大量问题的出现。比如，为了获得更多的经济利益，某高校进行了扩招，但由于缺乏专业的师资队伍、完善的教学设备，该高校的教学质量出现了严重下降，学生无法获得优质的教育。
（二）教学方式方法方面的问题
通过对我国高校艺术设计教育的现状进行分析可知，现代教育中存在着很多不足，是阻碍艺术设计教育工作取得进展的因素。现行教学大纲中的套话较多，学生在课堂上所学的知识缺乏现实实践性和可操作性，仅仅是烂熟于心的纸上谈兵。另外，学校提供给学生的思考空间以及实践机会也十分有限。究其原因，在于我国当前的高校美术及艺术设计教育体制存在着诸多问题，即教学内容空泛、教学目标模糊、教学手段落后以及课程安排不合理。另外，在许多高校，美术及艺术设计专业的教师大多只注重学生的技巧培训，而不重视对学生的实践指导。还有一部分教师不致力于做学问，不及时对自身的教学方法以及教学内容进行革新，过度追逐名利。在这样的情况下，我国高校艺术设计教育工作就会面临诸多问题，遇到教学瓶颈。
二、发展我国高校艺术设计教育的相关措施
（一）课程设置要连贯
在设置美术及艺术设计专业课程时，教师应将课程的连贯性放在突出位置，既注重培养学生的基础技能，又充分尊重学生的主体性，提高学生的自主学习能力，促进学生创新思维和创新能力的提升。而在培养学生的专业技能时，要加强其理论、专业、设计以及造型等基础知识的传授。学校还要及时把握市场最新动态，将教学与市场需求有机地结合起来，不断提升学生的综合素养；或者通过定期举办相关讲座，举行画展、设计制作展或摄影比赛等，来不断拓宽学生的知识面。在教学过程中，教师要不断创新教学思路和方法，注重培养学生的实际创作能力、想象力以及表现力等，同时还要坚持与时俱进，实现科技与艺术设计专业的协同发展，加强对网络技术的开发和研究，帮助学生掌握美术及艺术设计专业软件的相关应用原理，全方面地提升学生素质，使他们更好地适应社会需求。同时，学校要优化设置课程组合，保证课程的连贯性，节省教学成本，减轻学生的课业负担，激发学生的学习热情。此外，高校在开展美术及艺术设计专业课程时，要注意吸收传统文化的精髓，将中国的传统文化融入到世界流行时尚文化中，推进我国传统文化的不断发展和进步。
（二）转变教学观念
随着时代的进步以及经济的发展，具有良好的思想道德以及广阔知识面的综合型人才广受社会各界的欢迎。因此，高校艺术设计专业需转变教学观念，结合不同专业的基础教学和专业课程，对学生的艺术潜质以及审美能力进行培养，使学生的创新能力、艺术品位得到大力提升，并引导学生将所学知识和实践充分结合起来。另外，学校还需对当前社会的实际需求进行深入分析，及时调整教学目标及专业课程安排，针对学生的兴趣爱好及特长进行个性化的培养，并为他们制定科学合理的学习计划，真正做到因材施教。相信依靠这种方法，艺术设计专业学生的综合素质以及美术技能才能得到有效提升，高校才能为社会培养出更多优秀的美术人才。
（三）培养学生的创新思维
艺术要取得持久的进步和发展，就必须要创新，而创新需要我们有+扎实的美术基本功和创新能力。对于高校美术及艺术设计专业的学生而言，创新性就是指学生在学习过程中对不同的艺术元素进行想象和组合，通过再创造所呈现出来的新的、合理的、完整的形象。对此，在上专业写生等具体课程时，教师应允许学生在具备了一定的功底之后，适当地在作品中表达自己的观点，发挥想象，并将其作为考察的一部分。具体的创新内容既可以是空间上的创新，也可以是构图上的创新。此外，教师要合理把控学生的想象，避免他们走弯路或不切实际的创作，对他们的创造性思维及时予以肯定并指出其存在的问题，提高其创新的水平。
（四）完善教学内容
