时间：2022-03-19 10:49:09
序论：在您撰写艺术欣赏论文时，参考他人的优秀作品可以开阔视野，小编为您整理的1篇范文，希望这些建议能够激发您的创作热情，引导您走向新的创作高度。
如果我们对艺术的理解水平是停留在这样一个水平上，那么对艺术来说这不是什么侮辱，但对我们来讲的话，这的确是一种损失。因为，我们丧失了对生命本身的思考与体验能力，丧失了对生活的热爱与再创造的意识。这是一个高素质欣赏者应该达到的，并且是不可或缺的精神状态。如果还无法从一副油画，或一首诗中深切的体验到幸福与自由的话，那么，我们也就不能堂堂正正地说自己是一名合格的艺术欣赏者了。成为一名合格的艺术欣赏者之前，重要的不是先要具备一身丰富的艺术知识与美学思想，而是首先要解放自己的心灵与思想。一个心灵充满枷锁与束缚的人，怎么会体验到电影《肖申克的救赎》中主人公重获自由之身的激动与幸福；一个充满着世俗观念的人又怎能理解伟大的古希腊的身体雕像中所透射出的那种健康而饱满的生命力；一个安于现状的人又怎么能认识到马雅可夫斯基的诗中与现实丑陋彻底决裂的革命精神。为什么在我们少年时候，会喜欢读诗，而随着年龄的增长，以及与社会的接触，会丧失掉那份心境。原因就在这里，我们的身体愈来愈不自由，我们不得不紧跟时代的步伐来安置自己的去路，在工业文明的压制与扭曲之下，在我们的意识里是否还依旧相信忠贞不渝的爱情？我们还会一如既往的对自由与幸福充满着向往吗？我们已经被生活打磨的无棱无角，在岁月与现实的双重磨练下我们变得平庸而又圆滑。当我们的肉体在生存现实与物质诱惑下丧失了最初的愿望与理想下，心灵也遭遇了同样的打击与诘难。
有人曾经说自己是因为缺乏艺术的训练而导致自己无法获得心灵上的解放与幸福。其实，一个人的心灵已经庸俗不堪，给他再多的艺术训练也无法让艺术在他的心灵之中获得至高无上的地位。庄子的心灵是纯粹与自由的，因此尽管在物质贫乏的时代里也依旧获得生活的自由与快乐。一个有着自己的心灵世界的人是最容易与艺术结缘的，因为在他的世界之中，现实中的惯常娱乐与消遣方式是乏味而轻浮的，是无法与人的内心产生深入而亲和的交流与共鸣的。与艺术发生关系则不完全是这样了，艺术除了赐予我们感官的愉悦与满足之外，实际上也是在通过一种轻松而独特的方式向我们诉说着人生的真谛与世界的真理。一部上乘的艺术作品绝对是如此。如果连这样的能力都达不到的话，艺术也就无法与普通娱乐方式相区别而获得哲学与美学上的价值与地位了。日本著名音乐指挥家小泽征尔曾经说过《二泉映月》这样的音乐要跪着听。有着丰富的人生经历与深厚音乐感知能力的小泽征尔给予《二泉映月》的评价是公正的，也是真实的。
这个时候的我们必须具有一种对生活或人生的理解与思考的预设，如果没有这个前提，再伟大的艺术作品也无法感受到它的魅力所在。举个例子，涉世未深的少年听周杰伦早期的作品就如同找到自由与爱情的寄托一样；但是，当他聆听阿炳《二泉映月》的时候，则无动于衷，甚至有些排斥。为什么一个年幼无知的少年无法从这么经典而伟大的作品中获得饱满的艺术体验呢？因为，他们缺乏生命的深度，还不能理解苦难与不幸对于人类的关系与意义，他们充满着对未来幸福与理想的想象力，但是却缺乏对人生与现实的深刻理解与体会。如果面对这样一首经典的艺术作品不能推崇、领会，这个时候的艺术体验者是还没有真正的静下心来思考自己的人生，也没有勇气去思考那些伴随我们从生到死但又沉重无比的东西。我们的审美取向更愿意选择那些轻松而单纯的话题，也指导了我们对艺术作品的选择与定位。一个人对生命的思考越深就越不容易与粗浅而无聊的事物产生联系，相反他会有意识的去与之疏远。就像越是文化水平与审美水平高的人越是不容易跟大众所喜爱的电视发生关系的道理一样，一个有着极高的哲学素养与人生深度的人越容易从一些深沉而严肃的艺术作品获得精神的共鸣与心灵的陪伴。
人的生命走向不是已经被命运规划好了的，人的审美水平也不是一成不变的，它们是一个灵动而自由的事物，如果我们认为这些是死板固定的，也就是承认了人是毫无学习与进步能力的事实。一个人在不同的生活与学习阶段，欣赏同一件作品，不同的时期会有不同的审美体验，懵懂或者敏锐的分辨出艺术作品的水平高低与意味深浅，在不同的生命阶段所青睐的艺术作品也有格调高低与品味雅俗之别。一个人的艺术品味并不是一成不变的，它像人的心灵一样，可以由粗俗变的精致，也可以由俗庸变的富有灵性。而关键的问题是，身处世俗中的我们能否在这个浮躁的年代保持住灵魂的高贵，面对高低优劣的文化产品，我们能否具备一双分辨精华糟粕的慧眼，这才是作为艺术欣赏者的素质中最为关键的东西。只有这样，艺术欣赏者才能在拥有这一审美辨别力的基础上完成对审美意识的高度把握及艺术体验的完满实现。
作者：刘先进 单位：济宁学院音乐系
一、注重提高高职学生的知识文化素养
欣赏者的艺术欣赏水平常常与知识文化素养成正比。也就是说,一个知识丰富、文化素养高的人,其艺术欣赏能力也会比较高。高职学生要提升艺术修养和艺术欣赏水平,必须积累必要的知识文化。首先,艺术是社会生活的反映,社会各个领域人的活动是艺术作品题材的来源。因此,只有对社会生活的众多领域(包括历史的、现实的)具有一定主题了解的人,才能较好地理解作品的思想内容。例如,不了解发生于15-16世纪欧洲的文艺复兴运动,人们就不能很好地理解产生于此间的众多艺术精品,如英国莎士比亚的戏剧,意大利达•芬奇与拉斐尔的绘画,米开朗琪罗的雕塑等等。不了解中国的历史,人们就不能很好地欣赏产生于其间的众多的诗、词、赋、散文、小说以及音乐、绘画、雕塑、戏剧等艺术作品。艺术是社会文化的一个重要组成部分,是建基于社会经济基础之上的意识形态,艺术作品是艺术家在一定的文化背景下创作出的观念形态的东西。所以,每当我们要深入地欣赏一部艺术作品时,我们总要了解它产生的时代社会背景,了解创作者的经历及其思想、感情等。对于高职学生来说,他们的主要生活经历是在学校中度过的,所以必须从社会生活的实践经验和书本知识两个方面来引导他们,使他们具有越来越丰富的知识文化素养,为他们欣赏艺术做准备。高职院校应该在艺术欣赏课中注重加强知识文化的传授。其次,艺术作为人类的一种精神情感活动,有自身发展规律与轨迹。各类艺术家都是在继承前辈的创作经验与成果的基础上,发挥自己的艺术才华,努力将艺术推向一个更高、更新的境界。因此,了解具体艺术门类的本质特征、创作规律、美学特征和艺术手法,并适当地了解中外艺术史上的一些艺术精品及其创作者的情况,对提高学生的艺术欣赏能力大有益处。例如,不了解《诗经》,你就不了解何为现实主义的创作源头;不了解李白、杜甫和白居易,你就不能很好地领略唐诗的绚丽多姿。同样,不知道莎士比亚及其著名悲剧,不了解关汉卿及其悲剧《窦鹅冤》的人,也就很难理解悲剧震撼人心的力量。此外,各类艺术的艺术家所运用的艺术语言和物质媒介是不同的,因此,其创作的规律及艺术手法也就不一样。如果我们不懂何为音乐的旋律、节奏、和声、调式、织体、曲式等基本知识,就很难听出音乐的美是怎样形成的;不懂得何为蒙太奇、何为电影镜头的景别等,你也不能很好的理解电影艺术的技法运用。各个门类、体裁、样式的艺术,具有各自的审美特征和表现技法,必须掌握了这些基本的知识,才能真正把握和理解作品,真正领略作品奇妙的艺术魅力。因此,高职学院应该引导学生了解具体艺术门类的审美特征、艺术手法、创作规律等基本知识,让他们能够由“看热闹暠的外行逐渐转化为“看门道暠的内行。
二、不断提高高职学生的审美情趣
艺术创作离不开社会生活,艺术欣赏也同样离不开社会生活。欣赏者总是在自己生活经验的基础上去感受、体验和理解艺术作品。欣赏者的生活经验越丰富,越有助于对艺术作品的审美欣赏,理解也越深刻。尤其是那些对生活作了高度概括的艺术作品,没有丰富的生活体验和广博社会阅历的欣赏者是很难透彻理解和认识的。同一件艺术作品,人在年少和年老不同时期去欣赏会产生不同的审美体验。只有具备较丰富的生活体验和生活阅历,才能深刻体会和透彻理解对生活作了高度概括的艺术作品,也才能真正欣赏它。[2]艺术欣赏作为一种审美活动,除了具有调节精神、愉悦情感的功用外,还具有陶冶性情、启迪思想和净化心灵的重要作用。如果仅把艺术欣赏视为一种休息或看成是一种娱乐的话,那么这种欣赏只能停在一种较浅薄的层次上,只有不满足于此,更进一步地追求思想上的启迪,情感与心灵的净化,乃至对社会生活理性认识的提高,才能将艺术欣赏提到一种较高的层面上。也才能真正提高我们的欣赏能力。例如,对于电影欣赏,有的学生只爱打斗片、枪战片、爱情片,原因往往在于学生只寻求感官上的刺激与快感。殊不知,即使是动作片、枪战片或反映爱情的影片也有品位高低之分。作为高品位的影片,既不排斥生动、紧张的情节,也不排斥激烈、惊险的格斗与枪战,又不排除真挚炽热的爱情,但更追求艺术形象的感人和主题的深刻。为什么我们不能在获取情感愉悦的同时也寻求精神上的教益呢?关键就在于我们是否致力于培养自己健康的积极向上的审美情趣。尤为值得一提的是,生活中有些人在腐朽、落后、消极的人生观驱使下,一味地从那些黄色小说、画册与录像中寻求刺激,完全违背了艺术欣赏的主旨。实际上,这些人的思想意识中,美与丑已经被完全巅倒,这就不仅仅是欣赏品位的问题了,而是精神堕落、思想腐朽的表现。上述行为又往往与社会犯罪联系在一起。对于青年来说,有时由于好奇心的驱使,同时也因为缺乏正确的人生观与审美观,也可能导致上述“欣赏暠行为。作为当代的青年,除了应接受先进人生观教育之外,还应该学习马克思主义的美学理论,树立正确的审美观,培养高尚的审美情趣。此外,在古今中外一些经典艺术作品中,有时也会出现一些不美的瑕疵,这对于那些思想尚未成熟的青年来说,常常会产生一些负面影响。这就需要学校、社会与家庭加强对他们审美教育,当他们欣赏这些作品时,给予一定的指导,而不应采取封闭和禁止的办法。因为那是一种因噎废食的不明智做法,不仅禁止不住,反而会导致青少年更大的好奇心乃至思想上的混乱。高职院校责无旁贷地担负着培养和提高学生审美情趣的任务,高职院校切实履行这一职责,才能使他们的世界观、价值观、审美观达到健康、正确、先进的高度,才能真正提高他们的审美能力、艺术欣赏能力,促进他们审美人格的形成,成为全面发展的人才。
作者：黄庆兰 单位：武汉交通职业学院
作者：王宇 单位：哈尔滨学院
开放式教学，需要解放教学思路上的禁锢，对学生的一些新的学习方法和兴趣用正确的方式加以引导。对于现在的大学生，往往已经是九零后的一代，既有着年轻人特有的属于这个年龄上的求知、好奇，同时他们是随着互联网成长起来的一代。尤其是随着信息化的加速，网络和通讯对教学传统模式产生了很大改变。在课堂的教学过程中，近些年越来越多的发现学生会使用手机查阅一些资料，无疑这样会对课堂的听课质量产生一定的干扰，但是如何利用学生对互联网知识的热情，用引导而不是一味的硬性禁止是摆在我们面前的一个重要问题。网络上的资料覆盖面广、查阅方便、知识更新快且杂这些快餐式的特点非常符合年轻人的心理需求。我们就在课后布置一些研讨性的开放命题，将课堂的学习延伸至课外，例如调研花园街一带旧有建筑风貌保护，鼓励学生自己查找资料，现场调研，从一个小的课题引申出多个知识点。这样课下的功夫已经做到，学生自然不需要再在课堂上分心，同时对于老师提到的知识点又有事先的查阅和了解，大大增加了课堂知识的吸收。
开放式的教学环境需要联想、启迪等教学方法相适应
开放的教学课堂，需要能带动每个学生的参与意识，鼓励学生的开放性思维。问答式、启发式、联想式教学都可以创造出更活泼、开放的教学环境。梁思成先生在课堂上就非常注重教学的直观性，他曾经用自己补牙来比喻古建筑修复上的“修旧如旧”，这种比喻既直观又生动，使得学生记忆深刻，而且又一下拉近了师生之间的距离。开放式的课堂，是让每个学生都能找到适合自己的学习位置，而不是培养专一型的人才。建筑专业本身，就是既有专业性，也具有大众化的一面，教学中和其他学科的融会贯通是极其必要的。在建筑艺术赏析的课堂上，就可以利用学生对其他学科的认识和了解加深对建筑的印象。中国古典建筑，本身与诗词、绘画关系密切。中国古典的造园手法中的“借景”是非常重要，明代著名的造园家计成在他的《园冶》中就提到“构园无格，借景有因”，可见在面积有限的园林重要体现出无限的意境是很难的。课堂上结合古典诗词“窗含西岭前秋雪，门泊东吴万里船”，让学生进一步体会到中国古典私家园林为什么被称为“文人园”的深刻意境。还有古典园林中的月门、瓶门，都是利用联想的方式达到建筑上的目的，这些建筑中的象征和隐喻手法必然要和其他学科相互联系贯通。而学生能把新学到的知识和自己以前的了解相挂钩，学习兴趣也必然大大提高。
开放式的教学需要开放多元的考核方式测试学生的多层次能力
打破传统封闭教学思维上的禁锢，改变过去与实践相脱钩的教学目的。如何能更好的提升学生的学习积极性，也是开放式教学的目的之一。建筑艺术与赏析，本身实践性很强的一门课程，过去曾经试验过采用论文方式、试卷方式作为考核，但是结果不是十分理想，不是演变成学生为了应付考试死记硬背知识点，就是有时会出现论文借鉴部分过多而失去想要学生自我思考的意义。开放式的考核方式，需要能全方位的考核的不仅仅是学生对于知识点的掌握，更重要是学生学习问题和解决问题的能力，这些对于学生日后进入社会工作的成长非常重要。基于这些考虑，加大了平时成绩在总成绩中的比重，约占百分之四十。在平时成绩的考核上，我们采取多种方式并重，例如讲到中国古代施工中土堆亭的时候，组织学生课下分组讨论、研究，并绘制施工方法的示意图；另外要求学生动手组装实验室的斗拱模型，从而加强他们的动手能力和对古建筑结构形式的理解；讲到折衷主义建筑风格时候，组织学生调研哈尔滨的这种建筑的分布，产生以及现状。而在期末的考核上增大开放性试题的比重，不强调单一答案，更注重学生对于命题的理解与深度。这些方法大大增加了学生学习的兴趣和参与意识，避免“平日作业基本靠抄，期末考试基本靠背，高分低能”的现象。而且在培养学生动手能力的同时，还鼓励了创新精神。
在艺术创作的领域，个体生命的投入非常深，因此，艺术创作常常被形容为一种类似生产婴儿的过程。中国清代的伟大文学作品《红楼梦》是作者曹雪芹生命最后十年呕心沥血的创作；俄国19世纪伟大的文学家陀思妥耶夫斯基(Dostoevsky)也以最后十年的生命，投入于他最后的作品《卡拉马佐夫兄弟》。这两部伟大的小说，都没有完成，但似乎丝毫不影响它们在人类文学史上长远广大的影响。
曹雪芹写作《红楼梦》时已经是家业颓败、穷困潦倒，他对自己一生的回顾，有极深的眷恋、感叹，他形容这本书是：“满纸荒唐言，一把辛酸泪；都云作者痴，谁解其中味。”
好的艺术创作往往是创作者个人执著的痴迷。“痴”这个字，在中国艺术中常常被用到，用来形容艺术创作中最动人、最不可解，执著而又专注，以至浑然忘我的那种情境。
“痴”在一般世俗的意义上，并不是一个有正面意义的字。从字形上来看，“痴”是“广”的部首，合起来，是“理知”的“病”。我们一般说“白痴”，大约也特别指智能上的某种障碍。但是，在中国，许多艺术创作者喜欢“痴”这个字，也有许多艺术的欣赏者，把“痴”当成欣赏艺术的最高情境，·我们在一般日常生活中，也常常听某一个人形容自己阅读小说、看电影、欣赏舞蹈或听音乐，到了“如痴如醉”的地步。
中国古代与“痴”有关的两个艺术家，一个是晋代的顾恺之，一个是元代的黄公望。
顾恺之几乎是中国最早被著录的绘画创作者之一。他的《女史箴图》现在收藏在英国的大英博物馆，是中国早期的绘画杰作之一。顾皑之也以三国时曹植著名的文学作品《洛神赋》为题材画成了美丽的故事画，以后历代都有临摹，是绘画史上的名作。
曹植的《洛神赋》据说是描写他一段隐秘不可告人的恋爱，曹植在爱情的失望与感伤中回家，路过洛水，神思恍惚，看到有一美丽的女子在水面云端飘飞，旁边的人告诉他那就是洛水之神——窃纪。曹植因此写下了动人的《洛神赋》，是中国非常早的一篇专门描写女子美丽形貌的文章。这样美丽的传说，加上文字的优美，当然激发了画家顾皑之用绘画表现的渴望。
年代太久远了，顾恺之的《洛神赋》原作已经失传，但是依据宋代的摹本，我们还是可以感觉到顾恺之塑造的“洛神”容貌举止细腻，衣带裙据飘飞，的确是凌波微步、仪态万千的女神。
历史上赞美顾悄之，说他“画绝、才绝、痴绝”。
“绝”有“登峰造极”的意思，表示顾俏之绘画、比的“一绝”。才能都到了无人可
我们对“画绝”“才绝”，都比较容易了解。在绘画、才学方面的努力，达到一种无人可比的登峰造极之境，使人鼓掌喝彩。
但是，怎么解释“痴绝”呢?
“痴”如果是一种“理知”的病变，为什么在艺术创作与艺术欣赏两方面都如此被特别看重呢?
元代的大画家黄公望，以“大痴”作为他画画的名号。不但要“痴”，而且要“大痴”，似乎也继承了顾恺之以下中国艺术的一个重要的传统。
正如曹雪芹写《红楼梦》的感慨：“都云作者痴。”
“痴”是一种状态，是在艺术创作的领域，创作者完全忘掉现实的理知，像一个疯傻的痴呆者一样，一心专注于别人无法了解的领域的一种执著和沉迷。
曹雪芹的痴，顾恺之的痴，黄公望的痴，都是经由艺术创作，把自己的生命提高到了一股理知以上的层次。
在现实世界中，我们大多在追求“理知”。从小到大，我们的教育、我们的考试，也都在测验、培养我们“理知”的能力。一个是非题。训练我们判断“是”与“非”；一个选择题，训练我们辨别的能力。这种理知、分析、判断的能力当然对我们的成长有很大的帮助。
但是，人是不是只需要理知、思维、判断?
用一生的时间，培养了判断是非与选择的能力，生命就没有了介于是非之间、难以选择判断的时刻?
当然不是。是不是说明我们的
我们的生命，其实充满了各种复杂的矛盾。我们理知所能了解的部分，在整个宇宙中，其实微乎其微。
真正的理知，到了深邃之处，也可能不是是非与选择。甚至，没有解答，只是一种近于“痴”的专注与执著而已。
我们其实对“死亡”一无所知。科学上对“死亡”的界定，是心脏停止，是呼吸停止，是脑波停止，也都还有争论；而在广阔的哲学或宗教的领域，“死亡”更是不断被不同的理论所拴释。
庄子曾经怀疑过简化的是非二分法。他说：“此亦一是非，被亦一是习F。”
这种对于是非理知的质疑，为中国保留了一个个人继续执迷、探索、思考的过程。
艺术创作中的“痴”，艺术欣赏中的“痴”，都非常像这种执迷、探索、思考，却又不断进人新的困惑的处境。
艺术创作者呕心沥血，在创作的过程中，是一种“痴”；艺术欣赏者，在作品中陶醉痴迷，如醉如痴，也是一种“痴”。前者比较辛苦，后者则是分担前者的伤痛与喜悦，也同时释放了自己的忧伤与喜悦。
因此，“如醉如痴”的确是欣赏艺术的一种情感，也是一种健康的态度。
“醉”和“痴”都有一点逃开理知的暗示。
我们平常的现实生活中，“理知”的运用太多了，我们总是用太过目的性的方式看待生活，一切都安排得井井有条，一切都从现实的利益考虑，一切都斤斤计较。但是，当我们微“醉”和微“痴”的时候，我们会忽然发现生命除了现实之外，还有其他海阔天空的领域，我们借着艺术欣赏上的“醉”和“痴”，把自己从狭窄的理知世界中解放出来，得到一种自由，得到另一种对生命不同的爱与享受。
因此，艺术的欣赏，虽然不同于艺术创作，没有那种整个生命投人其中的呕心沥血的辛苦，但是艺术欣赏本身，也一定是个人生命经验一次难得的释放。
我们是否曾经被一首诗感动，到了眼热心酸的地步呢?唐代的李商隐写他自己的爱情，写到“春蚕到死丝方尽，蜡炬成灰泪始干”，我们或许都心中一惊。我们小时候也许养过蚕，看到春天的蚕，不断吐丝，把自己缠绕起来，那吐丝的过程，其实也就是一个生命死亡的过程，然而，它那么专注，那么执著于完成一个茧；蜡烛也是我们熟悉的经验，蜡烛一燃烧，放出了光亮，也同时是它毁灭自己的过程。李商隐这首诗，一般被认为是一首恋爱的诗，但是，好的艺术作品，经历一千年，与千千万万人分享它的忧伤与喜悦，通常都不会狭窄到只是很个人的恋爱。或者说，李商隐是借着自己对爱情的执著痴迷，分享了春蚕与蜡炬的生命的庄严，又借着春蚕与蜡炬，和我们分享了生命不可言说的美丽与辛酸的情境。
在这首诗的欣赏中，我们可以借由李商隐的生平传记，经由唐代社会的一些资料，经由一些有关诗的典故或格律的知识，来增加我们欣赏的信心。
但是，我们已经在前面讨论过，艺术欣赏是对我们理知层次的一种提高，伎我们从单一狭窄的理知思维中解放出来。因此，真正使我们进入艺术欣赏核心的，永远是艺术作品本身。分析性的资料或许有佐助的好处，但绝不能代替艺术欣赏经验本身。
李商隐的生卒年代、李商隐的出生地、李商隐做过什么官、哪一年中进士，这些是属于理知范围的资料，我们在其他课程中，都可能有机会得知。这种理知的训练也比较容易用考试来测验一个人的用功程度。例如：李商隐生于哪一年，可以设计成是非题，或选择题，答案也只有一个。
但是，“春蚕到死丝方尽，蜡炬成灰泪始干”，好像一下于说出J我们自己的心事，使我们经验到生命中那种自负而辛酸的记忆，使我们仿佛感觉到一种至死无悔的爱的执著，使我们一刹那经验到宇宙间一种生命本质的庄严，使我们有了生命的慨叹、观照，使我们对这似乎又可爱又可怜的生命有了一点点领悟，这些，远远超出一般是非题与选择题的判断，也远远超出理知的范畴，是我们与自己、与历史、与直古宇宙的对话，没有人可以测验，也没有人可以判断。
艺术欣赏的态度，其实是一种专注。我们在聆听贝多芬的《第九交响曲》时，感觉到一种层层的阻碍，而生命在阻碍中前行，一次一次地仆倒，一次一次地沮丧与绝望，而最后，不知道是不是通过了一切的阻碍，只是感觉到阻碍已不再成为压力，因为生命的前行找到了自己的意义，可以昂首挺胸，可以高声欢唱，可以站起来迎向巨大的光明。我们专注地进入声音的领域，声音会告诉我们有关贝多芬的种种：和我们一样，和大部分的生命一样，他，有过梦想，有过渴望，有过梦想的破灭，有过致死的沮丧与悲痛，然而，他也和我们一样，要穿过那黑暗、幽邃、阴郁的通道，努力攀爬到光明的顶峰。
在贝多芬的乐曲中使自己热泪盈眶吧!也许从来没有一种课程，使我们知道“热泪盈眶”的意义。生命，只有在触到自我最深的底层时，才可能热泪盈眶。而一切对生命的理解与信仰，都要从“热泪盈眶”开始。
“热泪盈眶”中，没有绝对的是非，没有选择的武断，“热泪盈眶”是因为我们知道生命艰难，我们愿意向艰难中挣扎的生命致敬，我们不去判断生命的是非，我们只是致敬，致敬不只是理知，也是一种信仰。
艺术的欣赏也正是一种对生命宽容的学习。
一般来说，人在现实中，常常有从个人利益出发的喜恶爱恨。
但是，在艺术欣赏的过程中，往往可以把这种太过个人的利益抽离，使我们的喜恶爱恨可以扩大，也可以提升。
例如，我们阅读小说时，小说中的人物，有时候会很近似现实中的人物，而小说中的人物，又不完全是我们现实中的人物。这种艺术上的若即若离，使我们在阅读小说时，得以与现实保持一种游离关系，也保持一定的距离来观察现实，对现实的喜恶爱恨就不会那么胶着，相对有了可以净化和沉淀的机会。
越伟大的文学，越伟大的艺术，越有能力使人对现实进行持续不断的思考与反省，也往往使一件好的文学或艺术作品使人看了又看，听了又听，似乎永远可以获得启发与满足。
《红楼梦》就是一个很好的例子。许多人都反复阅读着这部小说，而且都有共同的一种奇异经验，就是：不同的年龄读《红楼梦》，会有不同领悟和启发。
一般来说，一部小说，如果只是一个故事，阅读完之后，知道了故事情节，就不会想读第二次。是什么因素使人想一再阅读《红楼梦》?为什么在每次阅读中会得到不同的经验呢?