美术院校需结合实际对课程内容进行拓宽，即将学生文化素质的提升作为教学的重点，提供给学生更多与外界接触的机会。通过学习其他课程或办讲座，学生与社会之间的联系就会得到深化，他们的专业技能以及文化素养便会随之得到提升。另外，教学内容的设置需具有针对性，即要将学生创新能力的培养作为教学重点，引导学生对艺术设计的文化内涵进行深入探索，变之前的被动学习为主动学习。技巧、技法只是帮助学生完成绘画或设计的工具，艺术设计学习的真正核心应是提升学生的文化素养以及创新能力。只有不断完善教学内容，才能帮助学生获得全面发展，进而为社会培养出更优秀的综合型艺术人才。最后，高校艺术设计教育需结合自身实际以及社会发展的需要，引导学生树立正确科学的艺术观。
三、结语
中国民间美术博大精深，从汉字、中医、武术这样的“国粹”到各地的代表性文化，再到各地各乡的习俗、风俗。“艺术设计以其特有的表现方式传达着某一个地区的人们的文化价值观，同时也展现着该地区的文化特质及民族精神。”中华民族的民间美术博大精深，其中很多生动的设计元素，能够给予设计师巨大的灵感和启发，使得极具风情的民间美术在艺术设计中得以呈现和传播。我们所处的内蒙古有着独特的地域优势，可以十分便捷地从本地获得艺术设计教学所需的各种条件：人文地理、历史典故、遗迹古籍、文艺项目、博物馆、各种校内外实训基地、民间艺术家和学者、专家等这些都是只有内蒙古才具备的特色教学条件和资源。我们地方院校应该充分利用这些资源，有针对性地为学生增加各种民间美术课程，如历史典故、风土人情、传统工艺等内容，并且根据今后的职业需要，向学生传授具有民间美术特色的设计理念和设计技能。在地方院校艺术设计教学中结合具有区域特色的民间美术，是针对本地教学模式单一的格局而提出的一种有益尝试，也是针对地方人才市场的需要而对民间美术资源的深层次开发和利用。
二、将蒙古族民间美术审美教育的共同性引入艺术设计教学
我区丰富、灿烂的民间美术资源是一座巨大的艺术宝库，但大多数原生态形式并不适合被直接利用，必须经过筛选、解构，再用现代设计的理念对其中的元素进行重构。笔者认为应以民间美术的典型性为教学重点，唯有这样才能做出兼具民间美术特色和现代审美要求、兼具实用性和技术性的设计。所谓典型性即所选择的教育资源应具有审美教育的典型性。草原民族在漫长的草原游牧生活中，形成了蒙古族独特的审美：他们产生了“对天神的崇拜，对蓝色和绿色的钟爱，对辽阔景象的憧憬，对动物灵性的感悟等”情感，也形成了独特的思维，“追求与苍天的呼应，思维境界自然率真，艺术格调自然质朴，群体性、参与性、应对性及宗教神秘性融入其中。”因此，在艺术设计教学中，教师不仅要让学生理解地域特色文化中的造型观念，还要分类去看、参照着看。比如从艺术形式分类角度，建筑类、服装类等等；从造型特征角度，单单是马就有多种形态。还有最关键的一项就是“临摹”，在临摹的过程中学生们熟悉了基本绘制过程，加强了形象的记忆力、理解力，为获得多方面的想象创造了条件。将蒙古族民间美术审美教育引入艺术设计，不是简单的继承传统，而是“取其精华，弃其糟粕”，用发展的眼光审视民间美术。引入过程可以概括为如下两个步骤：一是“知其然，亦要知其所以然”，深入了解内蒙古民间美术的精华和其蕴含的思想内涵；二是找到民间美术和艺术设计二者相互转化的通道，从民间美术中精炼代表元素，再将代表元素用现代艺术设计的理念转化为全新元素。这一全新元素既能体现现代设计理念，又能表达传统民间美术思想；既开拓了艺术设计取材的眼界，又满足了现代人们返璞归真、崇尚本源的心理需求。
三、艺术设计教学中对内蒙古民间美术的传承与创新
1.转变思想，对民间美术科学地传承与创新