我们大概逐渐会发现：文学艺术上的阅读，不只是在阅读作品，其实也有一部分在阅读自己。艺术欣赏的过程，不只是欣赏艺术作品，也同时是在学会以宽容之心欣赏自己和他人的生命。
《红楼梦》提供了许多人物的典型，贾宝玉是一个十几岁的少年，他摇摆于薛宝钗和林留玉之间的爱情成为全书的主轴。十几岁的少男、少女，他们彼此眷恋、向往，爱恨纠缠，使我们想到自己年少时的种种。随着全书的发展，我们也仿佛经历着一次青春的爱恨，只是，随着年龄的不同，对爱根的看法也可能很不一样，年少时执著缠绵的恋爱，很可能在中年以后，会变成一种淡然一笑的自嘲。因此，曹雪芹不只提供了他的爱情，其实也伎读者在他的世界中经历了每一个人自己的成长与变迁。好的文学与艺术一定会留很多的余裕与空白给欣赏者自己去避游。文学与艺术，借着“欣赏”这样的心情，跨越了创作者与阅读者，跨越了时间与空间，使我们觉得文学与艺术中的事也就是我们自己的心事，可以与古人对话，也可以与不同族群、不同文化领域的人对话。
因此，我们说，艺术欣赏是学习宽容。《红楼梦》中也有心机狡诈的人，如王熙风，一个十八九岁的女子，却非常好强，喜欢表现自己的能力。她与尤二姐争风吃醋，便设计害死了尤二姐，我们初读这段，大概都会觉得王熙风狠毒，但是，作者还是很心平气和地写王熙风其他的事：她年纪轻轻，一个人掌管几百口人的大家族，处事非常果断明快，又很像一个自主能力强的现代女性。
曹雪芹在小说中不让我们立刻觉得谁是好人、谁是坏人，《红楼梦》的每一个人物似乎都有可爱之处，又都有可怜之处。好的文学与艺术让我们学会用更全面的方式去“欣赏”一个人，而不是用片面的成见去判断一个人。
我们在现实中，一定也常常碰到自己喜欢的人或不喜欢的人。不喜欢的人，做同学或做同事，朝夕相处，大概是很痛苦的事。因为我们已经有了成见，有对他人“不喜欢”的判断。如果有机会用欣赏小说中人物的方式去观察这个自己“不喜欢”的人，你可能会发现好的小说不会单方面只写坏人的坏，或好人的好，因此，我们就需要一种全面周全的观察，也慢慢会发现，世界上并没有绝对的好人或坏人，一个人大多受周遭环境的影响，形成某种特性，小说或艺术，都是要处理这种特性，也就必然要抛弃成见，逐渐养成对人的“欣赏”，而不是“判断”。
因此，我们可以说，怀有艺术欣赏的心情去看人生，是一种有福气的生命。因为“欣赏”是一种包容，一种宽恕，一种同情与悲悯，也是一种真正的爱。
在现实社会中，看到妓女，我们可能会咳之以鼻，觉得是败坏道德的人。这个妓女若是犯了罪，被人判定是谋杀亲夫，被押解到法院审判，我们大约也会不加怀疑地判断这是一个“坏”人吧。
中国传统戏剧中大家非常熟悉的一出戏叫《玉堂春》，描写一个叫苏三的妓女，被进京赶考的书生王金龙爱上，在妓院中欢度一段时光，钱花完了，王金龙被赶出妓院，潦倒街头；苏三便偷偷拿了钱给王金龙，鼓励他去参加考试。王金龙赴考，中了状元；苏三却被妓院卖给一个性沈的商人为圭，被大妻陷害，下毒调杀了沈氏，苏三便被诬告为下毒的人，从此下狱，受尽苦刑。她从洪洞县被押解进省城受审的一段，叫做“苏三起解”，是许多人爱看的一段。通过戏剧的欣赏，我们忽然觉得苏三不再是我们成见中的“妓女”或“罪犯”，她和我们一样，有爱情的渴望，有对人的深情，她到了下狱受苦，仍念念不忘曾经信誓旦旦的王金龙，惦记着他的安危，希望有他的讯息。
艺术的欣赏，一步一步，使我们学会了宽容，学会了以更全面的方式观照生命，使冰冷残酷的现实中多了一些温暖的深情。
一片风景或一个人，被一个画家处理成一张画，就不只是一种现实，也同时加入了作者对风景或人的信仰与爱。我们透过画去看一片风景或一个人，也是在经验这风景与人所透露出的信仰与爱。
我们在看一张画时，常常会忍不住赞美说：“画得真好，像真的一样。”我们在欣赏一个人的时候，也常常会忍不住赞美说：“真美，像画儿一样。”
艺术使我们懂得“欣赏”真实的人生，“艺术”与“人生”本来就是一体的两面。欣赏人生，使人生变成艺术；欣赏艺术，使我们更懂得宽容人生。
生命中有现实的苦闷、污秽、残酷、不幸，那么，到艺术甲云职烁自己，去看画、听音乐、读诗、读小说、看戏剧或电影，让我们在苦闷中看到舒畅，在污秽中看到明净清洁，在残酷中看到温暖仁慈，在不幸中期待一切的圆满幸福。艺术，在某一个意义上，非常像宗教，懂得欣赏艺术，懂得向美致敬，也就懂得了宽容、悲悯与赎罪。
对于电影美学研究来说，“电影美学”本身还是一个问题，就更不必说“中国电影美学”了。尽管在解决这个问题的过程中将会遇到一系列麻烦的理论问题，但是，只有在解决这个问题的过程中电影美学的研究框架和学术规范的问题才能恰当地提出来并且得到确定。很显然，这个问题如果不能得到很好的解决，不管我们已经有了多么丰富的电影美学思想，电影美学的研究都不大可能卓有成效地展开（因为电影美学研究是一个庞大的工程）。提出这一问题的初衷，不是为了限制电影美学研究的创造性，而是为了更有效地利用和发挥这种创造性。这一点，从学术研究的群体性（科学研究越来越需要合作与协作，而不是单干）和机构性（即有组织地进行）运作的角度，更容易理解。其意义在于，最大限度地节约和有效地利用有限的文化资源（包括财力与智力的投入）。在国内有关高校正在积极申请国家影视学术基地之时，这个问题的提出与解决便具有更为紧迫的现实意义。
首先是电影美学的研究对象亟待明确。
电影美学的研究对象是一切电影审美现象。如果我们接受这个界定，接下来的问题就是如何界定电影审美现象。对于这个问题，我的观点是，电影审美现象是一种效果现象（当然同时它也是一种等级现象）。也就是说，电影审美现象只能根据电影观众的审美接受状况来确定。
而电影审美接受只有在与电影艺术接受的区分中才能更明确地加以确定。这又涉及到对于审美与艺术的理解问题。我认为，电影审美接受可以界定为对广大观众接受起来比较顺利、而且一般来说也比较高尚的因素的接受。电影艺术接受可以界定为广大观众接受起来有一定难度、而专业工作者却特别敏感的因素的带有探索性的职业性接受。在这个意义上，电影审美接受不同于电影艺术接受。但必须说明的是，电影艺术接受可以转化为电影审美接受。也就是说，电影艺术现象有可能（但不是必然）转化为电影审美现象，而电影审美现象则必定曾经是电影艺术现象。从这样的观点来看，无论是所谓的“娱乐片”，还是“艺术探索片”，都是既有审美因素，又有非审美因素，只是，这两者的两种因素的分布有很大不同。娱乐片以审美因素为主，探索片以艺术因素（较严格意义的艺术）为主。应该指出的是，影片中的比较露骨的色情因素和残忍的暴力因素、恐怖因素，在绝大多数情况下都既不是审美因素，又不是艺术因素，而是非审美因素。这些因素的弱化，可以在一定程度上增加审美色彩。但这并不意味着非艺术、非审美的因素在电影中是应该绝对地加以排斥的。
其次是电影美学的研究目的亟待明确。
电影美学的研究目的是为了对电影作品（一部或一批）进行美学分析。对电影作品作美学分析，不同于对电影作品作艺术分析。这种不同主要是着眼点的不同。其次是所针对的电影作品的断层不同。艺术分析更着眼于电影作品在专门化和创造性两个方面的贡献。美学分析更着眼于电影作品作为审美对象（或者更严格地说，电影审美形态）这一既成事实的形成规律，或者说电影作品审美效果的形成机制和规律的分析与运用。因此，美学分析比艺术分析更关心电影作品作为整体的复杂构成。在对电影作品的美学分析中，电影作品不能再被理解为只是一种简单的线性构成物，而是必须被理解为一种具有复杂结构的多级表意生成系统。可以把这种分析称之为系统性分析。在这样的理解与分析中，电影美学的研究框架才能形成。
与此同时，还应当有另一种分析，即对在电影作品的各个层面中都发挥作用的审美规律与审美原则的分析。可以把这种分析称之为规律性分析。正如法国电影理论家米特里所说：“电影美学就归结为确定一种形式由于某种内容和某种意图的关系，怎样和为什么优于另一种形式，换句话说，它要在特定情况下为这些形式确立其心理学的依据。”[1]
如果说电影艺术学研究的是电影作品媒介的“特化”特征，那么，电影美学研究的就是产生电影作品效果的“普化”规律（尽管它要面对大量个别的电影作品）。也就是说，电影美学必须在同电影艺术学的区分中加以界定。这些问题都是我们在提出中国电影美学之时所必须考虑的。
摘要：职业教育中开设艺术欣赏课程，把艺术教育融入职业教育中，能够激发学生的学习兴趣，丰富学生生活，对提高学生的自身修养和整体素质具有重要意义和作用。
关键词：艺术欣赏；职业教育；作用及意义
随着经济的发展和社会用人需求水平的提高，现代职业教育领域中，人才培养目标不仅仅是培养在生产、服务一线工作的专业技能型人才，具有一定的艺术欣赏能力和艺术特长的学生在就业上往往会占有更大的优势。因此，很多职业教育学校纷纷开设艺术欣赏课程来培养学生的艺术修养和艺术素养能力，注重学生审美能力和创造力的培养，从而提高学生的艺术水平和文化内涵，培养学生在社会中的竞争力。本文从职业教育院校学生的艺术欣赏现状出发，探讨艺术欣赏对推进职业教育起到的重要作用及意义。
1职业教育院校艺术欣赏现状
职业教育作为高等教育的重要组成部分，不仅要求学生具有较强的专业技术能力，还要求学生具有健康的身心素质，同时还要具备欣赏和创造美的能力。因此，对于职业教育学生全面素质能力的培养，良好的艺术欣赏能力是不可或缺的。虽然很多职业院校开设了艺术欣赏课程，但职业教育院校学生的艺术欣赏能力仍存在着以下几种情况：
（1）艺术素养不高。职业教育院校的学生多来自中小城市或农村地区，由于经济条件的影响，生活水平低，群众对精神生活的要求不高，艺术覆盖面差，很多学生来只有在进入大学后才有机会接触到电影、戏剧、画展和音乐会等多种形式的艺术门类和艺术作品，因而导致职业院校学生艺术基础差，艺术素养相对不高。
（2）审美和欣赏能力落后。由于经济和文化环境影响，大中城市和城乡间在艺术课程的教育水平上存在极大的差异，加上家庭对艺术的重视程度和学校师资力量等条件的影响，学生对艺术基础知识和艺术常识了解甚少，只能通过电视或网络的方式来获取信息。然而电视或网络多样的艺术和娱乐形式经常是高雅与低俗并存，职业院校的学生在年龄上和心理上正是世界观和审美观形成的阶段，分辨能力有限，很容易被一些低俗的、感官刺激的事物所吸引，进而导致学生对艺术的审美和欣赏能力较为落后。
（3）想象力和创造力差。城镇的一些艺术教育培训机构基础相对较为薄弱，专业的艺术教育工作者较为缺乏，因而学生很少有机会接触正规的艺术课程教育，往往只是学习一些通俗的艺术门类，如音乐、美术等艺术方面的培训。教师在培训过程中也仅仅是以唱歌或画画的方式来教学，忽视学生想象力和创造力的发展。学生们虽然在唱歌和画画，但真正能够从音乐和美术的角度去理解知识的学生少之又少，艺术欣赏就更无从谈起了。思维方式较为守旧，难以激发学生在艺术方面的想象力和创造力。
2艺术欣赏在职业教育中的作用及意义
开设艺术欣赏课程能够提高职业教育学生的艺术鉴赏能力和艺术审美能力，从而净化思想、完善品格、陶冶情操和促进身心健康发展，提高学生的艺术修养和综合素质，让学生的精神境界得到升华，自身得到美化。
（1）艺术欣赏有助于职业院校的素质教育。素质教育不仅包括专业知识和综合技能的培养，更重要的是培养学生在思想道德、个性发展、身心健康等方面综合素质。素质教育有助于学生塑造高尚的道德品质，确立正确的人生观、世界观及价值观。研究发现，艺术欣赏能力在职业教育院校学生综合素质培养方面起到得天独厚的作用。职业院校的学生普遍分数不高，加之很多学生来自一些中小城镇或经济条件差的地区，上大学之前很少接触多样的艺术门类和艺术活动，因而艺术素养不高。艺术欣赏课程作为职业教育院校培养高素质、高技能人才的重要途径，注重学生审美情趣的培养，让学生在丰富多彩的活动中发挥一技之长，能够在陶冶情操的同时，潜移默化地提高学生的个人修养和综合素质，为完成职业教育的人才培养目标奠定坚实的基础。
（2）艺术欣赏能够开阔学生视野，丰富学生业余生活。艺术欣赏一方面让学生在课堂上开阔眼界，拓宽思维，提高学习兴趣和学习热情，扩大知识领域；另一方面，也极大地丰富了学生的业余生活，提高了学生的精神境界，让学生的精神生活更加充实。艺术欣赏就像将一粒美的种子种植于学生的心田中，这粒种子在学生的心中生长开花，让学生一生的精神生活丰富多彩。艺术欣赏课最直接的作用就是让学生以艺术的眼光和态度去看待和欣赏周围的事物，进而去发现美、欣赏美和不断地追求美。
（3）艺术欣赏有助于学生身心健康教育。研究发现，艺术欣赏能够使人精神愉悦，能够净化心灵，增进健康。例如，优美的音乐旋律能够刺激人的神经系统，让人心情舒畅，解除疲劳。再如，美好的画面能够让人视觉愉悦，放松心情。现代大学生的学习负担较重，身体和心理承受的压力较大，枯燥乏味的专业课让学生长期处于精神紧绷的状态，这些情况极易引起学生情绪波动，导致学生身心发展不平衡。因此，职业教育院校开展艺术欣赏课，能让学生在紧张的学习生活中得到精神的放松，通过欣赏、鉴赏优秀的艺术作品，能够培养学生的艺术兴趣，让学生在欣赏的过程中形成健康的审美意识，进而让学生的身心得到健康发展。
（4）艺术欣赏有助于情感教育。人在面对美好的事物时会产生愉悦感和爱慕感，这种对客观事物的态度即为情感。在现实生活中，情感在人的实际行动中也起着重要的推动作用。艺术欣赏有助于培养人的自尊、自爱、自信、自立、自强等方面的情感教育，因此，艺术欣赏已日益融入职业教育的人才培养目标和教育体系中。在职业教育的艺术欣赏课堂上也会采取多种形式的教育方式。例如，在艺术欣赏课中为学生播放爱国主义歌曲能够让学生精神振奋，情感得到共鸣。当国歌响起的时候，学生会在庄严的节奏中产生重任在肩的责任感和使命感《；黄河大合唱》等爱国歌曲会让学生产生强烈的民族自豪感《；歌唱祖国》等歌曲会让学生对祖国山河产生深厚的使命感。因此，艺术作品的展现和欣赏能够让学生在真、善、美方面得以启迪，从而唤起学生对健康、高尚、向上精神的追求。由此可见，艺术欣赏在情感方面的教育是其他形式难以企及的。
（5）艺术欣赏有助于审美力和创造力的提高。艺术欣赏课中，一系列艺术活动和艺术门类的开展能够提升学生的学习兴趣，增强学生的参与性，从而让学生在艺术创造中得到审美力和创造力的提升。例如，很多职业院校开展音乐欣赏和美术鉴赏等教学形式，在“寓教于乐”“、寓教于美”的环境下借助音乐、美术形象来激发学生的想象力和思维能力。优秀的艺术作品能够打动学生的情感，艺术的感染力在轻松的氛围下引发了学生的审美力和学习兴趣，从而让学生在精神方面获得享受和满足。还有的职业教育院校经常开展艺术节、艺术展等多样活动，鼓励学生积极参与。学生在参与的过程中，艺术创造力和表现力得以提升，实现了角色上的转变，由课堂上的欣赏者转变为生活中的创作者。这有助于培养学生的创造力和创作热情。总之，美的艺术作品能够打动人心，有益的教育能够让人受益终生。职业教育作为培养高素质、高技能人才的重要教育体系，让学生在具备专业技能的同时并具备良好的自身修养和艺术素养，已经成为职业教育人才培养体系的重中之重。让学生以艺术的角度去欣赏美和感受美，进而将艺术的审美力和创造力运用到实际工作中，也成为职业教育院校开展艺术欣赏课的意义所在。因此，将艺术欣赏运用到职业教育培养体系中，对于培养学生的人文素养、塑造健全的人格、树立正确的审美观念、建立高雅的艺术品位具有重要的作用及意义。
在高校审美教育中，艺术欣赏课的开设，是为了让大学生在面对古今中外优秀的艺术作品时，在教师的引导下，通过对艺术作品的分析和评价，去理解艺术家的创作初衷和体悟艺术作品中内在的精神含义，达到提高大学生的艺术修养的目的。高校艺术欣赏课的教学的内容和形式直接影响学生的审美能力。社会的进步，大学生的思想也在进步，而教师的教学思维和教学方法也不能停留在以往的教学模式。也要跟上时代的脚步。艺术欣赏是视觉思维的过程。也是欣赏者审美创造的过程。在教学中要以学生为主体，要反思自己在教学中存在的缺点或不足，及时改进。结合多年教学经验，扼要阐发我对高校艺术欣赏课教学的学生培养功效。
一、重视艺术欣赏课中对学生创造力的培养
创造力，是高等教育中培养大学生素质的核心问题，所以要重视对大学生的创造力的培养。欣赏的过程，也是培养欣赏者创造力的过程。艺术欣赏课可以使学生在欣赏艺术的过程中，对作品的色彩、比例、空间、节奏等视觉思维得到培养和训练，以欣赏的方式帮助学生开拓视野，发挥学生的空间想象力。艺术欣赏和美术创作一样。都是一个思考与创造的过程，在教学中应充分挖掘学生的想象力，培养学生的创造力。众所周知，优秀的艺术作品，可以激发欣赏者展开丰富的想象力。在艺术欣赏课过程中。由于欣赏者面对的是具有启发性的视觉形象，所以会自然地唤起种种联想和想象。拿国画的留白来说，留白，并非没有实际意义，国画的留白即画中的虚景，是国画特有的一种表现方式，作画者为了让画面达到完美的效果，使画中景物看起来更协调，也给欣赏者留有更多的想象空间，所以在画面中做留白的处理，使画面关系更清晰。在绘画中，要善于处理好留白与绘画的关系，使画面达到完美的视觉效果。在创作中，可以使作品表现得很完整或很具体，但是都不要忘记留给欣赏者一些想象的空间。在艺术欣赏教学中。培养学生由局部观察转为整体观察，由平面观察转为立体观察，由自然观察转为艺术观察，以提高学生的观察力，进而培养学生的创造力。
二、重视艺术欣赏课中对学生审美观的培养
美术课的专业教育目标，首先是让大学生具备正确的审美观。教师要引导大学生在审美实践中提高对自然美、社会美、艺术美的认识，培养他们对美的事物的感受力和鉴别美与丑的能力。艺术欣赏课。是对学生进行审美观教育的方式之一。艺术欣赏课可以让学生集中的、长久的体验作品给我们带来的情感和认知。在教学中要培养学生对艺术语言(表现艺术形象及感情的点、线、面、体、色彩、明暗、质感、量感等)的认识，例如，线是点移动的轨迹，有直线、曲线、折线之分，线有粗细、长短、曲折、浓淡等变化，不同的线给人传达的是不同的心理感觉；色彩的审美特性是十分明显的，它具有表情性，能够向我们传达出一定的感情意味，传达出能够引起人的情感的信息。红色表现的是热烈而兴奋的，黄色表现的是明朗而欢乐的，蓝色表现的是抑郁而悲哀的，绿色表现的是和平而稳定的等。
三、重视艺术欣赏课中对学生心理素质的培养
心理素质控制着人的行为活动，使这些行为活动具有很强的个性特点．并以此来指挥人参与社会活动，当代心理学家们普遍认为，人的心理素质的形成既含有先天遗传的因素，也有后天锻炼的因素，以及环境影响的因素。通过调查和研究发现，一项以全国12．6万大学生为对象的调查显示约20．23％的人有不同程度的心理障碍。心理健康问题引发的恶性事件有所增多．心理问题已经明显地影响到了学生的正常发展。大学生心理健康问题已成为社会和高校共同关注的焦点。、高校艺术欣赏是美术教学中不可缺少的教学内容，也是培养学生养成良好心理素质的重要手段。我以“岁寒三友”——松、竹、梅为例，谈一下艺术欣赏课中对学生心理素质的培养。“松”、“竹”、“梅”是中国绘画中经久不衰的表现主题，被敬称为“岁寒三友”，深受广大艺术爱好者的青睐。中国的传统文化受“儒、道、佛”哲学思想的影响，绘画艺术也不例外。那么，画家为什么要选择“松”、“竹”、“梅”作为他的精神影射对象呢?通过对“松”、“竹”、“梅”的外形和生活习性进行分析：松树是四季常青的，寓意着不屈不挠；竹子是中空而挺拔的，寓意着特立不苟，引申为节气、操守；梅花在寒冬怒放，寓意着傲霜斗雪，威武不屈。例如，清代画家郑板桥，他的人生经历和心理素养就体现在绘画创作上。他先在山东潍县做官，亲政爱民，后因得罪上司而被罢官，在扬州以卖画为生。为了抒发自己怀才不遇的情感，便选择了竹子作为他的绘画题材，来表现自己不同流合污的气节。通过郑板桥的人生经历。教育学生在逆境中要不卑不亢、不浮不躁。要勇于面对失败和挫折，更要学会沉淀自己的心，为下一目标积累更多的力量。美术作品，可以对人产生情绪感化的作用。如达•芬奇的作品《蒙娜丽莎》使很多人对美有所感悟，受到了爱美情操的感染。美术欣赏课要善于发掘艺术作品内在的健康的感情因素。转化为学生的高尚的审美情趣，在培养他们爱美的情操的同时，提高学生的心理素质。
从事艺术教学，旨在开掘学生的艺术才智，丰富学生的艺术素质。所以，在教学中要重视对学生创造力、审美意识和心理素质的培养。使学生提高艺术的技艺和素质。提高人生的修为和境界，达到人生和艺术的双丰收。
当前，学校艺术教育的发展十分迅速。特别是中小学艺术教育的改革形势喜人，加大了艺术欣赏内容的幅度，高中艺术欣赏课的开设增补了中小学艺术教育在高中阶段长期匾乏的空白，而高等院校开设的艺术课程门类多达数十门，其内容涉及音乐、美术、戏剧、舞蹈、影视、书法、摄影、美学、文艺理论等方面，为学校艺术教育体系的逐步建立和完善打下了坚实的基础。从而把艺术欣赏放到了学校艺术教育的前锋，担负着能适应21世纪发展的具有创新能力和实践能力及综合素质能力强的新一代的重责，如何进一步重视学校艺术欣赏教育和怎样采取行之有效的办法开展艺术欣赏，解决在学校艺术教育实践中，艺术欣赏内容的丰富与教学课时的稀少，艺术欣赏形式的多样与教学方法的单调等充满种种矛盾的艺术欣赏教学现状，找出能够有效解决这些矛盾的途径和办法来改变它，使我们的学校艺术欣赏教育真正短时高效，丰富多彩’，这就需要我们去努力探讨能顺应时代要求的科学的艺术欣赏教育观念。
一艺术欣赏是实施美育的重要途径
一些地方存在着重技能，轻审美和创造能力培养的倾向，重视少数尖子，忽视面向全体;重视比赛，忽视教学艺术欣赏就成了薄弱的环节，违背了素质教育所倡导的基本性和全面性原则，严重阻碍21世纪全民族的整体的审美素质的提高。
有专家预言，艺术产业将成为21世纪的支柱产业之一，为适应21世纪产业发展新形势的客观需要必须通过学校美术欣赏教育对学生实施美育，促进学生全面发展，陶冶情操，提高素养，开发学生的创新意识和创新能力。李岚清同志在全国教育工作会议总结讲话中强调指出，要重视美育，不仅小学、初中要开好音乐、美术等谦握，高中、大学也应开设艺术欣赏课，教会学生欣赏音乐、舞蹈、戏剧、美术、书法等。
“对美的感知和理解，是审美教育的核心，是审美的要点。”通过学校艺术欣赏教育这一具体形式，唤起人们的美感，能正确的理解美和感受美，从而为创造美打好基础。
二艺术欣赏是认识世界的有效方式
艺术欣赏是在接受艺术中经过玩味、领略、产生喜悦爱戴之情。在开放.的艺术博物院，一个个画展，一堂堂艺术欣赏课中，让学生在漫漫的艺术长廊中流连忘返，品味在人类文化宝库中蕴藏着数不尽的艺术珍品，感受艺术世界的广阔无限，从艺术的解放去认识一个时代或者一个国家的人民为了人类自身的发展而取得的巨大成果，例如欣赏彩陶，可以让我们认识到“历史的人类童年时代”。正如别林斯基说的，人们认识世界通过两种途径，一是科学的，一是艺术的，早在三十年代，鲁迅先生把德国杰出的、为无产阶级大声呐喊的女性艺术家坷勒惠支的版画作品《面包》介绍给国人，通过画中处在历史重压下，为捍卫劳动者而献出自己一切的伟大的母亲形象，产生强烈的社会反响，从而使欣赏者达到对世界最深刻的认识，扩大生活的视野。在艺术作品面前感受美，在艺术强大的魅力牵引下，去感慨一个时代或者是一个国家、地区文明发展的程度。
三艺术欣赏以情感介入为重要标准
欣赏中国花鸟画，认识一个人的情绪、意识，进而体会一个时代的一代人的命运方面往往有更形象的“历史”内涵，明徐渭墨葡萄，作者“笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”的情绪和点点泪痕般的墨叶，使欣赏者在伤口的形式技巧的审美之外，进一步体味到作者凄苦的命运和倔强的个性，对那一个特定历史条件下的民族意识，以及封建专制下的平民的命运有了更深一层的认识。艺术考核教育的重要特点，以情感人，以情动人，起到教化的作用，在艺术欣赏过程中，欣赏者只有对艺术作品中所蕴含的情感有了自己的情感体验，达到了“共鸣”，才能使艺术品的存在具有价值，才能使艺术美作用于人的感性、情感，在“潜移默化”之中接受教育，不知不觉的影响着人的情感、趣味、气质、情操、胸襟。
随着思维科学的发展，科学家日益认识到，人的创造性思维的形成，正是建立在逻辑思维与形象思维统一的基础上，科学与艺术是不可分割的，它们共同的基础是人类的创造力，它所追求的目标就是真理的普通性。艺术通过欣赏作用于人，使人产生情感的共鸣，心灵的震撼，激发和强化了人的创造冲动，利于培养和发展人的审美直觉和想象力，比智力更具有功效。
四艺术欣赏以个体感受为评价标准
21世纪对全民族素质的一项重要要求便是提高整体的审美素质水平，.针对学生而言，则指，使我们的学生在生活中爱美、求美，有健康向上的审美情趣和丰富的审美经验，有较强的感受美、欣赏美和创造美的能力，这就不能沿用旧有的“优、良、及格、不及格”等作业评价或用所有学科共用的“百分制”来抽象评价每一个学生的实践结果。应重视非智力因素的培养，要有利于艺术的个性发展，对艺术欣赏评价的改革应首先注重艺术的这种个性发展，对每一个学生的实践都给予极其个性化的评价。
教师在对学生的肯定评价中，尊重学生.的个体感受，同样以博爱的情绪感染着每一个学生，充分培养学生的非智力因素即品德、情绪、’性格.、个性等，以便有效地提高艺术欣赏教学效益。
总之，艺术欣赏是时代赋予学校艺术教育提高整体艺术素质的主旋律，我们只有遵循艺术教育的根本目标，认识艺术教育的特点，尊重艺术教学对象的心理特点，才能获得艺术欣赏教学的艺术效果，实现艺术教育的终极目标。
美国人本主义心理学家马斯洛认为:每个人一生下来就有一种高级的潜在的需要，即自我实现的需要，而审美需要即是其中的一种。而且当人的其他非审美需要得到相当的满足之后，那种整合的审美需要才能逐渐被主体意识到，从而化为人们追求美的积极动力，艺术创作与艺术欣赏活动便随之产生。但是由于艺术趣味的差异性，又使艺术创作或艺术欣赏活动因个体的差异而不同。一个人的艺术趣味决定了其艺术创作或欣赏活动的方向，同时艺术趣味的健康或病态、进步或落后亦决定了其艺术创作或欣赏活动的优劣，因而，艺术趣味是艺术领域中的一个重要范畴。