黑格尔说，艺术的要务不是收集，是创造。因此，艺术设计学习的终极目的便是创作。艺术设计在走向世界的同时保持民族风格是目前艺术设计的发展趋势所在。这是一种超越和升华——民间美术通过艺术设计的形式得以继续流传和发展，艺术设计则因融入了民间美术而增强历史感和厚重感，两者相得益彰。在教学中，教学双方都要对艺术设计和民间美术有清醒的认识，二者的本质是相通的，仅存在表现形式的差异。我们要将民间美术最本质的、最本源的东西挖掘出来，再将其应用于艺术设计之中，依照这样的思路才能既继承了民族特色，又通过艺术设计表现把民间美术文化精髓传承下去。民间美术是本源，是地下水；艺术设计是地表水，通过利用二者共同性的方法，是把地下水抽取到地表上来，让地下水不断补充地表水，这样地表水可以不断的有新鲜的内容推动其向前发展。依据本源的特点选择不同的方法进行研究则事半功倍；若是本末倒置必会误入歧途。
2.采用多种教学方法，吸取内蒙古民间美术精髓
首先，现代艺术设计的民族化可以增强人们的民族自豪感。我国近现代艺术很大一部分都在盲目的跟随西方抽象主义和形式主义艺术风格，而在发展的历程中淡化了民间艺术的重要价值性，这在一定程度上影响着国民的审美价值观，崇尚西方文明的观念也在不断滋生和蔓延。只有深入研究民族民间文化，使其融入到现代艺术设计中，发挥民间文化在经济、文化建设中的独有艺术魅力，才能使得我国的艺术发展道路走的更为长远，最重要的它能唤醒人们对我国传统民族文化的认同感，了解我国民间文化的发展渊源，这是一个民族的发展之本、立足之本，是现代艺术设计工作者应深刻认知的一点。其次，现代艺术设计的民族化发展可以弘扬我国优秀的民族工艺文化精神。将现代设计艺术史和民间工艺美术发展史相比较，可以发现两者之间在本源上是极其一致的。我国民间艺术文化的发展遵循着从艺术构思到创造实践，再到完整艺术设计理论形成这一科学的艺术发展模式，重拾民间工艺文化设计精神，实践由“艺”到“物”而重于“用”的创造理念，才能发扬富有东方艺术哲学的现代工艺美术体系，使富有中国传统文化特色的艺术设计自立、自强。再次，现代艺术设计的民族化发展可以丰富现代艺术设计元素。将民间美术元素融入现代艺术设计中，能使现代艺术设计更有内涵、更有生命线性和可对话性。现代艺术设计语言逐渐趋于单调、重复，艺术作品的生命力不足。将民间美术艺术的表现形式进行创新和再造，挖掘民族美术艺术的宝藏，为现代艺术设计提供取之不尽的资源，为现代艺术设计作品注入“灵魂”与“思想”。
二、民间美术对现代艺术设计的启示
1、造型设计启示
中国民间美术在历史的演变过程中,广大劳动群众以最简单的工具和最朴素的思想创造了中国特有的造型艺术体系。这个体系是中华民族几千年智慧的结晶,它传承了中华民族特有的艺术精神。我们对民间美术“形”的继承并非拘泥于完整的形式沿袭而是着眼于再创造,将民间美术“形”的深厚内涵和完美形式与现代设计理念结合起来,赋子传统民间美术新的内涵,或者将传统造型的造型方法与表现形式运用到现代设计中来表达设计理念。现代艺术设计在造型上可以充分借鉴民间美术的造型。第一，在设计思想上，充分借鉴民间美术“不拘一格”的造型风格，生活中的种种事物都可看作形象设计的源泉，并借助主观审美对其进行再创造，以形成独特的风格。第二，在造型的取材上，可以充分汲取民间美术中寓意深刻的意象造型，为稍显冷硬的现代艺术设计添加人文情怀和生活气息。譬如现在艺术设计中龙凤纹饰的运用，将这些带有民族寓意的纹饰运用到现代感极强的现代艺术设计中，会增添更多独特的民族韵味，散发出独特的艺术幽香。
2、色彩运用启示：配色鲜艳
色彩是艺术设计的灵魂所在，现代艺术设计在色彩运用上亦借鉴民间美术的色彩精髓。民间美术起源于民间生活，而民间生活在岁月的洗礼下形成了民族性的色彩观。如我国的木版年画、剪纸、皮影、木偶、风筝、彩印花布、刺绣、面具等，无不呈现出五彩缤纷的赋色体系和丰富的文化底蕴。首先是五色观的运用。这种五色观源于中国传统的五行观念，将“东、西、南、北、中”的空间观念搭配五色，形成了东方主青色、西方主白色、南方主赤色、北方主黑色、中央主黄色的独特五行色彩组合。其次，中国传统观念中对“吉祥如意”的追求可以延伸到色彩上，由文化观念导致的色彩审美取向在对“吉祥如意”的表达上可见一斑。