《当代世界美学艺术辞典》中对于艺术趣味的定义如下:“艺术趣味使之人以相应的方式欣赏和评价艺术作品的能力”。艺术趣味是个人(社会)艺术经验的概括，主要是在艺术的直接影响下形成的，但是不能认为艺术趣味只是派生与艺术客体的品质和与艺术客体接近的强度。在艺术趣味的形成和确立上，许多东西取决于一个人本身的生物心理特点:艺术感知能力，对于这一方面的过分强调唯心主义美学得出艺术趣味的本性以个人的天赋特性为基础的结论。按照马克思列宁主义美学的观点，艺术趣味的感性基础是受客观因素制约的。按伏尔泰的说法，艺术趣味是一种特殊的“对艺术中的美和丑的敏感”。艺术趣味的形成取决于许多因素，除了艺术经验外，还有个人的年龄、生理心理特点以及个人一定的社会群体属性和阶级属性、专业知识和生活经验、兴趣和需要的不同等。艺术史上常有某些艺术家由于思想和艺术立场的不同而不能接受其他艺术家创作的情况，列夫托尔斯泰曾否定莎士比亚的创作，斯塔索夫对布留洛夫的回话持批判态度，柴科夫斯基否定勃拉姆斯的音乐。这并不等于说列夫托尔斯泰等人的艺术趣味不高，而是在他们高度发展的趣味中存有某些片面的成分。趣味的多样性对艺术趣味中的个人判断与集体判断之间的相互关系也有影响，千百年来，唯心主义美学在这个问题上形成了“从少数人出发”的观点，这种观点把贵族“艺术行家”的个人主见同“大众”的意见加以对立。但也有与此完全不同的观点，即以“多数”表决的方式机械地解决艺术作品价值的问题。但是，无论哪一种观点都不能真正决定趣味判断的高低，真正的高低只能取决于对趣味水平客观的判断，但是要为真正客观的艺术趣味而斗争，必须始终注重讲求论争的文化修养，必须以尊重的态度对待论争者的趣味人格。
通过以上对艺术趣味的分析，可以看出，艺术趣味具有以下特点:
首先，艺术趣味具有差异性，这种差异性即表现为主体个性的差异和时代、民族、阶级的差异。
主体的个性特征，由先天与后天，生理与社会等多种因素的复杂影响所造成，因而是千差万别的，而这种差异性又给艺术趣味打上了深刻的印记，使艺术趣味也呈现出个性的差异，这主要体现在形象感知的差异和内容领悟的差异两方面。主体各感觉器官敏感程度的不同以及感官功能发展的不平衡是引起形象感知差异的主要生理原因，此外还有复杂的心理原因，如知觉不同，分析型和综合型以及介于二者之间的分析综合型对于事物的感知会有不同的结果，即由于生理心理上感知的差异，造成了个体形象感知的差异。再者，由于不同的主体对具体美感对象的态度、关系不同，感受时主体的选择方向、敏感程度、注意程度以及记忆联想的具体内容亦会有很大差别，因而其感受时的领悟和情感反应也就各不相同。同时主体对于某一艺术门类的形成、技巧和手法的熟悉程度，也直接影响到对艺术作品的体验和领悟的深度。
艺术趣味除了其存在主体个性特征的差异，不同时代，民族和阶级的艺术趣味也存在很大的差异性。特定时代的人们，由于受到时代特定的实践内容和社会思想的影响和制约，会形成特定时代的审美思想，并在这种审美理想的指导和规范下，形成具有时代特征的艺术趣味。不同的民族由于其生活习惯、思想文化传统和心理、情感等方面的差异，使不同民族间的文化心理各相歧异，其艺术趣味也就随之不同。由于阶级是建立在一定的经济基础之上的，不同的阶级，以其经济利益为基础，再结合不同的民族和时代特色，便形成自成一体的政治、思想、伦理和道德观念，同时亦形成了不同的审美理想和艺术趣味。
其次，艺术趣味除了其存在差异性外，亦存在着共同普遍性。艺术趣味欣赏的主体是人，人是不能脱离社会关系而独立存在的，做为一定生产关系、阶级关系、家庭关系及宗教关系等诸多社会关系的承担者，其艺术趣味就不能不包含和体现着其特定时代、民族和阶级的共同审美要求和趋向。正如黑格尔所说;“真正不朽的艺术作品当然是一切时代和一切民族所共赏的”，也就是说艺术趣味的共同性不仅存在于特定的时代、民族和阶级中，不同的时代、民族和阶级亦存在着共同的艺术趣味。当然艺术趣味的差异性和共同性并非截然分开，二者相互渗透，同中有异，异中有同。
既然艺术趣味存在着差异性和共同性，这就要求我们在培养和优化艺术趣味时要看到二者的区别和联系，既要注意其差异性，又不能忽视其共同性。在优化艺术趣味的具体措施方面，有以下几点体会:
第一、要优化艺术趣味首先要培养和提高欣赏者的艺术感知能力。人们在欣赏艺术作品时，必须以直接感知的方法去感知对象的色彩、线条、形状、声音等。现代心理学研究结果表明，人们感知所得信息总和的85%以上来自视听感官，正如马克思所讲的“感受形式美的眼睛”和“感受音乐美的耳朵”。知觉则是在感官的基础上对事物整体和综合的把握，它是一种积极的心理活动，人们只有具有敏锐的艺术感知能力，才能对艺术作品具有较强的感受能力，才能真正领略到艺术美感，从而进一步激发人们的审美需要和审美期待，并形成健康浓厚的艺术趣味。同时艺术感知能力的提高和审美欣赏水平的提高，使人们避免停留在庸俗或低级趣味的作品之上，而是转向典雅艺术，从而使艺术趣味得以优化。
第二，要优化艺术趣味，要求欣赏者树立科学的世界观和人生观，要加强自身的艺术修养和思想修养，如此才能更好地深入艺术作品深层，体验艺术的巨大魅力，获取更高级的审美愉悦。只有以科学的世界观和人生观做为指导，才能使人不致满足沉溺于低级庸俗时的津津自得，同时得益于深厚的文化修养和对艺术规律的独特把握，使欣赏主体能够充分自由地想象、回味、轻咂、细品作品的深邃，在艺术欣赏的过程中获得一种“高峰体验”，达到一种至高境界。好的作品能引起人们心灵上的共鸣，可以净化人的灵魂，而正是由于艺术作品如此强大的魅力，才吸引着无数的艺术创作者和艺术欣赏者为开拓和体验一个又一个艺术巅峰而努力和超越。
第三，由于艺术趣味的差异性，要求艺术家们根据不同的艺术趣味创作出符合不同审美需要的作品，以适应趣味多样化的要求;同时人们求新立异的心理也影响艺术趣味的多样性。犹如达尔文的进化论中物种的变异产生了物种的多样性，进而才有了自然选择和优胜劣汰，艺术作品也需要有多样性来挑逗人的视觉和感官。因为，如果艺术作品单一，长此以往，欣赏者对此类艺术作品的趣味就会减弱甚至消失，因此艺术需要变异。一些美学家曾认为美在新奇，主张艺术家要善于发现，选择新的角度、途径和方法形式去创造新的艺术风格，“一部艺术史实际便是风格史，所谓风格史，也即是自我感受的变迁史”。如在文学中，新词丽句，怪字僻语、独特比喻等易于产生陌生感和新鲜感，从而引起人们的关注，所以某些形式主义文学理论主张写作要选择异于日常语法规范的词汇和句子。但是若单独为追求关注而在艺术创作上孤投一掷，又会使艺术陷入畸形和扭曲的病态。真正的艺术来源于真实的生活，只有艺术家善于从平凡的生活中发掘出不平凡的内涵，才能真正引起欣赏者的共鸣。看米勒的《拾穗者》，恍惚之中，自己已成为他们中的一员，在金色的夕阳下，正置身于归家的途中。
在物质文明高度发达的今天，精神文明亦得到了充分的发展。随着人民物质文化生活水平的提高，艺术作为自我实现的途径之一，亦愈来愈被人们倾注了更多的感情。但是在物欲横流的世界中，艺术界亦是异彩纷呈，艺术作品好劣不等，参差不齐，因此在这样的情况下有必要对人们的艺术欣赏的选择性加以规范和引导，培养健康稳定的艺术消费群体，而非放任自流，任其发展。同时要优化艺术趣味，政府主管部门也要对艺术创作和欣赏活动加以规范和引导，禁止低级庸俗的艺术品流入市场。
“不通一艺莫谈艺”。从事美学,及艺术理论研究必须有具体深厚的艺术修养,否则在谈论艺术时难免隔靴搔痒。从另一个角度，艺术家是通艺的，但未必非要谈艺；而美学家、艺术理论家则必须谈艺。尤其是艺术教育工作者，既要通艺，更要能谈艺。“谈艺”谈何容易！艺术是只可意会，难以言传的，艺术欣赏是具有个性化、朦胧性的。但艺术理论、艺术赏析却必须去“谈”这些“不可谈”者，必须概括一定的艺术规律和特性，说明作品的情感意蕴与表现形式，突出所谈内容的明确性，让学生更清楚地明白、理解，尽快提高、掌握艺术鉴赏能力。
鉴赏能力是一种经过培训而得到的欣赏艺术作品和自然景物的能力，是对一种复杂的视觉或听觉构图以及它们的深奥的意义的整体把握能力，不同与艺术创作和表演技能，这是一种审美鉴赏的技能和能力，是一种认识性的能力，是一种通过训练而得到的操作性能力，它与不经意的习惯不同，技能是一种通过培训而获得的智能，最终目的却是要帮助学生获得一种默契的知识和无法说清的诀窍，在各门类艺术的欣赏中，作为一种认知性的能力的培养，主要是让学生掌握不同艺术样式在艺术表现方面的基础知识和规律，进而运用这些知识和规律去欣赏具体的艺术作品。
艺术欣赏：主要是从绘画、雕塑、书法、舞蹈、音乐、戏剧、影视等艺术样式的艺术特性、基本表现手段和名作赏析等方面进行综合性、系统性、艺术性讲解。艺术的综合主要是从艺术特性、表现手段和名作赏析三个方面进行讲解。不同艺术样式的艺术特性和表现手段。抓住重点、核心，切入关键知识，避免面面俱到的介绍，把具体艺术体裁、历史形态、流派以及象征、变形、夸张等手法放在个部分讲解。
一、在艺术特性上，侧重不同艺术样式在情感意蕴表现、艺术形象塑造等方面的基本规律，从时间与空间、立体与平面、动态与静态、造型与非造型、具象与抽象、视觉与听觉、实用与审美、单一与综合诸方面进行论述。可分为：1、造型的视觉静态艺术（绘画、雕塑、书法）2、非造型的听觉动态艺术（音乐）3、造型与非造型、静态与动态结合的视觉视听综合艺术（舞蹈、戏剧、影视）。
二、在表现手段上，着重讲解不同艺术样式的形式因
其构成的艺术表现性，说明多种艺术手段及其塑造形象、表现情感的功能特性。既强调不同形式因素的基本形式美的要求，又说明不同形式因素与特定情感意味的审美对应关系。注重培养学生对不同色彩、线条、形体、旋律、节奏、音色等的形式感。注意有层次性、条理性地讲清楚某种艺术手段的多种表现功能。
三、在名作赏析上，侧重艺术性的欣赏，避免过多的讲
述生平事迹，历史背景，艺术主题的说明和故事情节等的描述要简明扼要。着重讲解赏析不同艺术样式的作品如何运用独特的艺术手段来塑造艺术形象、表现审美情感。欣赏时按手段形式、表现特色进行有层次的讲解，主要目的是通过作品的赏析进一步掌握特定艺术的表现规律。在作品中将艺术的普遍手法(象征、夸张、变形、抽象等)考虑进去,并注意选择不同时代、流派、风格、体裁的名作进行赏析,强调艺术作品的审美理想的联系。
艺术是人类审美情感的符号表现形式，在艺术理论础上的艺术欣赏主要可以冲两个方面把握：
（一）、情感意蕴的领悟
艺术的情感意蕴是丰富微妙的，既有具体性的情感态度，又有抽象的情感意味。具体性的情感态度是对具体社会、时代、情景、事件、人物的爱与憎、赞扬与批判的道德性、伦理性的情感评价。它主要体现在具象征性、叙事性的绘画、雕塑、戏剧、电影等当中。抽象的情感意味主要是情感力度和概括性的审美情调。它主要体现在音乐、舞蹈、书法、抽象绘画、抽象雕塑等艺术样式中。前者相对明确清晰，后者模糊朦胧。
在艺术表现中，苏珊.朗格说：“一件艺术品就是一件表现性的形式，就是创造出来的形式是供我们的感官知觉或供我们想象的，而它所表现的东西就是人类的情感。”一是具体明确的情感（喜、怒、哀、乐、爱怨、希望、嫉妒等），既具体情感。一是抽象、模糊、无名的情感。既抽象情感。
当我们面对几何装饰、建筑、音乐作品时，并不感到有象人一样的叹息，呻吟等具体情感，但当把这些看成好象是一些符号，通过它交流心理状态，再同旋律、节奏等结合在一起，这便是抽象的移情。从不同表现情感内容的角度，可以将艺术分为具体情感艺术和抽象情感艺术。前者包括具象绘画、具象雕塑、书法、音乐、表现性舞蹈等。可以通过具体事物、场景的描绘，表现明确的具体审美情感。后者则以色彩、线条、形状、等传达宽泛、朦胧的抽象审美情感。直接表达情感力度，正是音乐、书法等抽象情感的特长。文学在表达情感是只能是说明和描绘，而音乐却能同时表达感情的内容，又能表达感情的强度。
（二）、艺术形式的体味
1．对艺术形象的把握
艺术是审美情感的形象性表现。从题材看，有与主题直接联系的题材，如浪漫主义美术中的海难、战争题材，现实主义中的农村、劳动者题材。有与主题无直接关系的题材，如印象主义绘画中的草垛、教堂、舞女、立体主义美术中的房屋、树木、人体等。
从对形象的理解看，有具体形象，如具体的人物、风景山水、花鸟、静物等。有变形形象——“不象”之象，如塞尚、马蒂斯、毕加索等人的绘画、中国写意画等。有抽象形象——“无象”只象，由纯粹的点、线、面构成，如康定斯基、蒙德里安、马列维奇的抽象绘画等。在非造型性艺术（音乐）的听觉想象形象中，有自然生态的模拟形象，视觉形态的联想形象和心理情态的抽象形象等。
不同艺术样式在艺术形象塑造方面有自己的特性和规律。在造型艺术中，绘画的形象更具体丰富，雕塑单纯简单，书法是塑造字形的抽象形象。音乐的听觉形象是联想性、抽象性的。舞蹈以人体自身构成艺术形象，情感表达直接性、强烈性。戏剧在集中的矛盾冲突中使人物形象鲜明突出，影视是自由调度的镜头来表现各种形象更直接细微。
艺术家为了表现个性化、时代性的情感，而选择恰当的题材，来塑造最具表现力的形象。新古典主义美术崇尚永恒理想的古典美,以古希腊古罗马神话传说和端庄静穆的人物形象为主要题材;而浪漫主义展现放纵的激情,表现海滩、战争、厮杀场面。
在艺术作品中，许多形象塑造是理想化、夸张化、变形化、抽象化。比如梁楷的《泼墨仙人》以夸张变形的造型、奔放的笔势和酣畅淋漓的泼墨刻画一个充满醉意的仙人形象。米开朗基罗的《大卫》中的大卫形象雕塑成一个体格雄健、体现着理想化的男性美的裸体青年巨人。只是用了夸张手法，其大卫只是个牧羊少年。另外，同是女性人体，提香的丰肥亮丽，布歇的娇艳透明，鲁本斯的浑圆健硕，还有安格尔的《大宫女》通过对宫女肌体的变形描绘，表现出舒展流畅、婉转起伏的形式美意味。还有浪漫主义形象塑造更是强调理想化的夸张、变形、虚构，如德拉克洛瓦的《自由引导人民》等。《国王与王后》是亨利.摩尔的代表作，富有现代意味的，以夸张、变形的造型塑造坐在大自然中的两个人，躯体拉长，结构简练，眼睛被镂空成一个洞，称“摩尔洞”，远看自然而神秘的童话般的灵性感。
2．在表现手段的感受上
不同的艺术样式有其独特的形式因素、表现手段：如绘画的线条、色彩、构图、明暗、笔触、肌理；雕塑的形体、质感、起伏、明暗、材质、环境；书法的笔画、结字、章法、墨色；音乐的旋律、节奏、节拍、力度、速度、和声、音色、调式、调性、曲式；舞蹈姿势、动作、表情、构图、节奏；戏剧的动作、台词、结构、音响、造型因素；影视的画面构图、镜头、蒙太奇、光影、色彩、声音等。
从绘画、雕塑构图来看，可分：三角形、S形、之字形、V形、方形等。例如《掷铁饼者》S形，具有旋转起伏的旋律感。《自由引导人民》三角形，具有稳固坚实之感。舞蹈》卡尔波的作品，将女青年环形的手臂连接与男青年V形手臂伸展结合，既有环绕的律动，又有升腾展放的姿态。水平线构图开阔、平稳；垂直线构图肃穆庄重又有升腾之感；曲线、弧线构图波动舒缓;斜线构图动荡冲击.崇尚和谐静穆的古典主义的绘画大多是水平、垂直线和金字塔形的构图。在突出运动感的巴洛克绘画中，是大斜线、对角线为主的构成线，且给人以有冲出画面的势态。优美秀丽的洛可可美术看重舒缓畅达的曲线弧线。张扬激情的浪漫主义绘画则是对立冲突的斜三角、交错的纵横线为主。
在音乐形式中，音调的连续上行的旋律，给人以激昂、乐观、冲击力；连续下行则是悲观、忧伤、肃穆。比如进行曲多是上行的，例如：老约翰施特劳斯的〈〈拉德茨基进行曲〉〉，聂耳的《毕业歌》以级进的上行旋律表现热血沸腾的豪迈激情。二拍、三拍、四拍不同的节拍体现或明快或柔和或宽广稳健的情调。就象大调的明快、欢乐气氛，小调的暗淡委婉深沉情绪。复调手段可同时描绘不同的音乐形象，能多层次、多角度地揭示同一形象的不同侧面和多样情感。冼星海的《怒吼吧，黄河》以其层层迭起的复调来描绘波涛汹涌的黄河景象，表现出激奋的气氛。在音色上，我国的竹笛清脆，二胡温和(例<<二泉映月>>)，萧的淳厚而雅，琵琶明亮清新(例<<高山流水>>)；西洋乐器中，双簧管纯净，单簧管的开阔，长笛的流畅清润，大管的浑厚沉郁，小号嘹亮高昂，长号圆润辉煌，大号高贵雄伟。例如：小提琴协奏曲《梁祝》中用甜美的小提琴音色和实的大提琴音色来分别表现祝英台和梁山伯的形象。比才的〈〈卡门序曲〉〉中各种的乐器，不同的演奏也会产生不同的效果。它同不同的绘画材料一样，表现的手法不同则效果不同。虚实轻重缓急各不想同。
在舞蹈动作中，双手双臂的交叉是封闭的手势，举手叉腰摆动等是具有自信、喜悦、兴奋情感的意味。在舞蹈构图中,斜线呈有力的推进之势,具有开放性奔腾性的感情,径直向前的竖线,具有强力的动势,有急迫感和压力感,例如:05年春节晚会的舞蹈《千手观音》中构图时有直线时有斜线，时缓时急，充分表达作品思想感情及内涵。舞剧《红色娘子军》中有一场景是娘子军战士和群众一起排成的队伍，向观众径直走来，造成一种排山倒海的磅礴气势。
在综合艺术的戏剧和影视，具有更丰富多彩艺术表现力。戏剧以演员的动作，形体、言语、动作等为手段，有充分利用道具、布景、灯光、色彩、音乐、音响等进行多角度的艺术刻画。例如：〈〈中国式离婚〉〉连续剧，在陈道明和蒋雯丽的表演下，使作品充分反映了中国当代婚姻现状，既三种婚姻状况（心的背叛、身的背叛、身心的背叛），通过三个不同家庭的婚姻，来反映现实。在娱乐的同时也很深刻地给现代婚姻状况一个警示。张艺谋的〈〈十面埋伏〉〉中的色彩用的非常好（绿黄白蓝）等，加之章子怡的舞蹈表演，再通过开阔的场景和技术摄影，使剧本很有艺术欣赏价值。
色彩在绘画、雕塑、建筑、音乐、戏剧、影视中都存在。同样的形式因素在不同艺术家手中有不同的艺术处理，具有了不同的情感表现意义。古典主义绘画、安格尔绘画的白色体现是朴素、淡雅、圣洁；蒙克的白色则弥漫着恐怖、悲哀、死亡。
形式因素的表现性具有鲜明的时代审美风貌。从色彩上看，古希腊单纯静穆的素色无色；中世纪张扬神性光辉的色彩斑斓；文艺复兴色彩写实和谐；巴洛克的运动感的色相明度对比；洛可可的在银白之上的透明鲜丽；新古典主义以素描为主的中间色、调和色；浪漫主义的激情强烈与纷杂；现实主义以描绘劳动人民为主的沉实凝重；印象主义的瞬间的光色明亮跳跃；野兽派表现的装饰情趣的纯粹鲜明；表现主义充满悲情的浓郁狂乱等等，不同时代，不同艺术流派的绘画有多样化的追求。坚持教育创新，坚持创新教育，坚持艺术创新，愿教育充满希望，愿艺术充满生机，愿国家充满希望，未来充满希望！
在日常教学中，如何培养学生创新精神，提高学生创新能力，是我们广大教师所努力探究的一个重要课题。我们目前可以用“问题解决法”即是教师为学生装创设多种多样接近实际的情景，激发学生独立提出有一定数量和质量的问题，启发学生根据不同的条件，从不同的角度，用不同的方法和不同思路，或是用多种对立的思路去解决同一问题，引导学生提高自己的创造思维能力。例如，在高中艺术欣赏课中，欣赏《蒙娜丽莎》达•芬奇作品和齐白石的《虾》，在教会学生如何欣赏基础上，你又怎样表现它？怎样表现作品内涵，方式方法灵活多变，主要能反映积极向上，生机活力和对未来充满希望。学生表达方式不一：有画出来的、剪贴的、写诗的、写心得体会的、还有直接说出来的，或是表演形式表达出来的，充分利用自己特长来发挥。另外，还可以用“评论性思维的培养”方式，整个教学过程可以围绕一个主题，大家提出看法，相互间进行不断评论。
“学以致用”是教育的直接目的。给学生提供更多的动手机会，让学生参与更多社会实践，是学生健康成长的必要条件。学生在校学到的东西，必需与实践结合，才能变得活起来，才有生机，只有经过实践，知识才能变得更丰满，更深刻。也就是说：“听来的忘得快，看到的记得住，动手做更能学得好”在提高艺术鉴赏能力上，可以采用一个主题绘画作品，一场特色演唱会，一套优美摄影作品，出版报，设计班徽班歌，和主题班会等，都可以是锻炼学生设计、分析、思考、行为等方面能力最好的机会。那些贴近生活，重在实践行动的作业，对培养学生自信心和成就感是最有效果的。
酸甜苦辣都有营养，成功失败都是收获。尊重学生属于自己的体验，让他们走进自己的世界，体验生活，体验社会，即使是失败，也可能是他们终身受益无穷的财富。例如：艺术课上的制作，剪纸，贴画，泥塑，对印画，歌唱中的跑调现象等。让学生大胆去设想，敢于创新，敢于动手动口，鼓励参与，树立信心的勇气，确信那独一无二的作品是自己的佳作，允许失败，敢于面对挫折，勇敢地再去尝试，这对学生战胜困难的决心起到了锻炼。
另外，兴趣是学习首要，实践是掌握知识的关键，交流是激发人的思维和创造的源泉。这三点不可分割。将快乐引人课堂，用心去交流，用愉快的实践活动引导学生，在学习中学会合作，在合作中学会生存，营造师生共同学习、探究问题的环境氛围，建立对话式、交互式教学模式，切实为学生搭建合作实践舞台。积极开展研究性学习课程，各种综合性、社会性、实践性的新型课程实验，将大大拓展学生学习的空间。例如：把艺术课（音乐、美术、戏剧、文学等等）综合上，让艺术融为一体，使美术课中输入音乐作品，让音乐与绘画结合起来，动中有静，静中有动，手、脑、口、四肢等多种感官利用，更有效地提高学生审美能力，提高艺术效果，从中更好的发现美、创造美、表现美，因为艺术是不可分割的，是紧密联系的。它比以往传统的授课形式——单纯的美术课或音乐课更有趣，学生感兴趣，有生机活力，还可参照学生多数建议，自编教学内容和授课形式，采用些室外上课，游戏，并把流行音乐现代服饰引入课堂等。只要是学生感兴趣的，形式灵活多样，充分体现艺术的创造性，更好地把握机会，有利于提高培养学生“艺术感”的都可行。以至于历史地理的综合，双语教程综合等，都是我们教学所要改革实践的课题。
总之,不同的艺术样式的艺术特性,在不同的作品赏析中突出艺术性、审美性,着重赏析不同的艺术样式的代表作品如何运用独特的艺术手段来塑造艺术形象，表现审美情感，集中培养、提高学生的艺术感，注重在系统讲解、相互比较中具体恰当地把握各艺术样式的欣赏规律，抓住重点、核心进行简明扼要的阐述，使学生扥到艺术方面的全面提高，更加有利与提高高中阶段的学生的艺术素养及欣赏水平，建构完善的审美心理结构，满足学生自我表现，自我设计，自我完善的需求；同时对提高和完善国民素质起到促进作用。
让学生在求知过程中感受美，在认知的过程中去鉴赏美，在实践过程中去创造美。总之，让高中艺术教育在创新中求发展，在实践中逐渐走向成熟！
摘 要：与本科院校不同的是，高职院校更加注重培养技能型、专业型人才，但是也需要重视德育。作为提升高职学生艺术欣赏能力的重要发展途径，高职院校需要重视美育教育，鼓励高职学生积极参与到艺术实践中，提升学生综合素养，提升高职学生审美情趣。
关键词：高职学生；艺术欣赏能力；素质教育
一、前言
在高职阶段，提升学生专业技术能力的同时，还需要重视学生的审美教育，培养出符合社会发展需要的高素质人才。实践作为培养高素质人才的重要途径，高职院校需要重视其重要作用，结合社会实践来提升学生的知识能力、艺术欣赏能力等。
二、提高高职学生艺术欣赏能力的对策
1.重视艺术审美性质活动
艺术实际上都具有物态性质的外部形态，主要是艺术家借助艺术语言或者是物质方面的媒介来体现艺术。诸如艺术家可以利用发音器官、乐器等表演音乐作品，从听觉以及视觉等角度给予听众审美享受。艺术家主要是利用和声、乐音等来构建听觉形象，只有形成艺术以及审美方面的享受才能够被把握。在高职院校的教育过程中，需要开展多样化的艺术审美活动，培养高职学生在艺术方面的感受能力。艺术家利用颜料以及画笔等原料，利用色彩以及线条等形成视觉上的形象，给予高职学生以审美享受，有利于提升其接受能力以及理解能力。高职学生可以重视绘画方面的训练，这样能够提升绘画审美的能力。在审美实践工作中，需要从视觉以及听觉等角度来提升艺术的感知力，提升学生对艺术作品感知能力。例如，在音乐欣赏课程教育的过程中，一部分学生认为自己的乐感比较差，实际上是由于学生平时并不接触音乐或者是并没有深入钻研音乐造成的。在培养审美实践过程中，需要重视培养学生艺术感知能力，利用中外优秀作品来提升高职学生的艺术审美能力以及艺术感受能力。
2.注重题材方面的生活化
作为社会生活的准确反映，艺术来源于生活，这就需要从社会生活现实以及社会生活历史等多个角度来着手分析主题，这样有利于加深对思想内容的理解。例如，在莎士比亚戏剧、意大利绘画以及雕塑等内容的理解过程中，如果学生并不了解文艺复兴时期的历史，那么在作品理解过程中存在着非常大的障碍，学生艺术欣赏能力就不能提高。作为社会文化发展中的重要组成部分，艺术是构建在社会经济发展基础上的，属于意识形态中的部分，艺术家在特定文化背景下创作出与意识形态相关的艺术作品。因此，高职学生在了解艺术作品时，需要了解艺术作品创作者的实际经历、思想发展以及情感轨迹，等等。
3.培养高职学生审美情趣
如果欣赏者具有非常丰富的生活经验，那么更容易理解艺术作品，在理解深度方面也更加深刻。特别是较为深沉的作品，假设没有丰富生活经验以及社会阅历，那么在理解以及认知方面都会存在问题。针对同一幅作品，不同年龄、不同阅历的人在欣赏方面会存在差异性。丰富的生活经验以及生活阅历对理解艺术作品具有非常重要的影响。作为审美性比较强的活动，艺术欣赏不仅能够愉悦心情，还具有净化心灵的作用。因此，需要转变过去的艺术欣赏认知形式，更加注重思想追求以及心灵净化，提升对社会生活方面的理性认识，提升学生艺术欣赏能力。例如，在电影欣赏教学中，教师可以结合学生特点来选择针对性更强的影片，在追求生动的同时，还能够体会到深刻的内涵。因此，需要培养出更加积极、更加健康的审美情趣，培养符合社会发展需要的高素质人才。
三、结语
任何作品都存在一定的瑕疵，高职学生在思想方面存在不成熟的现象，如果不会欣赏作品，这样会对高职学生造成消极影响。教师需要重视学校、家庭、社会之间的联系，重视高职学生审美教育，在艺术欣赏过程中，给予学生恰当的指导，充分利用青少年的好奇心，提升实际教学效率。高职院校不仅要培养学生的技术能力，还需要重视培养学生的审美情趣，高职院校需要从世界观、人生观以及价值观等角度着手，提升高职学生的艺术欣赏能力和审美能力，引导学生形成正确的审美人格，发展成符合社会发展需求的高素质人才。