民间美术多用鲜艳的颜色，诸如“红红绿绿”来表现“吉祥”。譬如装饰节日的民间年画作品，多以红色作为主调、黄色作为辅调，用以突出吉祥喜庆、红火热闹的气氛。这种将世俗愿望与艺术形式相交叠的形式，在感受吉祥喜庆的氛围之时，也带来了浓郁的艺术气息。民间色彩本身的现代化色彩倾向也为现代艺术设计提供了创作材料。在现代艺术设计中，这些色调鲜艳的配色得到了广泛的运用。譬如，在春节等中国传统节日中，红色等鲜明喜庆的色彩最适宜表达欢庆之情。因为纯度较高的红黄色调，与民间色彩的色彩特征——明快响亮、鲜艳绚丽等有着艺术上的相同点。这种主观性的色彩调配蕴涵着传统色彩观念对大众的精神需求，可以将现代艺术设计的独特艺术性提升到一个更高的境界。
3、民族之魂的传承
一、民间美术
在我国传统文化中，民间美术是指百姓在日常生活所创造出来的一种美术形式，经由口传身授将当时的审美意识传承延续的艺术，其具有生活适用性、民俗文化性以及艺术审美性的特点，并将自身的审美观、价值观融入艺术创作，这也是民间艺术最主要的特色。此外，民间美术在基层人民中诞生，其出现的目的就是为了进一步使人们的精神生活得以丰富，包含着各式各样的民间美术形态。即使它是建立在物质基础上，以物质的形态出现，但其本质依然是一种精神象征。
二、现代艺术设计
随着社会经济的发展，现代艺术在设计过程中逐渐摆脱物质实体的限制，成为一个国家或地区重要的文化体现，反映出不同地域的审美风格。现代艺术作为当代文化与美学的综合性表达手段，在人们的工作、生活的各个领域中逐步渗透，所以，对于现代艺术设计的认识应该是全方位与多角度的。对于现代艺术设计来说，其主要以体现社会意识而存在，能够将当代社会的审美意识反映出来。现代艺术和民间美术的主要差异在于现代艺术在设计中受到科技发展的影响，并以科技的发展为基础。因此，科技的发展不仅对现代艺术设计的设计对象、设计方法具有重要的影响，还拓展了现代艺术的设计思维。
三、民间美术和现代艺术设计的融合探讨
1.现代艺术设计源泉来自民间美术
优质的艺术素材常常源于人们的日常工作和生活，生活经过艺术家的提炼、筛选及润色后就具有了浓厚的艺术气息。民间美术是民间文化传承的重要手段，其在现代艺术中以源头的形式存在，并主要表现在物质和精神两个方面。物质作为民间美术的重要载体，是民间美术中不可或缺的重要组成部分；精神则反映出当代人的审美意识与审美追求，是民间美术的思想结晶。中国拥有悠久的历史文化与民族文化，现代艺术设计中重要的设计灵感来源就是丰富的民间美术。因此，设计者要不断采纳与吸收民间美术的精髓，从而创造出独具一格的艺术作品，进而在推动现代艺术发展的同时将中国辉煌灿烂的民间文化传承下去。
2.民间美术深化现代艺术设计创造力
民间美术对于现代艺术设计的影响是多角度、多方面的，其创作视角所具有的独特性以及设计方式所具有的开放性给现代艺术设计提供了无限的创造力与想象力。民间美术主要通过想象力与创造力的结合，充分表达出创作者的思想感情。在现代艺术设计中应用民间美术，不但可以培养设计者的想象力，还能探索与发现素材所具有的规律性，从不同的视角观察和思考事物，促进思维的发散性。
3.现代艺术设计借鉴与应用民间美术
随着各种现代艺术活动的开展，更多的中国艺术品逐渐走上了国际化道路。可以发现，走上国际化道路的艺术品其成功之处就在于立足本土文化，借助中国传统文化丰富作品的内涵与意义。这在现代艺术对民间美术的借鉴应用中得以体现，这对于创作出更好的现代艺术具有重要的启示。
4.两者之间的文化内涵共通
在创造民间美术的过程中，必须坚持艺术理想与人生理想的价值观念，将这些因素融入创作主题，将人民生活的情感接通，融入自身对于生活的热爱和美好的心愿。伴随民间美术的广泛应用与现代艺术的设计实践，不论是时间上或是空间上都要做出相应的改变，民间美术中所具有的人文精神也是现代艺术在设计中需要汲取的重要精华。此外，民间美术的设计主题还能充分激发现代艺术在设计选材中的灵感，让民间美术成为现代艺术设计的创作灵感来源，从而促进两者之间文化内涵的共通。
结语
美术字具有多种艺术效果，比如具有我国装饰手法的美术效果，还能具有一定的宣传效果，我们可以用它进行各种形式的宣传，另外它也是建设社会主义社会所必不可少的重要工具，美术字已成为人们沟通的重要渠道。我国汉字的造型由结构、笔画组成，汉字具有象形、指事、会意等特点。我们可以利用文字的特点进而设计出各种形式的美术字，这样的美术字不仅具有高亢、别致，还具有刚劲、细腻的特点，也是重要的表达方式，同时也是重要的表示图案，往往会给人一种美好的形象。汉字结构美是在汉字自身特点基础上进行挖掘出装饰美，这种美经过了反复，符合时代的特点。美术字不仅要从内容上出发，还要兼顾生动、确切的形象，通过这样的形式反映出合理、简单的装饰效果。传统汉字艺术设计与现代艺术设计有着千丝万缕的联系，可以说汉字艺术设计是符合当时时代生活的，一般经过了当时官方的认可，也代表了时尚的字体形式，书法家在一定程度上影响着时代文字形式的设计。
二、关于现代字体设计教学中美术字教学的思考
字体设计教学过程中，笔者认为美术字应该融入美感，美术字形式值得研究，下面结合笔者工作实践进行一些探讨。
1、有关基础理论讲解。
理论教学过程中，教师首先要求学生要了解文字即中国历史的文明发展史，认识中国汉字中所包含的审美要求。而美术字的形式感是和其所需表达的内容紧密结合的。绘写时应先从内容出发，对文字内容要进行艺术加工，从而将内容和形式完美结合：生动、概括，非常突出的表现文字内容的精神含义，进而增强宣传效果。
2、原型解析。
文字的结构形式是通过人类文明活动过程中沉淀下来的，具有约定俗称的结构形式。其结构形式应该符合人们习惯性的认知，也就是说文字结构形式应该与社会活动相适应。笔者认为教师应该要求学生在课余时间多临摹具有一定设计风格的字形作品，通过这个过程可以激发学生文字设计的灵感，进而发现字形结构美，字形特征以及字形形式。
3、案例分析。
教师应该结合文字设计典型案例进行讲解。比如，以传统书法为元素的标志设计、包装设计、广告设计等；08年北京奥运一些列文字艺术设计，靳埭强的设计作品等；日本文字吸取了中国文字的一些精华，教师可以通过对日本文字的讲解，使学生在此过冲中汲取艺术设计营养，更全面的学习东方文化，可以学到不同形式的美，毕竟当代日本文字设计已经达到了较高的水平，日本文字同时也在向国际先进字体设计靠近，设计出了一系列文字艺术设计效果。通过以上专项讲解，学生可以自行选择几组自己感兴趣的字或词进行文字艺术设计，发挥主观能动性以及丰富的想象，通过尝试可以验证之前学习的效果。但同时也必须注意到，美术字和其他艺术作品一样，应注意以其自身的艺术性去吸引和感染读者。不可随意增减笔画，避免字体奇行怪状，难读难认。
4、结合实践。
熟练掌握绘写标准字体，在此基础上可以设计美术字，这是一个连续的过程。任何美术字都是通过标准字体形式衍化而来的，只有具备了扎实的绘写标准字体的能力，才能够设计出美观并且大方的美术字体。所以，学生可以先学好标准字，在此基础上进行艺术设计创作。通过以上扎实的学习，教师可以利用一些浅而易懂的主题让学生去设计艺术字，比如教师可以要求学生根据传统艺术字体设计方法，再结合一个特定主题去完成字体艺术设计。经过以上几个阶段的联系，学生可以懂得美术字体的实用性以及懂得如何去设计文字美术形式，进而发挥自己的想象设计出新的具有一定内涵的文字艺术形式。
三、结语
【论文摘要】正确处理传统绘画基础和艺术设计基础教学的关系，强调艺术设计绘画基础教学的目的性。在艺术设计的绘画基础教学中，注重学生的创造性思维和创新能力的培养，运用恰当的评价方法，培养学生的学习兴趣，使学科发展更规范、更完善，为社会培养更多更优秀的艺术设计人才。