摘 要：声乐是一门以听觉为基础的艺术形式，它是众多表演艺术中表现形式最具特色、最具个性的艺术种类。声乐艺术表演是在领会原作思想情感，结合自身特点以及情感体验的基础上，对声乐作品的演绎，因此声乐表演艺术也通常被认为是声乐作品的“二度创作”。本文从声乐与美学理论的联系出发，探究美学理论在声乐表演艺术欣赏中的表现，并对如何提高声乐表演的艺术内涵提出几点建议。
关键词：声乐；表演艺术；美学表现
0 引言
声乐表演艺术是人类社会实践中最早诞生的艺术种类，它以表演者的声音这种独特的“乐器”为基础，结合个人情感、创作者情感与受众进行沟通，从而表达一种独特的艺术魅力。与所有的艺术形式一样，声乐表演艺术也以一定的美学原理为基础。因此，我们要想衡量、判断一个声乐作品是否具有美学价值，就应该在声乐表演艺术与美学之间找出一个平衡点，并树立一个评判的标准。而这不仅有助于人们对声乐表演艺术的美学原理的认识，同时也可以丰富声乐表演艺术的美学内涵。
1 声乐美学的概述
1.1 声乐美学的意义
艺术的表现形式多种多样，声乐表演就是其中之一。声乐是一种最原始的艺术形式，在乐器没有出现之前，嗓音就是一种最便捷的乐器，而随着社会的发展，人们的审美水平不断提高，声乐的呈现形式与欣赏者的要求越来越高，因此，人们开始将声乐视为一种艺术表达形式，并赋予其独特的审美内涵，因此便形成了声乐美学。在声乐美学的探究中，人们将音乐归纳为行为、形态、观念这三个要素的集合体，其中行为是表演者的表达方式，形态是音乐的音响效果，而观念则是人的审美意识和审美情感。从这一理论中，我们可以看出声，乐美学的意义就在于人们从思想到行为上所进行的一种艺术性的探索和表达。
1.2 声乐美学的本质
任何艺术创作都是创作者主观意识的表达，声乐的创作也不例外。声乐与其他艺术创作的不同点在于，它的创作不仅包含了词曲作者的主观意识，也包含了表演者的主观意识，因此，从某种程度上讲，声乐美学是多重主观创作的集中体现。词曲作者对声乐题材和音乐表达形式的选择是影响声乐美学的第一层主观因素，而表演者对声乐的表现则是影响声乐美学的第二层主观因素，而一阶段的表现艺术不仅受到前一个主观因素的制约，还受到表演者自身对声乐作品的解读的影响，因此，声乐表演艺术只有在兼顾创作情感和演绎情感的基础上，才能够实现声乐的完美呈现。
2 美学理论在声乐表演艺术欣赏中的表现
首先，在声乐表演艺术中，演唱者利用专业的表达技巧，将作品中的情感基调以一种能够体现个性特征，展现情感层次的方式表达出来，这种表达既来自于表演者对作品的专业理解，也来自于自身的情感体验。而用美学观点来分析，这种艺术表达方式不仅包含了声乐的形式美，也体现了人们对于某种情感的真实反映，既实现了理性与感性的高度统一。
其次，声乐是一种听觉艺术，它通过人们对某种声音的模仿和演绎，使表演者与模仿者之间架起一座桥梁，而通过这样的沟通，一方面表演者可以进一步了解二者之间的联系，从而丰富声乐表演艺术的形式和内容，另一方面它也能激励表演者融入音乐之中，激发创作灵感，并从中获得一种精神上的愉悦，而从美学角度分析，这样的艺术表达充分体现了声乐表演艺术的创造美。
最后，由于表演者在生活环境、个人经历、知识结构、性格特点等方面的差异，其审美水平必然会有所不同，进而也导致了他们在作品创作和艺术表达方面的差异。美学理论在声乐表演艺术欣赏中的表现主要通过声乐的真实性和创造性体现出来，即一方面词曲作者和演唱者收集真实的声乐信息，并进行艺术加工完成作品创作，另一方面又利用创新思维突破传统，甚至自身的局限，来完成艺术的表达。
3 如何实现声乐表演艺术与美学理论的结合
音乐作为一种艺术表现形式，其在表演过程中，不仅要求表演者能够熟练地运用表演技巧，还要求其实现对声乐作品情感的完整解读与呈现，而要想实现这一目标，表演者就应该在声乐理论、演唱技巧、艺术理念以及演出经验等方面不断积累并实现突破。
3.1 真实性与创造性的结合
表演者要想在表演过程中体现声乐的艺术性，不仅要充分理解创作者的创作意图和情感内涵，还要结合自身的个性特征进行二次创作。现代声乐表演艺术的系统性越来越强，即一个完整的声乐表达艺术不仅包括艺术创作的灵感，表演者的形态、表情、动作，还包括各种乐器的伴奏，而在这一表达的过程中，声乐结合乐器实现声音、情感的传递，进而实现了声乐表演艺术真实性与创造性的结合。
3.2 传统理念与创新理念的结合
任何声乐作品都是在一定的历史背景下创作出来的，它不仅体现了艺术家的创作灵感，更体现了某一发展时期的社会情感，因此表演者在挖掘声乐情感内涵时应该从创作者所处的时代背景，所属的艺术流派以及其生活经历进行把握，并努力将自己置身其中，重现其当时的内心情感，从而深化对声乐作品的理解。在面对声乐表演艺术中传统理念与创新理念的冲突，我们应该辩证地进行思考，以保证传统理念与现代声乐创作的和谐统一。
3.3 艺术表现与声乐技巧的结合
技巧是声乐表达艺术的基础，再准确的情感理解如果没有声乐技巧的支撑，也会变得毫无意义。然而声乐表演艺术是表演者声乐技巧与声乐情感的统一，因此在表演过程中，表演者一方面要注重对声乐理论的解读，声乐技巧的掌握以及演出经验的积累；另一方面还应该注重声乐情感的融入，即重视个性表达，体现个人风格，利用充沛的情感，提高作品的艺术性。
3.4 重视欣赏者的反馈意见
前面已经说过，声乐艺术是创作者和表演者主观意识的体现，而在声乐表演艺术欣赏的过程中，由于欣赏者在价值观、人生观方面的差异，对同一作品必然会呈现出不同的理解方式，而这时他们就会在欣赏表演者艺术表达方面出现分歧，因此，表演者不仅要重视个人的主观艺术理念，还应该重视欣赏者的反馈意见，以便及时发现自身的不足，并进行创作性的改进。
3.5 注重声乐表演艺术的留白
留白是一种艺术表现形式，它是指表演者在艺术创作中留有一定的表达空间，以供欣赏者结合自身的实际进行联想和补充，而这样的补充不仅调动了欣赏者的欣赏热情，还极大地丰富了作品的艺术内涵。声乐在表演的过程中应该重视留白的作用，并以一种开放的态度来激发欣赏者的艺术想象，从而实现对声乐作品美学价值的而进一步挖掘。
3.6 推动表演者与欣赏者的互动交流
声乐表演艺术要想调动欣赏者的积极性，不仅要有熟练地表达技巧，还应该注重与欣赏者的互动，从而活跃舞台气氛，增强舞台效果。对于一个优秀的声乐表演者而言，在与欣赏者的互动过程中，不仅要实现语言、动作的互动，还要实现情感的互动，从而满足欣赏者的艺术体验。
4 结语
要想提高声乐表演的艺术水平，我们首先要保证表演者对作品的领悟能力，创作能力和欣赏能力，并在准确把握作品情感的基础上，结合创作的背景以及创作者的经历等信息，发挥自身的表演优势，与欣赏者实现互动沟通，将真实的情感与艺术创作相融合，进而引起欣赏者的情感共鸣，并实现声乐美学与声乐表演的和谐统一。
摘 要：艺术欣赏的意义以及自己对艺术欣赏的一些理解，了解到怎么样去提高欣赏力和审美情趣。
关键词：艺术；欣赏；审美；见解
艺术欣赏，又称艺术鉴赏，指人们在接触艺术作品过程中产生的审美评价和审美享受活动，也是人们通过艺术形象（意境）去认识客观世界的一种思维活动。在艺术鉴赏过程中，感觉、知觉、表象、思维、情感、联想和想象等心理因素都异常活跃。
艺术欣赏与生活，这是一个老话题，提起来便令人兴味索然的话题。艺术来源于生活，而高于生活，他们相互依存，相互促进。自然、生活给艺术提供了肥沃的土壤，而艺术尽情地表现自然，表现生活，并使生活更加丰富多彩。艺术与生活关系微妙，若隐若现、若即若离才是妙境。艺术和生活相比，具有更大的容量和时空跨度，是心灵与想象的意象再现。生活是艺术源泉，艺术是生活提炼加工后的结晶。生活是美好的，艺术是永恒的！
艺术作为一种艺术观念或文化现象是当代大众美学以及日常生活美学的延伸和利于民主化进程发展的必然结果，它突破与传统艺术的藩篱将艺术的概念大众化。生活是什么呢？生活是指人在自然界中的一切活动。如：种田、吃饭、旅游、休息等等。艺术是什么呢？艺术是指人在自然界的一切活动中，对自然现象进行的体验、感悟、提炼、加工，并用艺术的形式去表现它。如：用音乐去表现高山流水，用绘画去表现梅兰竹菊，用书法去表现阴晴圆缺。总之用艺术诠释自然、生活之规律。其目的是：从宏观上说，使人们了解自然、认识自然、融入自然、人和自然能更好地协调发展。从微观上说，达到净化心灵、陶冶情操之目的。
艺术与生活曾经是混沌一体、不分彼此的，那时艺术是生活的一部分，譬如渔猎时代，人们的弓箭既是工具也是心爱的艺术品。艺术与生活的界限是模糊的，或者说当时艺术还没有从生活中分娩，人们的审美意识还萌动在生活实践的母胎中，譬如中国古代的玉璧、玉瑛、玉踪，以及佩带的各种美玉，既是艺术品，同时也是祭祀用品和某种观念的象征物，具有原始宗教的、伦理道德的、政治活动的实用意义。即使到了孔子那个时代，艺术仍然很难同生活分得那么清，诗、乐、舞，并不是后来人们观念中的纯粹艺术。故至中古时期的佛教石窟壁画雕像，很难说当初有多少人是把它们当作艺术品去塑造的。
艺术的真实性。艺术反映客观现实生活，从一定的生活原型出发塑造艺术形象。任何作品的主题、人物、情节，虽是产生于艺术家的意识，却是反映艺术家对世界的感受和看法，归根结底是受一定社会条件所制约的作家从现实生活中吸取来的。真实反映生活是艺术家们进行精神生产的基本动机和目的。 艺术属于精神生产，它作为反映现实的一种特殊的方式，必然经过艺术家的世界观的透视和折射。艺术是站在人的生命体验与审美感受以及对社会人生关注的立场上看待客体世界的，因而其对客体世界的认识、感悟与表现带有浓厚的主观性。艺术以主观性的把握方式，在自己的产品中建构起从属于人的目的和意义的世界，从而帮助人们加深对自身的认识，体验并激起关注社会人生的积极感情。
在生活中，到处都是艺术。从视觉上，我们看到蓝蓝海洋之宽阔、小河流水之细腻、花儿盛开之美丽、春风抚柳之温心；从听觉上，我们听到惊涛拍岸、高山流水、鸟儿争鸣；从嗅觉上，我们嗅到花儿的清香；从味觉上，我们尝到酸甜苦辣；从肢体上，我们感觉到冷热温凉、粗糙光滑；我们从这些生活中感悟出美好，感悟出艺术无处不在。艺术与生活的存在在大众化的角度来说是已经形成汇融，也就是艺术与生活的交叉。同时形成了两个命题，一个是艺术生活化，另一个就是生活艺术化。这两个命题一个偏重于艺术，适宜于那些艺术家在追求艺术层次上对生活的塑造结果的呈现，这就是艺术生活化的进程和结论。而另一个则侧重在生活上，是一些生活品质追求的层次超越感，她们来自于艺术的渲染，同时又会来源于生活体验的灵感的提升，是生活的一种人为有意识的进化。
艺术中到处都体现着生活、体现着自然。艺术来源于生活，生活来源自然。生活是千姿百态的，自然是变化无穷的，因此，艺术也是丰富多彩的。我们在自然、生活中体验到花儿的开放、鸟儿的歌唱、江河的奔腾、高山的耸立，通过认知，产生感悟，花儿为谁开放？鸟儿为谁歌唱？江河为谁奔腾？高山为谁耸立？抒发我们对自然、生活的情感；把这些情感转换成其他的艺术形式，如书法、绘画、雕塑、音乐、舞蹈等等，使我们能更好地融合在自然中。艺术家从生活中提取有价值的、有意义的内容，运用到艺术中去，反过来又充实人们的生活，给人们带来新的享受。作为艺术的表现方法，绝不是生搬硬套生活，或者重复生活，而是有取舍地提取生活中的精华。在这个提取过程中，由于每个人的生活的时代不同、内容的不同、环境不同、感受也不相同等等，所以产生的作品也不相同，正是这些不同，才能满足不同人的需要。人们站在不同的角度去看，审视、品味作品，从中得到美的享受。
随着时代的发展，艺术也愈来愈进入多元化状态，艺术真实的标准也进入了多元化时期。艺术真实的终极目的是生活，是客观世界，这一点可以肯定，但对生活与客观世界的表达方式可以是多种多样的，我们不能轻易认定这一类艺术品具有艺术真实，而那一件艺术品缺乏艺术真实。在这样的时代，我们应当以更开放的眼光来看待艺术，应当具体评价一件艺术品是否具有艺术真实，而无须争论哪种艺术模式更接近艺术真实。
艺术对人类社会有很大的作用，包括认知作用，审美作用，交流情感作用，引导教育作用，存在刺激作用。通过艺术的传承，我们才了解我们的祖先的文化行为，人类怎样从原始时展到现在，通过艺术的传播，我们才学习到中西方文化的差异，认识未知的世界。人们通过对优秀艺术作品的欣赏，可以获得丰富的美感享受，可以陶冶情操，净化灵魂，可以让我们学到很多东西。艺术欣赏实乃人间一大乐事，它是提高人们生活质量的一个重要因素。真的值得我们重视。艺术欣赏还是一个反复审美的感受的过程。有些艺术作品，乍一看未必有什么惊人之处，但细细品味，其中的美感就如泉眼的泉水一般地流出。同时艺术作品往往需要一些理性思考，否则是很难完整地感受艺术作品体现出来的美的。比如莎士比亚笔下的哈姆莱特，究竟其性格特征是什么，至今还争论不清，故有“一千个读者，就有一千个哈姆莱特”的说法；还有达・芬奇的名画《蒙娜丽莎》中主人公那微妙的笑容，究竟意味着什么，也是众说纷纭，争论了几百年，至今还没有一个统一的结论。
如果你想要成为一个真正内行的欣赏者，那是需要具备一些条件的，首先要加强艺术修养，不断进行艺术欣赏活动，积累欣赏经验，逐步熟悉艺术的内容、形式及其特征，掌握艺术的规律。第二，还要多观察、分析生活，积累丰富的生活经验。只有对生活有深刻的理解，有真知灼见，才能正确认识艺术作品反映生活的深度和广度。
在生活中，我们想要开启自己的艺术创造，就得培养自己对周围事物的关注，在关注中培养自己对对象的观察，在观察中有所发现，再由发现引发自己个人的思想与情感的联系；在近距离的可视的现实环境中与想象的空间翱翔，在三维与平面中有机转换，在运动与静止间探索追寻美之所在，美之所存。
摘要 艺术欣赏是对艺术作品的一种感知、观赏、思考、接受、再创作的一种人类活动，它与艺术理论的存在与发展具有不可或缺的重要作用，本文从艺术欣赏分析的角度，阐述了艺术欣赏在艺术理论的发展中的重要作用，并提出观点和建议。
关键词 艺术欣赏；艺术理论；发展
1 引言
众所周知，艺术欣赏是人类将艺术形象作为审美对象的一种社会活动，是对艺术作品的一种观赏与接受的过程，是在艺术欣赏当中进行体验、理解、再创造的一种综合心理活动。艺术欣赏与艺术理论之间存在着相互依存、互相促进的关系，艺术理论是艺术欣赏的基础，是催生艺术欣赏的土壤，相反，艺术欣赏作用于艺术理论，是艺术理论的一种实现方式，对于艺术理论的发展具有不可忽视的重要作用。
2 艺术欣赏是产生美的主观条件
在艺术领域，艺术作品给人们带来美感的主观条件来源于对于美的鉴赏，对于艺术作品而言，艺术美感是艺术理论产生及发展的基调，同时，艺术欣赏必然是艺术美感产生的原理及内在机制，其主要内容主要体现在以下几个方面：
2.1 艺术欣赏不等同于认识行为。康德认为艺术欣赏对艺术美感的一种感知，而不是对艺术作品的单纯认识活动，认识行为仅仅是从理性的角度出发，对于一件事物产生记忆和理解，而艺术欣赏是一种基于感性层面的活动，是对于艺术作品所散发出来的艺术美感及其内涵所做的一种感性体验，并由此产生美感。
2.2 艺术欣赏是一种主观行为。人类对于艺术作品的欣赏体验，是一种主观的、带有个人感情色彩的体验过程，他并不关心艺术作品作为客体而言的一种存在及其性质，仅仅关心艺术作品的完满性及其是否满足观赏者的内心期盼。譬如一把椅子，首先只有符合观赏者对于椅子的概念，它才称得上是一个具有完满性的美的椅子，因此，在艺术作品当中，其形式表象是作为艺术欣赏当中审美愉悦感迸发的根据所在。
2.3 艺术欣赏带来精神上的快感。艺术欣赏过程当中产生的美感通常以快感的形式为观赏者所感受，这种快感不同于感官上产生的生理快感抑或道德上的产生的理性满足，而是一种来自于精神上的，淡漠纯然的快感，是观赏者主观情感上的满足，并不会参杂外在的功利及利害因素。并且，只有人类才能在艺术欣赏过程中产生美感，并据此迸发出快感。
2.4 艺术欣赏的美感具有普遍必然性。艺术欣赏当中所产生的美感与愉悦并不会随着时光或者观赏者的变化而变化，只要面对一件优秀的艺术作品，就会普遍并且必然地迸发出审美的愉悦与快感。
3 艺术欣赏是艺术理论发展的必要条件
在我国近现代历史上出现了一度对艺术欣赏理论不足的状态，有些学者认为这是现当代艺术在"中国化"过程中出现了一些问题，和艺术欣赏以及艺术理论本身无关。殊不知，我国近现代艺术无论是理论的发展还是实践的飞跃都是基于和西方艺术体系不断碰撞、不断融合的过程。从这一层面上来看，艺术欣赏是艺术理论发展的必要条件，也就是说只有在艺术欣赏的过程中，让普通民众和艺术工作者不断提升对艺术作品的欣赏层次，才能够不断加强艺术品评的说服力，进而反过来推动艺术理论以及艺术实践的发展。在这个过程中，一定会出现人们在众多艺术门类上的基本理论方面、方法论方面、范畴体系方面、理论形态方面以及学理规范方面的误区，但是这种种误区的形成必然后促进人们对艺术理论和艺术实践的思考。评价以及批判，从而避免了人们对艺术的过分迷恋和盲从。
近年来，相关理论研究文献说明，在当前信息化时代的大背景下，人们接受艺术的机会越来越多，而对艺术的追求也是越来越理性。人们在艺术欣赏的过程中，能够建立起自己的艺术欣赏体系，从而基于自己的艺术欣赏体系对艺术品进行品评。在这种欣赏的过程中完成了两方面的飞跃：一方面，艺术爱好者以及艺术工作者在艺术欣赏的过程中，不断完善自我的艺术欣赏体系，实现了对艺术品欣赏过程中感性阶段到理性阶段的飞跃；另外一方面，人们对艺术品的欣赏也左右了业内艺术品风格的走向，这是一个发展的过程，不断促进艺术相更高层次前进，这个前进过程自然包括艺术理论的发展以及艺术实践的进步。
从以上的文字我们可以看出，在艺术理论发展的过程中，艺术欣赏是必要条件。但是艺术欣赏并不是艺术理论发展的充分条件，也就是说仅仅进行艺术欣赏就能够推动艺术理论的发展，这显然是天大的玩笑。
4 艺术欣赏是实现艺术批评的直接手段
艺术批评来自于艺术欣赏，艺术欣赏是艺术批评的直接手段，艺术批评推动艺术理论的改革和发展。一般说来，艺术作品的价值以及功能主要就是通过公众的欣赏而得以体现，艺术欣赏作为艺术实践当中的一个重要环节，不断促进着人类艺术理论的发展和演变，而这种演变，主要通过艺术批评来获得推动力。
艺术批评是一种建立在艺术欣赏基础之上的一种艺术品评活动，基于某种立场、某种角度或者某种动机来对艺术作品以及艺术家的功过成败做出品评。通常来说，艺术作品习惯于将艺术家的思想、观念隐藏在其中，而艺术批评家们的工作就是要挖掘出隐藏域艺术作品深处的创作思想与观念，并加以概括和综合，将之提升到一个带有规律性的理论层次，从而推动艺术理论及实践活动的不断发展、促进艺术的繁荣、提升艺术家的创作水平、提高普通大众对于艺术作品的欣赏水平及艺术素质。
艺术批评与艺术欣赏之间存在着相互依存的紧密联系。艺术欣赏作为艺术批评的基础，为艺术批评提供生存土壤，艺术批评作为艺术欣赏的发展和生活，为艺术欣赏提供上升的空间。然而，艺术批评具有明显的社会层次性，这也就要求其对应的艺术欣赏也要具备相应的层次性，在社会中，不同阶层、不同分工之下的文化心理结构以及艺术欣赏水平都不尽相同，具有不可避免的矛盾，因此，在艺术批评过程当中，需要层次性，以适应不同环境下的艺术欣赏需求。
5 艺术欣赏促进现代艺术理论的生成
从另外一个层面讲，艺术欣赏还一定程度上促进了艺术理论的生成，这主要表现在如下两点：
首先，艺术欣赏者是艺术活动当中的重要元素之一，它对于艺术作品的审美认知以及审美感受起到了一种接受者的作用。对于中国艺术领域而言，其现代艺术欣赏是在受到西方艺术欣赏以及中国古典艺术欣赏的融合与碰撞当中发展变化而来的，并在其形成与发展当中推动了艺术理论的发展和变化。从总体角度看来，中国的现代艺术欣赏的基本理论、方法、形态以及学理规范均是在西方艺术欣赏理论体系的影响下发展而来的，这也就不可避免的被纳入到现代艺术理论的知识体系当中。
其次，我国艺术欣赏理论的研究当中，绝大多数的研究基准均来自于艺术欣赏的体验与总结，也就是说，艺术欣赏过程当中产生的感性体验与总结为艺术理论知识体系的构建和形成提供了实例素材，艺术理论从艺术欣赏的体验过程中抽象总结出规律性的理论依据，在艺术作品的更替与艺术欣赏的交互中，不断总结并更新。
6 结语
艺术欣赏是一种由审美与反审美相互作用而产生的一种感性体验与心理感应活动，在欣赏者与艺术作品的主客体交互过程中，产生审美的快感。本为从艺术欣赏与美感产生、艺术欣赏与艺术数理论的发展关系、艺术欣赏与艺术批评的依存关系以及艺术欣赏与现代艺术理论生成并发展的相互作用关系，阐述并分析了艺术欣赏对于艺术理论体系发展的重要性以及必要性。希望能够对相关行业的工作人员以及爱好者提供一些参考。
摘 要：书法是中华民族艺术的瑰宝，是我国重要的传统文化。培养小学生的书写基本技能和书法欣赏能力具有重要意义，不仅能够提高小学生的爱国之情，还能够促使小学生养成正确的书写习惯，有利于他们形成良好的文学素养。因此，小学语文教师在日常教学中必须重视学生的书写，加强监督和引导，提高小学生的书写能力。文章主要探讨提高小学生书写水平和书法欣赏能力的有效途径，希望能给小学生的健康成长带来帮助。
关键词：写作技能；书法；欣赏能力
书法不仅是一项技能，更是我国重要的传统文化和艺术瑰宝。小学阶段，学生正处于成长的黄金时期，在这一时期养成的书写习惯会影响他们一生，因此小学语文教师必须重视学生的书写，在日常教学中规范学生的书写行为，给予学生及时、有效的指导，全面提高小学生的综合能力。同时，小学语文教师还要善于培养小学生对于书法艺术的欣赏能力，以锻炼小学生的审美能力和创新意识，激励他们不断进步。随着新一轮课程改革的深入，义务教育阶段的课程标准对于小学生的写字提出了明确的要求：要养成正确的写字姿势和习惯，书写的文字需要清晰、整洁、端正。下面笔者谈几点自己提高小学生写作技能和欣赏能力的做法，以供广大同仁参考。
一、加强技巧指导，营造写字氛围
提高小学生的书写技能并非是一朝一夕的事情，需要小学语文教师树立长期教育意识，加强对小学生的技巧指导，提高小学生对书写的兴趣，从而给小学生营造一个良好的写字氛围。我在日常工作中发现很多小学生书写姿势不符合标准，容易出现头歪、身斜、腰弯等现象，这些不良习惯对小学生影响深远，需要引起教师和家长的重视。针对这样的情况，我会对小学生进行科学规范的写字训练，先从端正坐姿开始，正确的坐姿应该是头部端正，离桌面一尺，胸口离桌沿一拳左右，两肩齐平，两脚自然下垂分开平放在地上，然后给小学生讲解一些书写的技巧，比如怎样下笔，怎么执笔，怎样提高写字效率，怎么确保书写清晰等。此外，小学语文教师还要发挥主导性，采用多种教学方法，利用现代化教学手段，通过对学生的写字基本技能的指导，锻炼小学生的意志力。总而言之，语文教师应把写字训练当作教学重点工作，并且贯穿于语文教学的始终。
二、注重示范引领，提高书写兴趣
小学语文教师在写字教学时必须为小学生树立榜样，给小学生做出表率，使小学生在潜移默化中受到熏陶。有的小学语文教师在写板书时字迹潦草，小学生根本看不懂，无法跟随教师的步伐，以至于影响了语文课堂教学效果。对此，我的做法是：在书写板书时坚持用标准的字体，确保小学生能够认清，做到“宁可少写，不可草写”，并积极地为小学生拓宽识字量，帮助小学生会认和会写更多的汉字。总而言之，语文教师要能写出优美的汉字，批改作业的评语也要工整，用汉字本身的魅力去影响小学生，激发小学生的写字兴趣。此外，我还会表扬班级中具有良好写字习惯和写字能力的小学生，给其他学生树立榜样，并且定期在班级的学习园地中展示小学生的优秀作品，以提高小学生的参与度，形成比学赶超的良好班风和学风。同时，每周对学习园地的书法作品进行一次更换，确保每个小学生的作品都有机会进行展示，从而使小学生沉浸于浓郁的书法氛围中，获得美的体验和感受，挖掘出小学生内在的书写潜能。
三、丰富写字形式，加强过程评价
在规范小学生的写字基本技能时，语文教师要善于采用多种教学形式，设计丰富多样的写字活动，鼓励小学生积极地参与，尊重小学生的主体地位，让小学生真正成为课堂教学的主人。同时，教师还要加强对小学生写字过程的评价和指导，针对不同的小学生给予不同的评价，激励他们不断进步。我在工作中会定期组织小学生进行写字比赛，先任选一篇课文作为书写的材料，让小学生当场书写，然后教师当场评分，对于书写工整、清晰的小学生要给予奖励。小学生在这样的写字活动中可以进行横向对比，从而找出与其他同学的差距。我还会组织小学生做写字的游戏，先在黑板上写出一些小学生学过的词语或者成语，然后故意把每个词语或者成语少写一个字，让小学生积极进行思考，然后到黑板上补充。另外，我也会把文字编成小故事讲给学生听，以帮助小学生快速掌握新的汉字。比如“休”字，就是一个人累了，在一棵树旁靠着，就是休息的意思。当小学生听到教师的讲述，对于文字就会更加感兴趣，也会在书写时记忆更深刻。
四、欣赏书法作品，形成思想共鸣
为了从小培养小学生书法艺术的欣赏能力，小学语文教师应该根据小学生的个性特点和认知水平，选择适合小学生欣赏的书法作品，让小学生在欣赏作品的同时加深对书法的了解，形成不断追求新知识和新技能的意识，并且与书法中蕴含的情感产生共鸣。有一些小学语文教师在给学生选择欣赏的书法作品时没有考虑到小学生的感受，选择了草书或者行书等作品，导致小学生对书法失去了兴趣。我在实际教学中组织了书法观摩活动，即利用多媒体、电脑、实物等形式，带领小学生一起欣赏古今中外的书法家的书法作品，并在小学生欣赏和观看的过程给他们讲述一些关于作者的小故事，以增强小学生对作者的理解，这对今后进行课文教学有重要作用。同时，我也会给小学生讲一些名人练习书法的例子，让小学生明白“熟能生巧”“勤能补拙”“坚持就是胜利”的道理，让他们树立写字的信心和勇气。
综上所述，小学生是祖国的未来，是社会主义的接班人，培养小学生的书写技能和书法欣赏能力是非常有必要的，不仅能培养小学生热爱祖国语言文字和中华优秀文化的思想感情，还能让小学生养成不怕吃苦、持之以恒、勇于拼搏的良好品质。作为一名小学语文教师，我们必须要把教学当成终身奋斗的事业，坚持“以学生为中心”，结合小学生的实际情况，选择贴近小学生日常生活的训练内容，提高小学生的书写能力，进而让每一名小学生都能够从写字中收获到快乐。同时，小学语文教师还要擅长给小学生选择书法作品，让小学生可以在欣赏的同时受到熏陶和教育，以培养小学生的审美能力和创新意识。