近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加，艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。
素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。wwW.133229.cOm在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。
过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求，这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。
当人们不再受物质生存的牵制时，就会赋予造物以更多的精神内涵，反思历史经验，作为地域文化载体的传统手工艺，尤其是研究手工艺美学特征的工艺美术是必须要得以传承和发展的。西方设计发展的过程中，曾出现过三次手工艺文化精神的回归潮流：第一次是十九世纪中期，英国的工艺美术运动，工业化带来的廉价低俗的工业产品的大量生产，使人们开始怀念过去生活方式和手工艺；第二次是二十世纪初期德国包豪斯设计学院，在刚刚诞生的艺术设计教育体系中手工艺被放在了一个适合的位置上，从一个更全面、更深刻的层面理解手工艺的优势和发展；第三次是二十世纪七十年代，人类处于工业生产所带来的严重危机之中，人们渴望着重回自然，重新去触摸真实的材料。高校本应该是民族文化遗产得以保存和传承的净土，但因为人们生活方式的变迁，再加之旧时传统工艺教育停留在表面装饰层面，给人陈旧、缺乏实用性的印象。为了迎合工业时代，满足就业市场，缩短与国际当代设计教育的差距，许多高校的艺术类专业将传统工艺美术教育零散化、边缘化，甚至让其退出高等艺术设计教育的课程体系；与此同时，高等教育中对工艺美术的通识教育也是缺失的，因此工艺美术教育出现了历史性的断层。但信息时代的到来，给工艺美术的传承和创新提供了新的契机和平台，也使被冷落的工艺美术教学得到重生和发展。
二、传统工艺美术课程融入现代设计教育体系的想法
1、以项目为导向建立教学———科研———生产相结合的体制
艺术设计教育在中国根基薄弱。在中国建立并向现代形态过渡的过程中，我们试图找回与传统的链接，然而设计教育———设计———生产———销售各环节是孤立和严重脱节的，在此条件下谈工艺美术教育的现代化和市场化只能是纸上谈兵，必须寻找出一条赋予中国手工艺以现代生机的途径，文化创意产业的繁荣给我们提供了新的良性发展的平台。以北京故宫博物院和博物院的共建项目为例，以竞赛的方式邀请海峡两岸高校学生参加其创新性纪念品设计竞赛，学生们在学校老师的指导下，通过自己对文物和工艺的理解，消解文物的“高大上”，拉近文物与大众的距离，设计出了一系列具有代表性和实用性的文物创意产品。如：的“朕知道了”纸胶带“、翠玉白菜”伞；北京故宫的“朝珠”耳机，“朕就是这样汉子”折扇等许多出自在校学生之手。衍生性创意产品成了非常抢手的旅游纪念品，也成为了人们记住故宫及藏品的代表性符号。从故宫创意产品的案例我们可以看到：博物馆搭起了一个优秀的创意产品资源、销售推广的平台，与此同时，需要高校参与进来，教师研究、引导，学生集思广益，将设计与生产的断点连上，同样，传统工艺美术也可以借鉴博物馆文创产品开发的模式。艺术设计教育中传统工艺课程不能够再闭门造车，当我们借助创意将传统工艺转变为实物产品了，无疑是对教学效果的最好的反馈。
2、综合性大学发挥其多专业优势
截至2014年，全国开设了艺术设计类专业的高校有1400多所，而其中绝大部分是综合性大学，综合性大学的优势在于多学科多领域的融合。今天的艺术设计教育应该归属于一个多元化的艺术学科，我们需要所有艺术范围内各学科的融合，同样需要艺术范围外各领域的融合。随着国家高等教育从精英教育向普及教育转型，对艺术设计教育的侧重点也从对专业人才培养范畴扩大到对大众艺术涵养的普及和提高上，因此，传统工艺美术教育的普及可以借助综合性大学多学科的优势，在校园内部打破专业界限，向各专业的学生进行普及性教育，如以开设“传统工艺美术”全校选修课的形式，将专业技法内容转变为通识性、鉴赏性内容；借助学生的多专业背景，以组织展览或竞赛的形式，使更多跨专业学生加入到推广和保护传统工艺美术的队伍中来。湖南农业大学艺术设计系在全校范围内开设“民间美术”公选课，取得了很好的教学效果且学生选课率也在全校名列前茅，在校园文化艺术节中，组织的“民间美术”课程作业展得到了广大师生的关注，同时还有不少学生提出借用不同专业知识和渠道推广课程内容的想法，甚至开设公众微信号传播某门类的传统工艺。这些都为我们传播传统工艺美术提供了新的思路。
3“、微时代”借力网络资源和网络平台
信息时代是以高科技与现代化为先导和基础，也是打破许多时空局限和全球化的时代，“微时代”的基础是“新媒体”，新媒体是以“数字化”和“互动化”为特征的，人们获取知识与传播知识的路径也发生着翻天覆地的变化：人们的注意力变得越来越短，并且习惯于快速、快餐式的信息接收和文化消费形式。电子设备的便携化与平民化也使得文化产业里的消费者和生产者的界限被模糊，大众可以很容易地变为生产者，或是通过反馈及其它的形式参与生产。受众的习惯反过来又将促进以“微内容”为特征的产业的发展，传统工艺美术的推广和传播离不开广阔的群众基础，借力新的传播手段能让原本“小众关注，精英推广”的传播模式转变为“大众关注，大众推广”。以“日本小夫妻的幸福染坊”为例，文章讲述手工印染的技艺和生活方式。该文通过微信并转发，在一个月内被转发一千多次，点击阅读人数一万多人，这样的传播速度和传播效果是传统教学或传统媒介远无法达到的。因此，探索性的运用微信、微博等新媒体辅助教学内容的传播将是艺术设计专业高等教育未来的探索方向。
4、从地域文化中吸取营养
传统工艺美术从历史生成及传统结构方面看，往往存在极强的地域性，传承人与受众群体往往是相对集中地生活在某一特定地区，拥有大致相同的自然环境，遵循相同或相近的生产与生活方式，并形成相同或相近的生存状态，在文化认同上容易形成共识。日本传统文化设计大师原研哉在《设计中的设计》中曾提到，“将已知事物陌生化，更是一种创造。”传统工艺美术所包涵的大量原生态艺术图形和工艺技法具有人类本源的思维意象，及大量生产、生活经验累积，给当代设计者提供本源的设计思路，有助于形成出奇制胜又合情合理的创意。在教学中有针对性、探究性的考察，收集相关资料、图片、书籍、实物等，利用图形创意与符号的延展，进行整合、提升、优化和创新。针对目前传统工艺美术相关课程与其它艺术设计相对割裂的状况，笔者认为在专业主干课程中融入传统工艺美术的内容，如视觉传达专业的字体设计课强调中文字的造字体系、笔画、由来，并将湖南当地有代表性的视觉符号如马王堆西汉古墓中的符号、毛体字；书籍设计课可以融入不同类型中国传统书籍装订方法，由其在当地博物馆中可以近距离观察的汉代竹简；在其他专业主干课程中强调应用传统元素的内涵形态，并以内涵形态设计范例为指导，促进教师与学生对于当地传统元素形态的重新认识与设计。在设计教学研究过程中，我们围绕“红色旅游”项目，提炼地域文化中的典型视觉形象，如笔者带领学生到湖南凤凰、洪江等地察期间，在民族图案考察与写生的过程中，引导学生观察苗族、土家族图案的造型、用色差异，分析引起差异的原因，而不仅是单纯的临摹或拍摄图案。带着问题思考和观察，学生明显的提高了学习兴趣，并能在考察过程中对当地少数民族特点、生活方式进行深入了解，取得了理想的考察效果。
三、结语
